y tú las pintarás de plata

Hello cuca - esplendor en la arena

2009-06-18T23:32:00.002+02:00

al revés: anera al ne rodnelpse - acuc olleh

myspace hello cuca

Phoenix - wolfang amadeus phoenix

2009-06-15T22:07:00.003+02:00

al revés: xineohp suedama gnaflow - xineohp

myspace phoenix

Sexy sadie - draining your brain

2009-06-14T22:41:00.003+02:00

al revés: niarb ruoy gniniard - eidas yxes

Sexy Sadie- In the water

En una entrevista en la Mondosonoro en septiembre del 2000 Jaime comentaba con respecto a este trabajo: “Valoro su espontaneidad y que es un disco muy juvenil. Buscábamos algo rabioso, frenético y sencillo. Incluso las canciones lentas las queríamos así, que fueran oscuras. Sirvió para que nos diéramos cuenta de que lo podíamos hacer, que podíamos tocar nuestras canciones, aunque como grupo nos quedara mucho trabajo por delante. Es un disco muy ´viva la virgen´ en todos los sentidos. Las letras también: en aquella época me importaba poco lo que decía. Y es el disco de 'In the water', una canción que sin querer nos salió redonda”. Y es que todo podía haber sido distinto si no fuese por dicha canción, que con el tiempo ha alcanzado adjetivos como mítica o himno generacional de aquellos 90 marcados por el indie y por una legión de grupos que cantaban en inglés, y de los que tras una importante selección natural nos acordamos de muy pocos. Eso sí, con Sexy Sadie a la cabeza, una banda que siguió creciendo al margen de cualquier contexto.

El disco está producido por Paco Loco, con quien repitirían en “Onion Soup” (Subterfuge, 1996) y la original portada es del dibujante M.A. Martín,conocido por ser habitual colaborador de Subterfuge y por sus polémicos comics, editados en España por La Cúpula, que llegaron a ser prohibidos en algunos países. El sonido es deudor de unas influencias centradas en el rock independiente americano, con grupos como Pixies o Sonic Youth y ciertos aires grunge, con la urgencia de la juventud y una marcada tendencia al ruidismo y la distorsión que se iría templando con el tiempo.

Aparte de la mencionada “In the water”, caben destacar los aires grunge de la corrosiva “Let me rock you” y los ecos emo de “Come” y “Fiesta song”. “A joke” es la pausa antes de “The aware”, tema en el que los Pixies están más próximos. En “Lonely green tongue (Fly)” llevan la distorsión a nuevas cotas, con un urgente “Hey fly! where do you go?” que se escucha entre guitaras afiladas y una batería contundente. Cierra “Lenina”, con una guitarra acústica que se va disipando entre la electricidad.

Podemos decir que no se trata de un gran disco, mejorable en muchos aspectos, sobre todo los momentos más AOR en el que el ruido cabalga descontrolado, pero a su favor cuenta que siempre será recordado por contener ese hit generacional que ya hemos mencionado, y que es “In the water”. Aparte del hecho de ser el germen de los grandes discos que le sucederían.

Fernando Fernández Rego para lafonoteca.net

myspace sexy sadie

Sexy sadie - onion soup

2009-06-14T16:00:00.004+02:00

al revés: puos noino - eidas yxes

la versión en castellano de mr.nobody

Tras “Draining Your Brain” (Subterfuge, 1995), vuelven con este “Onion Soup” (Subterfuge, 1996), uno de los mejores discos del año para la Rockdelux y un disco con el que Sexy Sadie da un paso al frente para colocarse en primera línea de la escena independiente.

Paco Loco repite en la producción, de la que por cierto no quedarían contentos, y es que muchas canciones son magníficas pero el sonido en ocasiones es malo, evidenciando que el brillo podría ser mayor. Algo achacable al bajo presupuesto con el que se contaba, el traslado del estudio de Paco de Gijón a Cádiz y una interpretación que también podría ser mejor. A pesar de esto, se trata de un gran trabajo, con una amplia variedad de sonidos que van desde el pop al rock psicodélico, eléctrico y acústico de los 60 y 70, pudiendo hablar de grupos como King Crimson, además de la clara influencia del sonido de los 90, con los Pixies y Sonic Youth a la cabeza.

En está ocasión la oscuridad merodea por cada una de las canciones, porque la luz llegaría de golpe con “It's Beautiful, It's Love” (Subterfuge, 1998). Esa oscuridad fue captada por Javier Aramburu para el diseño del genial libreto y del logo que acompañaría al grupo a lo largo de su carrera. En la parte interior del disco puede leerse “This record is specially dedicated to Jess Franco”. Todo un detalle con el director madrileño.

“Rock 'n' Roll fear” y “Lier in the mean world” suenan pletóricas, y con una mejor producción y un sonido más limpio estaríamos hablando de otra cosa. Cercanas al rock americano, se percibe la influencia de Sonic Youth. “Mr. Nobody” es una de las mejores canciones de Sexy Sadie, con un sonido acústico provisto de grandes arreglos y una suave melodía marca de la casa. “Voodoo sacrifice” suena sucia y contundente, con unos riffs de guitarra muy logrados y Jaime mostrando nuevos registros vocales. “Mr. Hat” trae de nuevo sonidos acústicos está vez con aires de psicodelia para facturar una de las grandes canciones del disco.

Entonces llega “Johnny the Good", con una estupenda melodía y unos arreglos magníficos en la que la influencia de los Beatles queda patente: “He likes staring at the sun” canta Jaime con dulzura. Cierra “I gotta go”, un tema muy corto y oscuro que queda perdido entre efectos y que, sin embargo, ganaría enteros al pasar por la trituradora hasta el punto de ser el primer single de “Onion Soup Triturated by Big Toxic” (Subterfuge, 1997), el disco en el que Big Toxic remezcla las canciones de este “Onion Soup”.

Fernando Fernández Rego para lafonoteca.com

myspace sexy sadie

Sexy sadie - It´s beautiful, it´s love

2009-06-14T11:57:00.005+02:00

Pues nada que estos zagales se reunen para tocar en dos conciertos en Madrid y Barcelona y me ha entrado la nostalgía.

al revés: serobmat y sarratiug - tes tej aloc

Sexy Sadie- A brand new world

Era un momento díficil para el grupo. Mique Serra acababa de abandonar debido a problemas de salud y Sexy Sadie convertido en trío afrontaba la grabación de este “It's Beautiful, It's Love” (Subterfuge, 1998) con muchas dudas. Jaime García Soriano comentaba que "fue un disco que hicimos con mucha presión, ya que nos quedamos como trío y tuve que asumir la cabeza y la composición cuando no era lo que más me apetecía. Y, lo que son las cosas, al final fue nuestro pequeño gran salto". Y es que esta entrega supuso la consolidación del grupo en la escena independiente nacional, tratándose, sin lugar a dudas, de su mejor trabajo. Su sonido gana solvencia y técnica, presentando su mejor colección de canciones, exquisitas melodías con un envoltorio más sofisticado que en ocasiones anteriores y con una mayor riqueza estilística, sin abandonar la contundencia y las guitarras afiladas, pero introduciendo sonidos acústicos y coros como los de Najwa Nimri en “Stay behind me” y Adela Peraita de Sunflowers en “Satellites”, y violines, clarinetes, chelos, saxos y trompetas en “You know that's the way I like it” y “Hanging lights”, acerándose a un clasicismo en el que The Beatles y David Bowie están muy presentes.

“I´m the brain” es deudor del sonido anglosajón con tintes ruidistas de sus inicios, la voz de Jaime suena ligeramente distorsionada mientras canta ”I will try to show to you the best that I can do”. “A brand new world” representa lo que es este disco, melodías exquisitas envueltas de electricidad y dulzura, con unos arreglos preciosistas y una excelente producción. Los arreglos de acuerda de “You know that's the way I like it”, que cuentan con la inestimable ayuda de Joaquín Pascual, justifican por sí solo este disco. Con una sección instrumental que aúna electricidad y acústica, y una melodía con cimas y bajadas redentoras.

“Needle chill” sube el nivel, contundencia y electricidad se dan la mano, pero sin perder de vista un estribillo demoledor: “He was a friend of mine / He made me feel so fine / Make up your mind to sail / There´s nothing left to say / I wish you were with me to feel what i can feel / Depressing needle chill…hurt me!”. “Stay behind me” es una de las mejores canciones del disco, una melodía exquisita en la que la voz de Jaime y la dulce Najwa se entrelazan para alcanzar cimas luminosas entre guitarras afiladas. “Satellites” mantiene los esquemas de “Stay behind me” pero con Adela Peraita ayudando a Jaime con las voces, simplemente preciosa.

Tras la dulzura de “May”, vuelve la contundencia con la agridulce “Join us”. “Sweet life” cuenta con la colaboración de Big Toxic, programando pasajes eléctricos que traen consigo una oscuridad que se disipa por momentos. “My bike” comienza pausada pero enseguida las guitarras se afilan y llega un estribillo demoledor, “It´s beautiful, it´s love”. Cierra el disco “The tripper”, con aires de fin de partida, de fin de fiesta, tintes circenses con Jaime tocando el cazoo.

Un excelente disco en el que no sobra ni falta ninguna canción y que incluso podemos decir que mejora con el tiempo. Esta es la cota más alta que alcanzó el grupo. Un disco irrepetible.

Fernando Fernández Rego para lafonoteca.net

myspace sexy sadie

Cola jet set - guitarras y tambores

2009-06-13T22:05:00.003+02:00

al revés: serobmat y sarratiug - tes tej aloc

Han tardado lo suyo -cinco años-, y con cambio de sello por el medio, aquí está su segundo álbum, tras la ya lejana aventura de Los Fresones Rebeldes. Además de asentar su formación, el grupo ha purificado su sonido, lo ha acercado al pop en su concepto más clásico, con evidentes influencias de los años 60 (Jackie De Shannon, The Ronettes, The Byrds...), pero además ha sabido enriquecerlo con pequeñas intoxicaciones estilísticas que han ido surgiendo por el camino: el soul, la música disco, la psicodelia-pop, el soft-pop...

Por eso Guitarras y tambores es en el fondo un disco de pop clásico. Porque sus melodías y sus arreglos están inspirados en los grandes nombres del género. Porque la frescura y la vitalidad campan a sus anchas en un disco lleno de emociones. Pero sobre todo porque el pop no lo es tanto si no se deja pervertir por otros estilos, por otras influencias, por otros horizontes. Por si no quedase clara su filiación clásica y colorista, existe una edición limitada en vinilo rosa para los amantes de este formato.

ultrasonica.com

myspace cola jet set

The sunday drivers - The end of maiden trip

2009-06-13T21:49:00.005+02:00

al revés: pirt nediam fo dne eht - srevird yadnus eht

The Sunday Drivers publican ‘The End Of Maiden Trip’ el próximo 15 de junio. Grabado en directo, en una semana, en los estudios Red Led de Madrid, el cuarto largo de The Sunday Drivers es, según ellos, su “mejor disco”. En el MySpace de Mushroom ya pueden oírse dos canciones, ‘My Plan’, que abre el disco, 100% Sunday Drivers, y la pista 2, ‘I’, que llama poderosamente la atención gracias a su juguetón teclado.

La nota de prensa también habla de ‘So What’ como de una canción “desgarradora”, del sonido de animales en ‘(Hola) to see the animals’ (”gaviotas, rinocerontes, tortugas, hipopótamos y elefantes”) y de la última canción, ‘El final del viaje inaugural’, con la que “se te cae la lágrima”

jenesaispop.com

myspace the sunday drivers

la bien querida - romancero

2009-04-19T14:10:00.002+02:00

al revés: orecnamor - adireuq neib al

PARA MI SIN DUDA, EL MEJOR DISCO ESPAÑOL EN LO QUE VA DE AÑO. VOSOTROS VEREIS ZAGALES !!!!

De momento abril ::: LA BIEN QUERIDA

Avalada por las buenas críticas en revistas como Mondosonoro o Rockdelux, y primeros puestos como una de las mejores maquetas españolas del año pasado, La Bien Querida ha iniciado su carrera musical como pocos. Ahora el proyecto de Ana Fernández-Villaverde está bajo la tutela del sello Elefant Records y grabando lo que será su primer largo. Antes de la salida de éste, recuperamos su demo del año pasado.

La Bien Querida ahonda en el género donde grupos como La Buena Vida o Le Mans se ganaron sus elogios con obras redondas y delicadas. Pero esta proximidad no significa que esté en el llamado Donosti sound, moda de la cual ya no se habla por suerte. Su sonido guarda similitudes en cuanto a la manera de abordar el pop y la manera de cantar, con mayor presencia que Irantzu Valencia respecto a los instrumentos, pero tampoco muy lejos. Todas las canciones piden los mismos arreglos que las de los donostiarras pero hay que ver que no deja de ser una demo y no hay medios para grabar más.

Detrás de La Bien Querida también está una figura bastante influyente en el indie español: Antonio Luque (Sr. Chinarro). El sevillano ha apadrinado a la madrileña y ha puesto voces incluso a Adn. Otro apoyo más de renombre para el proyecto.

La influencia de la carrera de Chinarro deja su huella en la mejor de la demo: El Zoo Absoluto, más oscura y rápida que el resto. El resto se divide entre letras de amor y desamor bien escritas y mejor llevadas a la práctica por la suave voz de Ana Fernández. Corpus Christi es el tema típico de pop naif que con unos buenos arreglos de fondo ganaría muchos enteros, 96 recupera una historia de recuerdos con una leve back vocal, pidiendo a gritos también una mejor producción, y Monte de Piedad es la más modosita sin apariencia de romper un plato.

Ahora nos toca esperar a ver por dónde tirará La Bien Querida en su primer largo, aunque el fichaje por Elefant y la trayectoria del sello, hace pensar en la estela de Le Mans y del buen pop sencillo. No sé si se ha dado a conocer el nombre del productor ya, pero si fuese Ibon Errazkin, este proyecto muchísimo ganaría en sonido. Otro grupo que apunta a tener un futuro prometedor en el indie español.

hipersonica.com

myspace la bien querida

manel - els millors professors europeus

2009-04-19T12:02:00.004+02:00

al revés: sueporue srosseforp srollim sle - lenam

Manel - Al Mar

Hay discos que justifican la vorágine musical en la que algunos hemos decidido malvivir. Discos que atesoran calidad tanto en lo musical como en las letras como Els millors professors europeus (Discmedi) de Manel, donde siendo muy poco generosos es difícil encontrarle un fragmento que sobre. Y apenas estamos hablando de la primera referencia ‘oficial’ del grupo barcelonés, algo que dentro de un tiempo puede significar un listón demasiado alto, pero que ahora mismo es el mejor regalo que la música de este país podía darnos este otoño.

Manel está compuesto por cuatro chavales de la ciudad condal, remarcando esto último, ya que en ningún momento parece que vivan en la misma ciudad que tan a menudo peca de superficial y donde la estética es muchas veces más importante que el contenido. Al igual que The Wave Pictures, que afirman que no entienden ver gente tan bien vestida en sus conciertos cuando ellos siguen comprándose la ropa en los almacenes Marks & Spencer, a los miembros de Manel parece que toda la ola de modernidad ni les roce.

Ello es bien visible luego en las canciones de Els millors professors europeus. En ‘Els guapos són els raros’, por ejemplo, donde con toda la naturalidad de el mundo dejan caer que bailar sardanas es un atributo más que loable. A pesar de que la ironía y el surrealismo sobrevuela todo el disco (la final ‘Corrandes de la parella estable’ es otra muestra), el trabajo de fondo para presentar unas letras tan logradas merece ponerse serio y dedicar más de dos y tres aplausos. En este sentido, las letras de Manel se acercan prodigiosamente a la misma altura que las de autores como Joan Miquel Oliver o Jaume Sisa, por citar los culpables de las mejores letras con qué la música en catalán se ha expresado los últimos años.

Pero como unas buenas letras no bastan, el cantante y ukelele Guillem Gisbert y compañía se sirven de temas pop redondos como ‘Roma’ (una paja mental sobre una traslación al antiguo imperio romano, con una gran entrada instrumental en el 1:24), la vital ‘Pla quinquennal’, la optimista “a-pesar-de-todo” ‘Captatio benevolentiae’ (una de las mejores del ábum) o la marchosa y costumbrista canción de amor ‘Al mar’.

Podríamos continuar y destacar el efecto sonrisa que provoca ‘En la que el Bernat se’t troba’ o como ‘Ceràmiques Guzmán’ nos recuerda alguna escena algo embarazosa sufrida en carnes propias, pero tampoco se trata de esto. Els millors professors europeus es, en definitiva, el disco que puede hacer coincidir al prototipo fan lector de la catalana revista Enderrock, a aquellos que diseñan carteles del Primavera Sound en sueños y a cualquiera que pase por aquí. Pero no solo eso, sino lo que es más importante, es el disco que puede derruir de una vez por todas los muros de prejuicios que se han ido levantando alrededor del pop cantado en catalán.

indiespot.es

myspace manel

cooper - aeropuerto

2009-04-19T11:52:00.003+02:00

al revés: otreuporea -repooc

COOPER Hyde Park

Existen personas que tienen una parte de su vida dedicada al pop y otras para las que el pop es la vida misma. Alejandro Díez, el ex líder de los míticos Los Flechazos y actualmente responsable de Cooper, podría ejemplificar a la perfección la segunda opción. Erudito y militante de la causa en su vertiente mod desde los ochenta, en su trayectoria no solo descansan un puñado de grandes canciones, sino la sensación de que su diario personal se va abriendo de continuo entre melodías y estribillos.

«Me he pasado media vida desnudando mi corazón, confesando mis secretos en cada canción», dice en Ruido, una de las canciones incluidas en este, el tercer largo de Cooper. Lo clama entre guitarras afiladas que recuerdan a los The Jam electrizantes de la primera época para reivindicarse como artista en medio del sinsentido que generalmente reina la industria del pop nacional. Esa que siempre le dio de lado y por la que Alejandro pide complicidad a su público: «Ojalá tú quieras estar del lado del perdedor», dice unos versos más adelante en el mismo tema.

Lo cierto es que resulta fácil ponerse a su vera. La cuestión es sortear la vulgaridad imperante y llegar al oído adecuado. Si este adora el power-pop de ascendencia sesentera y raigambre británica erigirá, si es que no lo ha hecho ya, a Cooper como un icono que reverenciar. En sus canciones hay belleza, pasión y clase a raudales. También constantes guiños a clásicos inalterables. Y unas dosis de sentimentalismo, muy a lo Nacha Pop, que acarician la fibra sensible de un modo que pocos, muy pocos, han logrado en España. Véase, por ejemplo, Canción de viernes, un sentido y bellísimo medio tiempo que recoge el espíritu preciosista de los Teenage Fanclub del Grand Prix y que el autor dedica a su padre recientemente fallecido.

Como ocurrió en Retrovisor, su álbum precedente, este trabajo recopila toda la producción de Cooper en singles y epés durante los últimos dos años, junto a cuatro temas aún no publicados. En este apartado figura Hyde Park, que lleva el cuño de hit de Cooper tatuado en la piel, El fin de la inocencia que posee un delatador aroma a lo Tamla Motown, la versión de El sueño de Nacha Pop y Lisboa, una conmovedora muestra de psicodelia mareante que se perfila como el mayor hallazgo sonoro de un disco donde todo suena familiar.

Alejandro confiesa carecer del don de la sorpresa en la música. Tanto da, sus canciones suenan a ya oídas del mismo modo que la primavera se repite año a año sin que, por ello, deje de enamorar. Y eso, que puede parecer lo más cursi del mundo, recobra el significado en cuanto el play se pulsa y el grupo empieza a girar. Entonces, no queda más remedio que alzar la voz para decir alto y claro: sí, estamos del lado del perdedor.

myspace cooper

love of lesbian - 1999

2009-04-19T11:46:00.003+02:00

al revés: 9991- naibsel fo evol

Love of Lesbian - Club de fans de John Boy

En este 2009 saldrá nuevo disco de Love of Lesbian, esos catalanes que tanto enamoraron a la redacción de Hipersónica con sus Cuentos chinos para niños del Japón.

Y vuelven con un álbum que se llamará 1999 y saldrá al mercado el próximo 24 marzo. El disco promete ser semi-conceptual, porque a lo largo de catorce canciones hablarán de la relación amorosa de dos jóvenes veinteañeros durante un sólo año.

Dicen los que ya han podido oír el álbum que hay lugar en sus nuevos temas para la euforia y el entusiasmo pero también para el desencanto y la tristeza, formando así quizá el disco más serio de toda su carrera, dejando atrás aquellas letras graciosas que tenían alguno de sus temas.

Como era de esperar, los teclados y los sintetizadores siguen teniendo un papel fundamental en la banda, pese al protagonismo evidente de las guitarras y las letras del gran Santi Balmés, de nuevo en castellano por tercer álbum consecutivo.

hipersonica.com

myspace love of lesbian

The Wave Pictures - Instant Coffee Baby

2009-03-30T22:23:00.002+02:00

al revés: ybab eeffoc tnatsni - serutcip evaw eht

The Wave Pictures - Just Like A Drummer

Para definir a The Wave Pictures es muy significativo decir que Darren Hayman (Hefner) y David-Ivar Herman Dune son sus principales valedores. De hecho, ambos han participado en la grabación de su nuevo largo ‘Instant Coffee Baby’ (el primero con una distribución decente y una formación estable). Este trío británico se ha ido labrando una carrerita discreta como banda de acompañamiento del propio Herman Dune, Jeffrey Lewis o John Darnielle (The Mountain Goats) y estos han correspondido con enormes elogios las canciones de David Tattersall, que les han procurado la atención de medios como The Guardian.

La cuestión es que estos muchachitos desagradecidos se han sacado de la manga un pedazo de disco de pop-rock de baja fidelidad, atemporal e inagotable, que da un par de sopapos a las últimas obras de sus padres putativos. Cría cuervos…

Al igual que sus padrinos, The Wave Pictures tienen un mucho de Violent Femmes y Jonathan Richman, pero son los pequeños detalles los que marcan la (su) diferencia: la peculiar voz de Tattersall, de la que se oyen hasta los golpes de voz en el micro, ese solo de saxo al final de ‘I Love You Like A Madman’, la viola de ‘Strange Fruit For David’, la voz femenina que anuncia que ‘Friday Night in Loughborough’ es “‘Friday Night in Loughborough’ de The Wave Pictures”, los coros que alternan los fraseos de la voz principal en ‘Just Like A Drummer’… Del mismo modo, lo glorioso de las deliciosas letras de ‘Instant Coffe Baby’ es que dan valor a la grandeza de las cosas insignificantes: una chocolatina derritiéndose en el bolsillo, despertarse con el tronar de una máquina de escribir que suena a batería, aguantar las ganas de fumar delante de sus padres, recordar por fin ese nombre y escribirlo infinitas veces en un papel, una sonrisa manchada por el vino tinto o pelear por ver quién escribe los mejores piropos a los Beatles.

Como decía antes, estas trece (catorce en la edición de vinilo) enormes canciones pequeñas resultan una fuente inagotable de satisfacción. Hacía mucho tiempo que no encontraba un disco de estos que puedes (o al menos deseas) corear a voces de principio a fin, pero ahora ‘Instant Coffe Baby’ estarán en mi estantería cerca del grandes éxitos de Teenage Fanclub, el ‘It’s A Shame About Ray’ de The Lemonheads y el ‘Breaking God’s Heart’ de Hefner.

jenesaispop.com

myspace the wave pictures

The tough alliance - the new school

2009-03-29T11:27:00.002+02:00

loohsc wen eht - ecnaliia hguot eht

The Tough Alliance - Koka Kola Veins

Seguidores del dancehall, los Beatles y el trance, The Tough Alliance es un atractivo dúo sueco formado por los muchachos Eric Berglund y Henning Fürst, que con apenas 26 años han dado bastante que hablar. Y no sólo por su adictivo electro pop con cierto tinte ochentero, sino por su actitud desafiante y revoltosa más cercana a Sid Vicious que a George Michael.

Durante tres años compartieron catálogo, en la etiqueta sueca Service, con Jens Lekman, Whitest Boy Alive y The Embassy, pero cortaron relaciones cuando se cansaron de formar parte de un sello que albergaba a artistas con los cuales no tenían absolutamente nada en común. Por eso, a principios del año pasado crearon su propio sello, Sincerely Yours, por el cual lanzaron su segundo LP New chance y editaron a bandas como The Honeydrips y Air France. A pesar de la distancia con Service, la realidad demuestra que su estadía en el sello les permitió hacerse un lugar en la escena sueca, además de abrirle camino a otros artistas electrónicos como The Knife y Lo-Fi-Fnk.

Extremadamente directos tanto en su música como en las entrevistas, ninguno demuestra inconvenientes al momento de decir lo que piensa. Responden abiertamente a cualquier pregunta mientras tanto no se hagan distinciones entre quién dijo qué cosa. Serios y vestidos de sport, no les gusta mostrarse en otro ambiente que no sean las “fiestas” en las que tocan con sus sintetizadores y bates (sí, los de baseball). Y es que cuando TTA se sube al escenario, tal cual Charly García, nunca se sabe con qué te van a sorprender. Lo más probable es que prendan sus sintetizadores, se pongan a bailar bajo el ritmo de sus propias canciones y canten si tienen ganas, te revoleen con un bate o te agarren a trompadas porque no entiendes nada.

myspace the tough alliance

Ten new raemon - la invasión de los ultracuerpos

2009-03-28T22:52:00.002+01:00

sopreucartlu sol ed nóisavni al - nomear wen eht

The New Raemon "Elena-na"

Seis canciones tiene el nuevo disco de The New Raemon, "La invasión de los ultracuerpos", maravilloso vinilo de 10" nacido como continuación de uno de los mejores discos del año pasado "A propósito de Garfunkel". Como este, cuenta con el sofisticado diseño de Martín Romero.

No sé si este nuevo minielepé está compuesto por descartes de "A propósito de Garfunkel". Al principio, en la cara A, da la impresión de que no, o de que si son descartes bien podían haber estado perfectamene en el disco de larga duración, porque tanto Sucedáneos como la versión de Nueva Vulcano, Mano izquierda, arrojan tanta o más frescura que las canciones anteriores -frescura en todas sus acepciones, caradura, moderadamente frío, recién hecho, sereno, no congelado, descansado o desendadado-, que siguen llenas de melancolía y acústica, y que también siguen acabando con Ramón gritando el estribillo "soy un sucedáneo", como ocurre en muchas otras canciones del grupo. Hasta la versión, con segundos sentidos de frases como "Pintan sus casas antes de las fiestas, yo no... pinto nada" cuadran a la perfección con la filosofía de The New Raemon. Gran versión.

Pero el disco va más allá al darle la vuelta, descubriendo un The New Raemon mucho más oscuro y repensado, menos pop. Al apagar esa luz el grupo vegeta en Cumpleaños, preciosa salmodia de tristezas y heridas o en Tiembla Dublín, donde las Fotos del ayer reaparecen de nuevo como imagen recurrente en el rock. Acaba el disco con No fastidies, pequeña y divertida boutade en la que Ricky y Ramón hacen su Don Pepito y don José en clave adulta y cabaretera.

Esta doble cara del grupo da más ganas de conocer nuevas canciones, a ver si van por la pradera brillante por la que suelen ir, o siguen asomándose a nuevos abismos. De lo que no cabe duda es que un disco que contiene Sucedáneos, Mano izquierda y Tiembla Dublín merece todo el respeto del mundo.

popmadrid.com

myspace the new raemon

Half foot outside - heavenly

2009-03-28T16:12:00.002+01:00

al revés:ylnevaeh - edistuo toof flah

Half Foot Outside - 'Driveways'

El sello Limbo Starr es el nuevo hogar de los navarros Half Foot Outside. Diez años hace que pusieron su primer trabajo en la calle, aquel “So Called…” (Brutus Records) que abriría un camino que a lo largo de una década se ha ido haciendo menos abrupto. En octubre tendremos entre manos “Heavenly”, un disco plagado de sorpresas.
Los tiempos y el sonido de Half Foot Outside han cambiado mucho a lo largo de los años. Han ganado en matices sin perder fuerza. Por el camino han quedado trabajos como “Paint Red”, publicado por Underhill Records. “New Ad Ideas” (B-Core, 01) continuaría afianzando a los de Iruña en un sonido que desembocaría en el potente “It’s Being A Hot Hot Summer” (B-Core, 03), último para el sello catalán. Astro sería quien editara en 2006 “Perfect From The Distance”, un tratado de puro indie rock. Ahora se mudan de nuevo, Limbo Starr es quien editará en octubre “Heavenly”, un disco cargado de hits que no abandona en ningún caso la fuerza de una banda que se ha curtido en el directo. “Astro hizo un gran trabajo con ‘Perfect From The Distance’. Nuestros amigos de Tachenko nos hablaron muy bien de Limbo Starr, así que le pasamos el material a David López y tuvimos la suerte de que le encantó desde la primera escucha. Son gente que viven la música de una forma muy pasional y nos encanta su filosofía de sello de volcarse con todo lo que sacan”. Israel Medina (bajo) es quien continúa respondiendo cuando le comento que me parece su disco más accesible. “Para mí que sea más accesible no tiene un significado malo. Es cierto que todo está más pulido y equilibrado y nos hemos tomado con mucha calma todo el proceso”. Repiten los artesanos del anterior álbum. “Ya grabamos con ellos ‘Perfect From The Distance’ y como quedamos muy contentos con el resultado decidimos repetir. También por la comodidad de grabar cerca de casa y porque tanto el estudio de Kaki Arkarazo como el de Hans Kruger, se encuentran en mitad del campo en el que no hay nada que te distraiga. Además ambos conocen perfectamente al grupo y saben lo que buscamos desde antes de grabar. En el caso de John Agnello (Sonic youth, Dinosaur Jr…) lo mismo, decidimos volver a trabajar con él porque nos encanta la visión que tiene, tiende a simplificar las cosas”. Y ojo, porque el disco está lleno de importantes colaboradores. “Con Jon Auer y The Posies hemos tocado varias veces, y la última vez, a finales del año pasado, Auer se ofreció a producirnos el disco. Pero ya lo teníamos cerrado con Agnello, así que le dijimos ‘¿y por qué no te animas a grabar algo?’. Lo que al principio iba a ser meter un par de coros y un par de guitarras, al final ha sido que se ha convertido en el quinto Half Foot (risas). Pau (La Habitación Roja) se vino un fin de semana a Pamplona a pinchar, pero antes se pasó por el estudio a meter unas guitarras acústicas. Respecto a Banin y Florent (Los Planetas), les pasé las demos del disco y les encantaron, así que no fue difícil convencerles para que grabaran en Granada unas guitarras y teclados. Ha sido todo un honor contar con su talento”.

Rafa Angulo para mondosonoro.com

myspace half foot outside

Gotan project & yann tiersen

2009-03-28T14:01:00.004+01:00

al revés:nesreit nnay & tcejorp natog

myspace yann tiersen

myspace gotan project

tropezando he recordado...The beach boys 20/20

2009-03-28T13:37:00.003+01:00

al revés:02/02 syob hcaeb eht

'20/20' Es el álbum lanzado en exclusiva en 1969 por The Beach Boys. Es el último álbum grabado en los estudios de Capitol Records en los diecisiete años siguientes. Con una mezcla de los últimos singles, nuevos temas y dos antiguas pistas de Smile", "20/20" se convirtió en uno de los álbumes más interesantes artísticamente, y ahora se puede considerar como un ensayo previo para el renacimiento creativo que surgió en Sunflower el año siguiente.

'20/20' fue denominado así por ser el álbum número 20 de los Beach Boys (contando los tres recopilatorios "Best of...", y " Stack-O-Tracks"). Brian Wilson se burló del título ocultando una cartilla de examinación ocular en de la foto de la cubierta del álbum. Por otro lado, la participación de Wilson en este álbum fue mucho menor que en los discos anteriores.

Al aumentar sus problemas emocionales y su aficción por la cocaína, Brian Wilson se fue retirando de las sesiones de grabación de la banda. Se especula que en ese momento abandonó la banda completamente y que volvió para el single "Break Away" y para la grabación de Sunflower, dejando a los demás la responsabilidad creativa.

En realidad, la única "nueva" contribución de Wilson a "20/20" fue un tema titulado "I Went to Sleep", de Friends. Este tema, junto con "Do It Again" de Mike Love fueron los hits del verano de 1968.

Tras la ausencia del hermano mayor Wilson, los dos hermanos más jóvenes Dennis Wilson y Carl Wilson tomaron el control tanto dentro como fuera del estudio. Carl produjo una versión con Phil Spector "I Can Hear Music", dando a los Beach Boys su último 40 Primer hit original estadounidense durante los próximos siete años. Dennis progresó de sus contribuciones sobre "Friends" para entregar el dramático y dinámico "Be with Me" y "All I Want to Do" , cantado por Mike Love y destacar un interludio rápido no apto para menores de 18 años en el desaparecer. Sin lugar a dudas, el momento más polémico sobre "20/20" es Dennis "Never Learn Not to Love".

Antes de que el álbum comenzara la grabación, Dennis ya había tenido amistad con un músico polémico Charles Manson y había decidido ayudarle en la industria de música por la grabación de su canción "Cease To Exist", que terminaría siendo de propiedad de los Beach Boys, bajo el nuevo título Never Learn Not to Love. Manson explícitamente había dicho que las palabras no debían ser cambiadas, aunque él pudiera hacer que le gustó con la música (en el caso, la melodía básica era en gran parte inalterable). Cuando Never Learn Not to Love fue lanzado por los Beach Boys como un Lado B a finales de 1968, y acreditando únicamente a Dennis Wilson -con la lírica cambiada y un nuevo puente- Manson habría amenazado con el asesinato de Dennis.

Según el colaborador de Brian Van Dyke Parks, cuando Manson quería amenazarle, Dennis lo golpeo. El incidente Manson dio a cada uno un susto en el campo de los Beach Boys -sobre todo después de que sus crímenes conocidos salieron a luz. Algunos admiradores han sugerido también que Charles Manson escribiera "Be with Me", pero esto es probable debido a un malentendido simple: "Never Learn Not to Love" tiene una línea que contiene las palabras estar conmigo. Además, a diferencia de "Never Learn Not to Love", los Beach Boys "Be with Me" no se parecen a ningunas de las propias grabaciones de Manson. Bruce Johnston había estado esperando para su momento después de los años de apoyar los demás sobre la etapa y en el estudio. Él fue finalmente capaz de hacer una de sus composiciones sobre el álbum "20/20", el instrumental "The Nearest Faraway Place". La composición según se informa fue inspirada por el trabajo de Brian Wilson sobre "Pet Sounds", y su título estaba basado en un artículo encontrado en Life magazine. Su segunda contribución era una nueva versión del Earl Hickey's "Bluebirds over the Mountain".

Quizás reflejándose sobre "Sloop John B" y sintiendo que el relámpago podría golpear dos veces, Al Jardine sugerido a Brian que ellos trabajen en otro estándar de gente, que fue "Cotton Fields". Wilson produjo una grabación, pero el sentimiento de aquel Brian se contenía otra vez, Jardine siguió adelante y registró de nuevo la canción seis meses después de que la versión de Brian fue lanzada en el álbum "20/20".Como esto resultó, ya que mientras "Cottonfields" titulado de nuevo (el último single Capitol Records) era un fracaso internacionalmente en la primavera de 1970.

Después de todo el trabajo admirable, era irónico que Brian Wilson se llevara la palma con tres viejas grabaciones, sostenidas en la lata hasta entonces. "Cabinessence" (deletreado de nuevo como una palabra sobre "20/20") y "Our Player" sacada de las sesiones de "SMILE". Además, "Time to Get Alone", comenzado durante el Wild Honey sesiones intencionadas para Three Dog Night, también unos últimos toques recibidos y hizo el destello principal de "20/20".

Lanzado en febrero de 1969, "20/20" fue más vendido que "Friends", alcanzando un *68 puesto en EU, pero esto fue tan alto como *3 en el Reino Unido. Fue seguido por el single de "Break Away" (co-escrito bajo un seudónimo por Murry Wilson con el hijo Brian), una tentativa seria en un golpe, que sólo tuvo éxito en el Reino Unido. Sin inmutarse, y en resonante con la confianza y el sentido que ellos estuvieron al borde de un renacimiento principal creativo, The Beach Boys comenzaron a formular que demostraría ser uno de los álbumes más aclamados de su carrera.

wikipedia

myspace the beach boys

The pains of being pure at heart

2009-03-28T12:39:00.004+01:00

al revés:traeh ta erup gnieb fo sniap eht

The Pains Of Being Pure At Heart - "Everything With You"

Discos como el debut de The Pains Of Being Pure At Heart dejan bien a las claras que no hay nada de malo en ser un grupo revivalista si lo clavas. Y los de Brooklyn saben como hacerlo. El secreto consiste en recuperar la estética y ética de un sonido como si se tratara de una cuestión moral, como si la vida te fuera en ello.

Transcender el ejercicio de estilo al no quedarse solo en el envoltorio. El imaginario revivido a conciencia en “The Pains Of Being Pure At Heart” es del C-86, el de la escudería Sarah Records, y el de todos los grupos que hicieron grande el sello Creation durante las segunda mitad de los ochenta. Los más despistados les colgarán la etiqueta de shoegazers por sus devaneos con My Bloody Valentine (tremenda “Stay Alive”) y The Jesus And Mary Chain (gigantesca “Gentle Sons”), pero aquí mandan por encima de todo el pop destartalado de The Pastels, las melodías alegres y ruidosas de Talulah Gosh, la excitación y el amateurismo de Black Tambourine y los textos cortavenas de The Field Mice. ¿Lo mejor de todo? Las canciones del disco son tan absolutamente buenas que hasta los no iniciados en el género podrán hincar el diente a uno de los debuts más apasionantes de este 2009.

Xavi Sánchez Pons para mondosonoro.com

myspace the pains of being pure at heart

Ponytail - ice cream spiritual

2009-03-26T23:33:00.004+01:00

al revés:...lautirips maerc eci - liatynop

Imagino que el descubridor y productor de este estrafalario grupo llamado Ponytail experimentó la misma sensación de sorpresa que nosotros al escucharles por primera vez. Él los ha definido como un “subidón de azucar” y la verdad es que la frase no puede ser más apropiada, teniendo en cuenta la mezcla insólita de inocencia y brutalidad en la que basan su sonido:

Podrán gustarte más o menos, tal vez pienses que son demasiado raros o incluso que tampoco rompen tanto. Está claro que lo que hacen no es totalmente nuevo; se aprecian influencias claras de grupos como Sonic Youth o The White Stripes. También se ha mencionado por ahí a grupos más desconocidos como Abe Vigoda o Deerhoof, aunque ellos dicen estar influenciados por el Master Of Puppets de Metallica, el grupo surfero The Ventures y los psicodélicos Grateful Dead. A mí personalmente me recuerdan a Melt Banana, una banda punk japonesa de la que hemos hablado aquí alguna vez.

En cualquier caso, ya sabes que esto de las influencias es siempre una chorrada y más si hablamos de un grupo como Ponytail, en cuya música nada suena como te esperas. Las guitarras zigzaguean en riffs imposibles y las voces son, en ocasiones, risas y gritos alocados. Ellos son muy jóvenes (aún van al instituto), pero parece el rock que hubiese compuesto un niño prodigio de cuatro años.

myspace ponytail

passion pit -chunk of change

2009-03-26T11:09:00.002+01:00

al revés:...egnahc fo knuhc - tip noissap

Gracias a los amigos de Hivern Discs, sello y blog dosenuno, acabo de salir despegado de la silla al escuchar ‘Sleepy Head’ de Passion Pit, una de las seis canciones de su EP de debut Chunk Of Change y un temazo de pop electrónico juguetón candidato a canción del verano y a sonar varias veces la misma noche en carpas levantinas. En su myspace se pueden escuchar dos canciones más, ‘I’ve Got Your Number’ y ‘Better Things’, dignísimas comparsas que exploran terrenos más ambientales y funkies, respectivamente, que no aparecen en ‘Sleepy Head’. Como bien apuntan en Hivern Discs, Passion Pit pueden convertirse fácilmente en un gran hype, en the next big thing, y los herederos máximos de MGMT. Dentro tienen el vídeo de ‘Sleepy Head’. Como diría un heavy, a mover esas cabezas.

myspace passion pit

Giorgio Tuma - My vocalese fun fair

2009-03-26T10:10:00.003+01:00

al revés:...riaf nuf eselacov ym - amut oigroig

Imaginad una playa blanca. Imaginad las palmeras altas y delgadas, el olor embriagador de la leche de coco y la placentera sensación de los pies hundiéndose poco a poco en la arena. Imaginad el sabor fresco de un granizado de limón mientras fuera todo el resto se derrite. Imaginad el silencio del mar y las manchas de sal sobre la piel doradita. Ahora abrid los ojos y mirad a vuestro alrededor. ¿Sigue todo así, verdad? Los platos para fregar, la cama deshecha, la bombilla fundida, la última, brillante idea de vuestro jefe, la dichosa crisis, los consejos de los padres y esta lluvia, esta lluvia que moja los cartones por la calle, que altera los olores y los humores y que empapa el alma como si fuera un jersey. Si falta poco para que os echéis a llorar, tranquilos, hay una solución. Se llama My Vocalese Fun Fair y es el último, elegante, cálido y caleidoscópico álbum de Giorgio Tuma.

Canta en inglés acompañado por sus inseparables Os Tumantes (una versión menos exótica del grupo pop-psicodélico brasileño Os Mutantes) y en su proceso creativo no deja prácticamente nada fuera de la "coctelera": los incandescentes ritmos de samba y bossa, el pop anglosajón de toda la vida y un buen puñado de jazz latino. Nada dejaría sospechar que este chico capaz, con poco, de devolvernos la sonrisa, viene del sur más profundo de Italia, allí donde en las canciones “cuore” sigue rimando con “amore”, allí donde se come bien, las playas no tienen nada que envidiar a las de Brasil y siempre parece verano.
Si quisiéramos perder el tiempo y hacerle una gran injusticia a este álbum tan pequeño y tan especial, diríamos que se nota la influencia de artistas como Caetano Veloso o Jobim, de los Beatles más escurridizos y psicodélicos y del más sano lirismo pop. Diríamos que se parece a muchos otros discos (lo cual se podría decir de cualquier otro álbum) quitándole el derecho de parecerse sólo a sí mismo. Pero si quisiéramos hablar y bien, como se merece, de My Vocalese Fun Fair, deberíamos hacer una sola cosa: escucharlo y dejar que estas endorfinas mediterráneas empiecen a circular por nuestras venas.
Porque no pasa todos los días que un álbum tan auténticamente indie no sólo guste a los gourmets de las últimas tendencias musicales, sino que se haga entender y llegue a enamorar también a los que de indie no tienen nada, los que escuchan la radio cuando cocinan y que difícilmente se adentran en las estanterías más escondidas de la Fnac. Si no llega a ser un disco universal, es por pura casualidad.

myspace giorgio tuma

Fitness forever -personal trainer

2009-03-25T12:08:00.004+01:00

GRACIAS A ESE PEDAZO DE FISTRO DE MI HERMANO POR DESCUBRIRME ESTE DISCO !!!!

al revés:...reniart lanosrep - reverof ssentiF

Fitness Forever - Bacharach

El sello madrileño Elefant, especializado en el pop más saltarín, melosón y molón publica al primer grupo italiano de su catálogo. Fitness Forever es un cuarteto singular liderado por Carlos Valderrama que resume a la perfección la elegancia del pop, con una mezcla curiosa y jugosa: aires del pop de los sesenta, de la canción italiana (‘Albertone'), de la música yeyé, del lounge y del easy listening (el precioso homenaje en ‘Bacharach'), e incluso retazos de la bossa nova (‘Je je jeox'). “Personal Train” es una referencia que encaja a la perfección con grupos del catálogo Elefant como Camera Obscura, La Casa Azul, Les Très Bien Ensemble o Cola Jet Set. También hay ecos del pop de Belle & Sebastian.

Como siempre buen gusto en la edición digipack, toque retro de la portada deportiva incluido. Un disco que te deleita con cada nueva escucha y con el que querrás bailar en cualquier guateque primaveral. Un bonito y luminoso hallazgo del pop europeo. Con Fitness Forever comprobamos que al pop le sienta bien sonar en italiano.

paisajes eléctricos.com

my space fitness forever

Dent may - the good feeling music of dent may and his magnificent ukelele

2009-03-17T10:42:00.004+01:00

al revés:...dna yam tned fo cisum gnileef eht - yam tned

"Oh, Paris!" - Dent May & His Magnificent Ukulele

El joven Dent May, de apenas 23 años, ha estado tocando el ukelele desde que su madre le enseño cuando era todavía un niño. También ha estado trasteando con otros instrumentos por muchos años y ha escrito canciones de pop llenas de buenas vibraciones, en la estela de los Beach Boys, aunque para más señas están las dos primeras influencias en su lista de myspace: Lee Hazlewood y The Zombies. Lleva unos meses preparando su debut: "The Good Feeling Music of Dent May & His Magnificent Ukulele", que verá la luz el próximo 3 de febrero a través de Paw Tracks, el sello de Animal Collective. "Oh, Paris!" habla del amor de Dent por la capital francesa, la canción se incluye en el álbum, pero también se puede conseguir desde el verano en formato 7" a un precio inmejorable. Votamos porque Dent venga a España a presentar su disco, y que después de él toque Jens Lekman, y que los organizadores repartan chocolate con naranja y champán entre el público. Bueno, lo del champán y el chocolate tampoco es indispensable...

playgroundmag.net

myspace dent may

Deerhunter - microcastle

2009-03-17T10:34:00.003+01:00

al revés: eltsacorcim - retnuhreed

Deerhunter "Strange Lights"

Bradford Cox, el peculiar líder de la banda de Atlanta (su extrema delgadez se debe a que padece el síndrome de Marfan -no, no es una pose-), declaró antes de la edición del álbum que estaba cansado de los largos desarrollos que caracterizaban sus últimas canciones, ese ruidismo repetitivo casi elevado al drone que hipnotizaba en ‘Cryptogrames’. Que estaba más interesado en las “microestructuras” (sic). Y esa es la premisa de ‘Microcastle’/'Weird Era Cont.’, canciones concretas, con melodías claras, con gancho, siempre pervertidas por el afán experimental del grupo.

Sin embargo, pese a ese interés por la concreción, asombra que lo que cohesiona ‘Microcastle’ sea la singular y arriesgada estructura global del disco: arranca sorprendiendo con temas casi comerciales como ‘Agoraphobia’, ‘Never Stops’ y ‘Microcastle’, atraviesa una fase central de calma chicha con las ambientales ‘Calvary Scars’, ‘Green Jacket’ y ‘Activa’, para levantar de nuevo el vuelo espectacularmente con la genial ‘Nothing Ever Happened’ y su espectacular coda final (una canción estremecedora que pretende narrar la vida más amarga jamás vivida, la de alguien que vive y muere sin haber sentido nada agradable, nunca) sin decaer un segundo (con esa gran ‘Saved By Old Times’, que cuenta con la voz de Cole Alexander de Black Lips) hasta esa nana venenosa final, ‘Twilight at the Carbon Lake’.

Por su parte, ‘Weird Era Cont.’ pretendía añadir algo de excitación a la salida del álbum que se había filtrado seis meses antes de su edición, así que decidieron volver al estudio y grabar otras trece canciones, canciones con la suficiente entidad como para observarlo más como un complemento a ‘Microcastle’ que como una anécdota. Se trata de un álbum de estructura más convencional y equilibrada, aunque abunden más en su lado experimental. ‘Operation’ o ‘Dot Gain’ tienden a la psicodelia, pero nunca pierden esos efluvios pop tan presentes en toda la obra. ‘Vox Celeste’ es un intensísimo crescendo de noise que contrasta con los aires de balada ’50s de ‘Vox Humana’, pero también hay sitio para el dream-rock de (claro) ‘VHS Dream’ y ‘Focus Group’ y cerrar la obra a lo grande con los diez minutazos de ‘Calvary Scars II/Aux Out’, una necesaria continuación del precioso tema incluido en ‘Microcastle’ que se funde y culmina con toda una orgía de guitarras al puro galope.

En mi opinión Deerhunter han conseguido una obra enorme, que no es sino un emocionante compendio, casi un manual de consulta, del out-rock norteamericano de los últimos cincuenta años: desde Bo Diddley, pasando por la Velvet, la psicodelia de 13th Floors Elevators, la no wave, Sonic Youth, Yo La Tengo, Pavement, The Flaming Lips, Liars… hasta Deerhunter.

jenesaispop.com

myspace deerhunter

Dark captain, light captain - miracle kicker

2009-03-17T01:43:00.006+01:00

al revés: rekcik elcarim - niatpac thgil, niatpac krad

Dark Captain Light Captain - Robot Command Centre

Para qué esconderlo, termino el año completamente enganchado a un disco que, de momento, está pasando algo desapercibido. El debut de Dark Captain Light Captain, un sexteto de Londres, que con Miracle Kicker acaba de facturar una pequeña joya donde la sutileza de las harmonías vocales y la elegancia de unos arreglos cercanos al minimalismo se mezclan a partes iguales, sin estridencias, formando un cóctel impecable.

Lo que empezó como un proyecto de estudio en el que un par de amigos grababan sus canciones folk, se ha convertido en una banda al uso, que a base de dulces melodías, escogidos arreglos, la justa rítmica y guitarras que guían el tempo de las canciones te envuelven en un halo de misterio y melancolía del que es complicado escapar. Muestra de ello son “Jelous Enemies”, “Circles”, la absorbente “Questions” o la espiritual “Everyone we know”.

Tan oscuros (“Miracle Kicker”) como luminosos (“Speak”), la banda juega, como en su nombre, con los contrastes, los ambientes lúgubres y letras cercanas a la ciencia ficción y a la decadencia tecnológica creando un universo único y personal. No sé si el tirón de bandas como Fleet Foxes les ayudará o, por el contrario, los dejará a la sombra, pero Dark Captain Light Captain son una apuesta que no deberíais dejar escapar.

muzicalia.com

myspace dark captain, light captain

Theo Parrish - Sound sculptures volume 1

2009-02-07T22:46:00.003+01:00

al revés: 1 emulov serutplucs dnuos - hsirrap oehT

myspace theo parrish

Why - alopecia

2009-02-07T22:14:00.002+01:00

al revés: aicepola - yhW

myspace why

Tulsa -solo me has rozado

2009-02-07T22:11:00.002+01:00

al revés: odazor sah em olos - asluT

myspace tulsa

Muere el 'padre' de los 'clicks' de Playmobil

2009-02-04T16:24:00.003+01:00

El diseñador alemán Hans Beck, inventor y padre de los muñequitos de plástico Playmobil, falleció el 30 de enero a los 79 años de edad, comunicaron ayer fuentes la empresa Geobra-Brandstätter, fabricante de los famosos clicks. Beck, de cuyas criaturas se han vendido 2.200 millones de ejemplares desde que se inició su producción en serie, a principios de la década de los 70 del siglo XX, falleció tras una larga enfermedad en su casa a orillas del lago de Constanza (fronterizo entre Suiza, Alemania y Austria).

El diseñador industrial escribió una "importante página en la historia de la juguetería" con el desarrollo de unos versátiles muñecos de plástico que desde que salieron a la venta, en 1974, han llegado a las habitaciones infantiles de todo el mundo, destacó la empresa. Nacido en 1929, en el estado alemán de Turingia (centro del país), Beck se formó en la ciudad de Zirndorf, donde aprendió el oficio de carpintero y se especializó en la producción de juguetes, principalmente automóviles y aviones. Empezó a trabajar en la empresa Geobra en 1958, para concentrarse inicialmente en maquetas aviones, maquinaria y vehículos industriales.

Trece años después de iniciar su carrera, la empresa le destinó al departamento de juguetería, con el encargo de desarrollar una nueva gama de productos para niños, de automóviles a modelos humanos. Su primera figurita medía 7,5 centímetros, era fácilmente manejable por una mano infantil y movía brazos y piernas. De ahí surgió la idea de convertir ese prototipo en una criatura dotada para la absoluta versatilidad, de adaptarse a cualquier situación y profesión, fueran ciudadanos occidentales, indios o vaqueros. Inicialmente, sus modelos se concibieron para niños de hasta cuatro años.

En los treinta años siguientes a su lanzamiento, los clicks de Playmobil dejaron de ser un producto exclusivamente infantil, en el sentido literal de la palabra, para fascinar a coleccionistas adultos de todo el planeta. Geobra es hoy una empresa con 3.000 empleados, que exporta sus muñequitos a 70 países de los cinco continentes.

elpais.com

Pleasant dreams - podría ser hoy

2009-02-01T22:44:00.003+01:00

al revés: yoh res aírdop - smaerd tnasaelP

Pleasant Dreams Camino De Vuelta - The most popular videos are a click away

Uff, el indie. Uno se queda casi sin argumentos ante la (ingenua y entrañable) insistencia de las jóvenes bandas independientes nacionales por grabar (y más tarde comercializar) discos.

Si señor. “Podría ser hoy”, debut de los castellonenses Pleasant Dreams, es un manual de estilo de pop bucólico y soñador, de ciudad pequeñita y bares cerrados. Pop lluvioso y naif, sin mucho nervio pero con cierto encanto. Uno encuentra en este disco exactamente lo que busca: historias melancólicas sobre chicos tristecillos (hay, de hecho, una canción llamada “El chico que anda triste”), optimismo desganado y nostalgia llorona, arrebatos escapistas y mogollón (pero mogollón) de desamor e incomprensión. Con un pie en el pop enciclopédico de Belle & Sebastian y otro (más bien los dos) en referentes más cercanos y menos ambiciosos, como los cordobeses Deneuve (con los que guardan no pocos parecidos), Pleasant Dreams han grabado un disco de cancioncitas cursis, que adornan con una producción detallista (cuerdas, vientos, teclados, juegos de voces) y que, termino, afectará a esa masa extraña de gente sensible y afectada que deambula por el mundo.

Fernando Navarro para mondosonoro.com

myspace pleasant dreams

las escarlatinas - al galope

2009-02-01T22:35:00.003+01:00

al revés: epolag la - sanitalracse sal

Las Escarlatinas - Una Pequeña Inundacion - The funniest movie is here. Find it

Las Escarlatinas se han ido de vacaciones durante tres años para recorrer el mundo buscando alimentos que ofrecer a sus desalentados fans, que ante la tardanza en mostrar nuevas canciones estaban a punto de desesperar. Una vez recogidas en la cesta todas las frutas han ido al garaje de la casa de la playa de Virginia de La Casa Azul y, con Guille Milkyway, han cocinado el casi perfecto "Al galope".

El disco sabe a Milkyway en todos sus surcos, desde la primera canción, La sonrisa del chico de deportes, con un estribillo "Háblame de la pole de Alonso, su nuevo crono, Nadal y sus golpes, su último premio, el último fichaje" mil veces mejor que aquel de Melendi sobre Alonso "El Nano no es humano, el Nano es inmortal, y sale en las revistas junto a Hulk y Superman", hasta la última, Cielo rojo en mi habitación, tan brillante, obra de Miguel Ángel Villanueva.

El barroquismo enciclopédico de la producción no estorba en nada a las canciones, de los habituales Mate, Sergio López de Haro, El Zurdo o el ya mencionado Miguel Ángel Villanueva, colocando cada flauta en el sitio que le corresponde en cada canción. Canciones mecedora como Mi buhardilla six, perfectamente cantada con sus coros dabadaba y su historia de melancolía y coleccionismo "suelo escuchar vinilos demodé"; o la irresistible Dormir o morir, que continúa la saga de Jackson Five y Hanson y da unas ganas de vivir que vale por todos los libros de autoayuda editados en el siglo XX, además de ser un canto a una ciudad tan castigada por sus cantores como Madrid; o la belleza sosegada de la balada Vivo, que coincide al 100% con un párrafo del artículo de ficusín sobre las nuevas cantautoras en estas mismas páginas "la austeridad de una canción casi desnuda, adornada solamente por unas escobillas, un piano y una guitarra acústica, la sencillez de una melodía sin ambages, la valentía de soltar la voz rozando el silencio, no están al alcance de cualquiera, es arte en estado puro". Eso es Vivo y eso es "Al galope".

Se puede llorar, aunque sea inútil, mientras se baila con casi todas las canciones, como en la ochentera Una pequeña inundación, otro de los puntos álgidos del disco. Y es que Las Escarlatinas no te dejan con "Al galope" descansar ni saltar canciones, casi te obligan a disfrutar cada segundo del disco, algo que al cabo de un año sucede con poquísimas obras, algún capítulo de Modiano, alguna canción de "A propósito de Garfunkel", algún episodio de Perdidos, y casi todo "Al galope".

myspace las escarlatinas

Joe Crepúsculo - supercrepus

2009-01-13T21:53:00.003+01:00

al revés: supercrepus - olucsuperc eoj

Simplificando demasiado, en esto del pop hay dos formas de hacer un disco conceptual sobre el amor: tirando de frases hechas y de cosas como “tú eres la única, no sé qué sería sin ti” o de una manera heterodoxa, escogiendo temas y frases que nunca parecería que hablan de eso y ponerlas de tal manera que, al final, consigan su objetivo. Por ejemplo, un disco heterodoxo de amor sería el 69 Love Songs de Magnetic Fields, donde muchas de las canciones hablaban de cualquier cosa excepto de estar enamorado y, sin embargo, todas eran auténticas y sinceras exploraciones de ese sentimiento.

Joe Crepúsculo firma su segundo disco en menos de un año con ese reto. Supercrepus, disco palíndromo, ambiciona hablar de mil maneras distintas sobre el amor. Y para eso no tiene reparo en citar a alguien tan poco pop como San Agustin (en ‘Ama y haz lo que quieras’) o en afirmar que es difícil ‘Amar en tiempos de democracia’. Y lo mejor de todo es que enfoques como ésos, que en manos de otros parecerían simples boutades, en las de Crepúsculo tienen un brillo deslumbrante.

Ya hace unos meses, en Escuela de Zebras, Joe Crepúsculo dejó una gran canción de amor, candidata a estar entre lo mejor del año (‘Gabriela’). Ahora va más lejos, creando un disco que es un bloque sólido, lleno de misterios, de esquinas sin iluminar, de detalles que sólo se aprecian con las escuchas sucesivas.

Supercrepus es menos directo que su anterior obra. A cambio, tiene canciones más solidas, un enfoque aún más arriesgado y mantiene la sensación de que con Joe ha nacido un músico de talento desbordante, capaz de hacer de lo extraño una buena canción pop que corear.

Dividido en dos partes (Super y Crepus), todo es muy Astrud, pero adelantando a los austrohúngaros por la izquierda y saludando al pasar. Desde ‘Baraja de Cuchillos’ a ‘Los Faunos’ (fin de la primera parte)y después hasta ‘El Día de la Sardina’ todo en el disco es un reguero de canciones sorpredentes, contagiosas y muy únicas. A día de hoy, sólo Joe Crepúsculo puede aspirar a hacer lo que él: tecnopop con cacharrería de segunda mano, con un ingenio y una vitalidad desbordante y unas letras extrañísimas que, sin embargo, no son sólo raras, sino también efectivas.

No sólo es que aquí esté una de las canciones del pop español del año (bien titulada ‘La canción de tu vida’), sino que todo en Supercrepus desprende esa sensación intoxicante, extraña, de los músicos imprescindibles. La relectura del ‘No me acostumbro’

Cada vez que escucho Supercrepus (y también Escuela de Zebras) me llena la misma sensación que con los discos que firma Luke Haines (Auteurs, Black Box Recorder): la de estar ante alguien tan peculiar y con tanta capacidad para entender el pop que ha decidido deformarlo a su gusto, asfixiarlo con su mundo interior. En el caso de Joe, uno lleno de navajas.

Como el rayo que atraviesa las heridas: así es Supercrepus. Signifique lo que signifique eso. Y si las corrientes son certeras, que muchas veces lo son, no se quedará en anécdota.

myspace joe crepúsculo

Subtle - exitingARM

2009-01-13T01:51:00.007+01:00

al revés: MRAgnitixe - eltbus

Este comentario debió haber sido publicado hace algún tiempo, pero ante la imposibilidad de asimilar la música completamente, se retrasó. ¿Por qué? Es que ExitingARM –el tercer disco de estudio de Subtle- es un trabajo difícil de clasificar: no es rock, no es electrónica, no es hip-hop y, sin embargo, es todo eso. Tampoco es un disco que sólo se pueda apreciar desde la vía auditiva: como soporte complementario, se creó un críptico sitio web lleno de ilustraciones y poemas escondidos, y en YouTube existe un extraño videodiario, que registra de manera etérea y aparentemente desordenada, el tour de la banda. Por todo lo anterior, y tomando el riesgo de no comprender a cabalidad ExitingARM, sólo se tomará en cuenta lo que se escucha.

En once temas, Subtle se pasea en lo que Adam “Doseone” Drucker (vocalista y frontman de la banda) definió como “un acto de libertad, en donde el brazo es la herramienta que permite a las ideas salir de la mente”. Por lo mismo, más que canciones, son once manifiestos a favor de la libertad, que corren en una línea absolutamente distinta a cualquier otro proyecto musical de la época presente. Con eso no se está refiriendo a una ausencia de influencias, sino a la conjunción y amalgama absoluta de ellas en la creación de un nuevo paradigma musical. A quién le interese, aquí se rastrea por partes iguales a Neu!, Spacemen 3 y las maravillas musicales que el mismo Doseone, junto a Why? y Odd Nosdam, creaban en cLOUDDEAD. Esta última influencia, la más identificable en la maraña sonora que es ExitingARM, cobra un fuerte protagonismo cada vez que los rápidos fraseos nasales de Doseone entran en juego. En “Sick soft perfection”, por ejemplo, la voz, convertida en apenas un murmullo, se multiplica, distorsiona y forma parte de la base programada. Así mismo, en “Take to take” cada rima -marcada, fuerte y cortada- es un elemento más de la percusión del tema.

Ese elemento, la percusión, es el otro gran protagonista de ExitingARM: ya en el primer corte que se dio a conocer de este disco –“Unlikely rock shock”– estaba claro que las baterías, programadas y no, iban a ser un elemento que diferenciaría a este trabajo de los anteriores, acercando las canciones a una estructura más rockera y, por tanto, más accesible. Por eso, no sorprende que temas como “The no” o aquel que da nombre al disco, tengan una duración cercana a los 3:30 y asemejen su estructura a una canción más “tradicional”, con coro y estribillos incluidos. A pesar de eso, hablar de “tradicional” en Subtle, y especialmente en este disco, es casi un insulto: cualquier duda se despeja en aquellos experimentos que son “Wanted found” o “Hollow hollered”, que se inician como épicos tratados de electrónica distorsionada para terminar en calmos paisajes acústicos.

Dejando a un lado el lado político de Subtle, aquel en que las letras son el principal protagonista, y que darían pie para un comentario completamente distinto a este, lo que en ExitingARM se plantea es algo excitante y sorprendente, por no decir revolucionario. Si obviamos el Alopecia de Why? –disco hermano de éste en maneras de acercarse a la música, no en sonido– pasará un tiempo antes de que podamos encontrar algún otro lanzamiento este año que, tal como dijo en algún momento Freddy Olguín (FDA, Gen), cree un nuevo género musical.

myspace subtle

wire -object 47

2009-01-12T22:39:00.003+01:00

al revés: 74 tcejbo - eriw

wire - "One Of Us"

Que Bruce Gilbert no esté en el -dicen ellos- lanzamiento nº 47 de Wire podría ser más anecdótico que relevante. Pues no. Por ahora lo que nos importará es que la cabeza de Colin Newman pasa por un momento de tal productividad desde hace seis años que da la oportunidad de recordar a los nuevos y viejos comensales que se disponen a catar su nuevo disco, que ellos no paran de moverse. Los Wire de Pink flag (1977, Harvest) no se parecen a los de Chairs missing (1978, Harvest), que a su vez no mucho tenía que ver con lo desarrollado a mediados de los ‘80, lo cual se distancia mares del estupendo regreso emprendido con Send (2003, Pink Flag). Para bien o para mal, y todo lo que puede haber entremedio, Wire es un animal de tres décadas en constante reacomodamiento.

Enfocándonos plenamente en lo que presenta Object 47, sobresale con fuerza el hecho de que Wire ha relajado su discurso musical en tal medida que suena más pop que nunca. Tomando una distancia razonable de lo experimental (de ahí que la salida de Gilbert no sea baladí), la banda ha buscado en su propia esencia e influencia el elemento caracterizador de su obra para aportar en su nuevo disco. Esta sintonía entre “pop” y “estilo Wire” permite que Object 47, con dejos de ironía y un par de canciones notables, sea el trabajo menos arriesgado del grupo pero no menos interesante de excavar, por ser cercano a lo que podría imaginarse a un disco influenciado por Wire. Pero no necesariamente un disco de Wire.

“One of us”, la que abre el disco, es brutalmente adictiva y eficaz como ejercicio del estilo que se busca redefinir, al igual que “All fours”, una de las pocas canciones rock de vocación punk que se nos aparece. También merecen mención “Perspex icon”, cínica crítica a la valoración del arte, y “Hard currency”, disonante gracias a su percusión. Canciones como éstas tienen ese punto de inflexión entre recoger nuevas propiedades (especialmente la electrónica, desde una perspectiva más trip-hopera y menos New Order, en comparación a lo que en los ‘80 aplicaron), enriqueciendo el sonido del grupo y logrando un buen complemento con ellos. Lo curioso, y hasta cierto punto lamentable, es que sólo una mitad del disco tiene esa inquietud.

La otra mitad opera en una ruta que tiene un peligroso parecido a lo que Newman trabajó durante los últimos años con Githead, su relativamente nuevo proyecto de synth-pop que, a pesar de que debutó con un impresionante EP titulado Headgit (Swim) en 2004, no ha logrado tomar vuelo. Esa semejanza toca el fondo del principal problema del disco. Además de canciones que no funcionan por su sonido extremadamente limpio (”Mekon headman”, “Four long years”) o porque son derechamente flojas (”Patient flees”), Wire no se mueve con tanta decisión para sorprender, haciendo de Object 47 en varios momentos un trabajo plano, que lleva a ratos perder el interés en él.

No cabe duda que hay cosas reveladoras en el lifting de Object 47, incluso poniendo el foco en cómo el giro popero puede ser una dimensión que les permita actualizar aun más un sonido constantemente reciclado por sus hijos y nietos. Por lo mismo, la pregunta cae de cajón: ¿será que Wire está pasando por un nuevo reacomodamiento? Probablemente sea así, pero nunca se les vio tan poco desafiantes en el proceso.

super45.cl

my space wire

Les philippes - odisea ultramarina

2009-01-04T01:14:00.002+01:00

al revés: aniramartlu aesido - seppilihp sel

Les Philippes a l'Heliogàbal

Delicioso es la palabra que define el sabor que Les Philippes le dan a toda la música que crean. Su delicadeza, su transparencia, su clase, virtudes que han ido curtiendo desde su lejano debut, hace ya tres discos.

Les Philippes siempre han sido, y serán, un grupo de pop exquisito, sencillamente elevado, suavemente forjado. Empezaron cantando en inglés en "Philarmonic Philantropy" (BCore, 03), producido por Mark Wirtz y alabado por prensa y público, con canciones de sabor añejo y preciosas melodías a cuatro voces. En el siguiente "Les Philippes & The Empty Characters" (BCore, 05), encontraron una identidad en las letras en castellano que decidieron no abandonar, y presentarnos en su totalidad con este flamante y brillante "Odisea Ultramarina". Odisea porqué el proceso de elaboración y grabación de este disco ha sido a fuego lento, como las grandes obras necesitan; y Ultramarina porque es en Ultramarinos Costa Brava, el ya legendario estudio de Santi García, dónde el artífice del sonido post-hardcore moderno estatal se ha submergido en las canciones a la búsqueda de un tesoro que sí ha sabido encontrar. La historia de unos marineros que explican sus visiones del mundo que les rodea y quizás asusta (el terrestre) en "En los estancos no se puede fumar" y del que les maravilla (el oceánico) en "Philippe Aronnax"; historias de amor y viajes en "1, 2, 3, ficción!" o "Siempre quise llevar sombrero", o el homenaje marinero de "Las aventuras del abuelo Rogelio", con la colaboración del grupo de habaneras Llops De Mar, de Sant Feliu de Guíxols. Es la propia historia de estos cuatro chicos con una sensibilidad excepcional, con un carácter inquebrantable que mira el lado bonito de las cosas aunque a su alrededor lluevan guitarrazos y bombos de pista de baile, inmobiliarias inmorales, chorizos de barrio y vegetales surreales. Su genialidad es trabajada, y sus canciones perlas encontradas en los confines del océano

myspace les philippes

tropezando he recordado...peanut pie

2009-01-02T10:46:00.006+01:00

al revés: eip tunaep

La portada del que yo tengo en mi casa no es gris, es naranja!!!. Me imagino que ésta será la portada del disco de remezclas. Amos, digo yo !!!

Peanut Pie,uno de los grupos más brillantes y fugaces de los años 90 en España, ganaron el concurso de maquetas de la revista Rock de Lux bajo el influjo del dance-pop, del sonido de Manchester y de sus adorados Stone Roses. Su único trabajo fue un disco homónimo para Cosmos editado en 1996, donde las canciones de la banda se complementaban con remezclas de Fangoria y Jumo entre otros. Pese a las buenas ideas apuntadas en su debut, Peanut Pie se disolvieron mientras uno de sus componentes, Aleix Vergés hacía sus pinitos como Sideral en la barcelonesa sala Nitsa. La edad del indie llegaba a su fin...

myspace peanut pie

audrey - the fierce and the longing

2009-01-01T22:40:00.006+01:00

al revés: gnignol eht dna ecreif eht - yerdua

Audrey - Big Ships (live in Bydgoszcz)

Audrey son unas chicas suecas y que con "The Fierce and the longing" han conseguido realizar un disco por encima de su anterior. Melodias Pop con mayúsculas para un disco que es sencillamente maravilloso; uno de mejores álbumes de este año. Sonidos puramente oscuros, cargados de ensueño que dan forma a una exuberante música pop muy cercana en ocasiones al dream-pop.
Lo peor de este tipo de joyas es que suelen pasar desapercibidas
Indispensable!!

web audrey

klaus & kinski - tu hoguera está ardiendo

2008-12-29T23:10:00.003+01:00

al revés: odneidra átse areugoh ut - iksnik & sualk

Tendría que decir que el hecho de que un disco incluya referencias noise y tecnopop aparte de un bolero no es bueno porque el álbum, en lugar de ofrecer unidad y coherencia, se queda en el caos y en la falta de decisión; o que el hecho de contar con un minutaje excesivo sólo puede ser malo porque nadie quiere oír a un grupo nuevo durante una hora seguida (¿no era la media hora de ‘Is This It?’ lo que hizo grande el debut de los Strokes?). Pero lo cierto es que ‘Tu hoguera está ardiendo’ es un disco atrevido en el que Klaus & Kinski tocan con gran acierto todos los palos que les gustan y hablan valientemente sobre la muerte, el sexo y el rock’n'roll con una cantante que en realidad ha nacido para lo naíf.

Claro que al debut de Klaus & Kinski se le puede despachar fácilmente por su gusto excesivo por lo ecléctico. Comienza el disco y aunque la pista 1, ‘El Cristo del perdón’, es una bonita canción, quizá tiene demasiados cambios y secciones. La pista 2, ‘Nunca estás a la altura’, es La Buena Vida con más distorsiones. La 3, ‘Rocanrolear’, es guitarrera en las estrofas y tecnopop en los estribillos (aunque tiene su sentido por lo que cuentan en la letra). En la 4, ‘Mengele y el amor’, que es un bolero, ya piensas: “¿pero esto qué es?”. Lo que no se sabe es si es bueno o malo no saber de qué va un grupo.

Esa variedad podría llevar a la sensación de que la banda no llega a centrarse lo suficiente como para ofrecer una obra maestra en ningún género, como sucede a Vacabou. Sin embargo, es fascinante seguir descubriendo su álbum y darte cuenta de que en todo lo que tocan hay algo que hacen bien o muy bien. El bolero con estribillo de ranchera está excelentemente resuelto. El final de ‘Ronnie O’Sullivan’ o las guitarras de ‘Lo que no cura mata’ podrían producir en directo tanta angustia como los típicos muros de sonido de My Bloody Valentine, mientras que por supuesto los momentos naíf, como ‘En la cama’, la dulce voz de Marina se los come con patatas.

La misma versatilidad muestran en las letras. El “tú me has hecho vomitar” de la aparentemente limpia e ingenua ‘Flash-back al revés’ recuerda a Nosoträsh. En ‘Mengele y el amor’ sorprenden con un sinfín de referencias sexuales que no resultan inelegantes ni en ese “déjame a mí ser el primero en meter lo demás”. ‘Autovía de Albacete’, una historia de amor en el camión que se estrella contra Morrissey en ‘There Is A Light That Never Goes Out’, es preciosa, mientras que ‘Ronnie O’Sullivan’ resulta desafiante y planetera. ‘Teléfono de la esperanza’, irónicamente, anima a suicidarse a quienes no paran de amenazar con hacerlo. Osan incluso meterse en los terrenos pedregosos que suponen hablar de la muerte, y a pesar de alguna frase que puede parecer tonta, probablemente además metida aposta (”llevo mal la mortalidad” suena tanto a Vainica Doble…, lo que dicen del disco de los Beatles tan a broma…), salen bastante airosos del reto en ‘Muerte en Plasencia’.

Klaus & Kinski son el grupo que realmente se ha dado cuenta de que una persona está más ausente cuando grita que cuando calla, contradiciendo a Pablo Neruda en ‘La mano de Santa Teresa de Jesús’.

Con tanta riqueza temática y con la sensación de que sus letras son una pasada (recomiendo encarecidamente leerlas en la web de Jabalina), es raro que el grupo haya escogido ‘El Cristo del perdón’ para abrir el disco, esa canción en la que riman “casta proletaria” con “formación literaria”. Pero probablemente Klaus & Kinski saben perfectamente que ese “aria-aria-aria” que repiten al final de tantas palabras ralla tanto como engancha. Desde ahí hasta la pista que cierra el álbum, ‘Sintigo o sin ti’, en la que hablan de la resaca y el hambre cuando te falta alguien, serán muchas las cosas que te sorprendan y te choquen en ‘Tu hoguera está ardiendo’, pero nadie podrá escoger entre las 14 pistas una canción que claramente sobre.

Puede que los discos eclécticos nunca vayan a encabezar las listas de lo mejor del año, pero cuando tienen tan excelentes ideas como las de Alejandro Martínez Moya, principal productor y compositor; cuando anteponen la pasión con tantas cosas que decir a la fidelidad a un estilo o tendencia, conquistan lo mismo o más. Klaus & Kinski ya son grandes.

jenesaispop.com

myspace klaus & kinski

the pearlfishers - the young picknickers

2008-12-28T21:42:00.007+01:00

al revés: srekcinkcip gnuoy eht - srehsiflraep

No he encontrado nada de estos zagales (la verdad es que no recuerdo como llegaron a mi jajaja, que desastre, pero molan) así que os dejo por aquí un par de canciones.

En esta me recuerdan a teenage fan club:

Y en ésta otra, jajaja, al buenazo de Gilbert o´sullivan jajaja:

myspace the pearlfishers

cooper - lemon pop

2008-12-28T11:57:00.001+01:00

al revés: pop nomel - repooc

Cooper presenta Lemon Pop

Cooper siempre ha tenido un público fijo, seguidores fieles que se engancharon al proyecto de Alejandro Diez cuando lo creó tras disolverse Los Flechazos, o también nuevas personas que según han ido descubriendo al grupo han quedado enganchadas por la alegría y dinamismo que ofrece el grupo. En estos ocho años, la evolución musical ha sido más bien limitada, él mismo lo reconoce, ya que sus canciones se parecen demasiado entre ellas pero eso no ha importado nunca, referencia tras referencia, los que hemos seguido a la banda leonesa, hemos disfrutado a gusto.

Álex Diez siempre ha defendido el formato EP por delante del long play y de cualquier otro esquema, ya que recoge lo mejor que tiene un artista en pequeñas dosis, sin lograr que llegue a aburrir por demasiada repetición y sobre todo, porque al estar limitado el espacio de las canciones, el artista tiene que ser más selectivo cuando elige los temas.

Lemon Pop es un ejemplo de esta filosofía. La canción pop por excelencia llevada a un formato que parece estar hecho desde sus inicios para ella, porque lo escuchas y no te cansas de él, son singles sueltos a la vez que entre sí se compenetran creando una pequeña pieza. Y con el nuevo EP, el leonés ha conseguido lo más difícil en su carrera, firmar (casi) su mejor pequeña referencia.

Digo casi porque Oxidado (2004, Elefant Records) para mí siempre tendrá el sinónimo perfecto unido al título, ya que estaban incluidos temas como el que daba nombre al trabajo, haciendo una oda a Donosti, ‘Silverstone’, otra oda a la fórmula 1, ‘Cerca del Sol’, uno de sus himnos, y la versión de ‘Ráfagas’, de Los Bólidos. Por lo que es un EP de pop a recordar.

Pero Lemon Pop no se queda lejos de esa categoría. Se experimenta una mejoría de los leoneses tras sus dos anteriores referencias, también en EP pero que no tenían temas tan redondos como el de 2004 o el actual, y se echaban en falta. Ahora vuelven los hits en forma del power pop que Cooper ha sabido hacer siempre tan bien.

Los referentes son los de siempre, toda la generación mod que incluye tanto a los Small Faces, principal influencia del grupo, o a los Creation, cuando los sesenta tenían por bandera a las vespa, se vestía de traje italiano y todo el dinero del trabajo iba para comprarse los mejores vinilos de música que se tenían a mano. Siempre ha sonado así Cooper y es ya su seña de identidad, no pedimos en sus nuevas canciones que rice el rizo y nos demuestre otra vía, sino pedimos temas como ‘Ruido’, el himno del trabajo.

Tiene la rabia de unas guitarras más distorsionadas, la voz de Diez más movida y sobre todo, una estructura que pide a gritos la memorización de la letra, que entronca con sus mejores canciones y que comprime en más de tres minutos. Una píldora de pop muy agradecida.
En el lado lento está ‘En el Sofá’, donde la letra pasa de ser rápida y frenética, para irse a la balada de amor, muy bonita y con la Gibson pausada. Nada que envidiar a la escena sueca, un tema que es la cara B perfecta de cualquier single sixtie.

Antes había abierto el EP ‘Círculo Polar’, que es una versión de Myracle Brah y que vuelve al medio tempo de Cooper, como hace ‘Ola de Calor’, donde hay más influencia de la psicodelia y donde los leoneses firman uno de sus temas menos típicos.

Aunque lo mejor viene con el regalo que se hace al final. Una canción si vemos el tracklist del EP, y todo un concierto si damos al play. Es una hora de duración del directo que Cooper ofreció en Madrid el 18 de enero de 2008 en la sala Gruta 77. A través de grandes versiones, donde pasan bandas como Gigolo Aunts, Buzzcocks o The Hollies, y donde recuperan sus canciones favoritas.

Como resultado final, un EP grandioso, para seguidores de los leoneses, para amantes del pop con mayúsculas y que Álex Diez ha querido dedicar al festival murciano Lemon Pop, como nos contó en su día, y a los demás de festivales (FIB, Contempopranea…). Acabemos con una de sus canciones: ‘Yo no me pienso callar, ni bajo el agua, hay muchas cosas que contar. Si no entendéis nuestras palabras, algo tendremos que inventar’. Larga vida a Cooper.

hipersonica.com

myspace cooper

coconot - cosa astral

2008-12-28T11:28:00.004+01:00

al revés: lartsa asoc

Coconot - Conservad El Rayo

La sombra del Guincho es alargada, para el beneplácito de unos y para la desaprobación de otros, y eso se nota en el nuevo disco de Coconot. Sin embargo, hay que dejar las cosas claras; el cambio desde Novo tropicalismo errado (Bcore, 2005) hasta este Cosa Astral (BCore, 2008) es tremendo, en lo cual hay que hacer hincapié, no porque su anterior trabajo supusiera un infortunio, sino porque el trío barcelonés ha sabido adaptar su propuesta al trabajo en solitario de sus tres integrantes. Son tres trabajando, cada uno en su parcela: el trabajo compositivo y estructural de Pablo, las mezclas de Jens Neumaier y Cristian Subirà tratando de dar forma a las sensaciones que puede producir la música electrónica.

La urgencia del hardcore expulsado en su anterior disco se ha ralentizado, recogiendo muchos más detalles por el camino, trabajando más las melodías vocales y, sobre todo, las mezclas. Porque Alegranza! ha dejado huella en Cosa Astral, pero hay cambios considerables: los loops constantes del canario han sido sustituidos por instrumentos, se ha trabajado con tempos y ritmos más variados, y la voz de Pablo tiene mucha más presencia en este álbum que en su disco en solitario.

El camino trazado por "Si apuntas y no matas todo o parte" de "Conservad el rayo" es bastante paralelo al disco del internacional Guincho, pero como se ha dicho anteriormente, Coconot demuestra mayor variedad estilística; sobre todo, psicodélica. Escuchar "Polen Muchacha!" o "Miles de ojos" con una caja de ritmos acompañando a la batería de una forma más sencilla, mucho menos estrepitosa y más volátil, produce una mejor asimilación de las melodías (sí, con loops “Collectives”), utilizando el delay con la suficiente cadencia para dejarnos llevar por ese particular mundo “astral”. También cabe destacar el cambio de estructuras que aparecen en mitad de algunas de las canciones, rompiendo los esquemas completamente, como pasa en la inicial "Conservad el rayo" donde Pablo sincroniza su voz con esas melodías electrónicas tan tropicales. La batería y la percusión se minimizan en "Verbena de los delfines", mostrando la cara más amable y alegre sin llegar al desfase de su anterior disco. De buen rollito.

La actitud más roquera de Coconot queda patente en la mayoría del disco, pero cristaliza a la perfección junto con ese aire tropical y esa electrónica menos obsesiva que la utilizada por sus integrantes en "Tao", amalgama un tanto rara avis que, junto con la festiva y alegre "El fin del sonido tropical", supone parte de lo mejor del disco.

Coconot alberga a El Guincho, pero Jens y Cristian saber aportar su granito de arena para formar un álbum mucho más variopinto que cualquiera del trío o del canario en solitario, lo cual supone un paso adelante y un incremento mayor de la curiosidad que suscitará su próximo álbum.

myspace coconot

Brian wilson - That lucky old sun

2008-12-28T00:56:00.005+01:00

al revés: nus dlo ykcul taht - nosliw nairb

Brian Wilson es, sin duda, una de las figuras más admiradas de la música popular como músico, productor, arreglista y líder de los Beach Boys. No resulta exagerado calificar a Brian Wilson como uno de los más influyentes y talentosos compositores del pop de los últimos 50 años. Ahora, Brian Wilson vuelve con Capitol, el primer sello con el que grabó su mítica banda The Beach Boys alcanzando el éxito en 1962 con la canción "Surfin’ Safari" para editar su nuevo álbum en solitario.

That Lucky Old Sun es una especie de carta de amor desde el sur de California, que vibra con canciones soleadas y excelentes arreglos, moviéndose como llevadas por las mareas del Pacífico. El álbum contiene fragmentos narrados por el propio Wilson, con historias en forma de cameos de la vida y el latido de la ciudad de Los Ángeles que le dan sentido a la historia musical del álbum.

El pasado verano, Brian Wilson se sorprendió a sí mismo cantando "That Lucky Old Sun", un clásico tema de 1949 que se convirtió en la inspiración de su nuevo álbum de estudio. Compró la versión de Louis Armstrong de esta canción y se sintió inspirado para trabajar en las letras junto a su compañero de banda Scott Bennett y con Van Dyke Parks, su viejo colega, para crear unas vibrantes narraciones habladas. Más tarde, presentó este disco en el Royal Festival Hall de Londres en septiembre de 2007 en una serie de seis conciertos con las entradas agotadas para celebrar la reapertura de este teatro. Según su propias palabras, se trata de "un tejido de canciones y narraciones" en forma de travesía autobiográfica, desarrollando el concepto de álbum de viaje con el que empezó hace cuatro décadas.

myspace Brian wilson

2008-12-11T01:18:00.002+01:00

Espero que sepais disculparme, sé que el blog está pelín descuidado. Ando un poco liado las últimas semanas: trabajo, familia, pintura, mudanza, muebles nuevos, las fiestas de navidad que se acercan...vamos el caos total. Intentaré ponerme las pilas en unos días, pues tengo cosas que quiero que veais, cosas que merecen la pena. Paciencia zagales

Vive la fête - jour de chance

2008-11-22T23:31:00.003+01:00

al revés: ecnahc ed ruoj - etêf al eviV

Vive La Fête - La Route

La pareja formada por Danny Mommens y Els Pynoo no se han salido del tono que les ha hecho buenos sobre los escenarios al encarar su quinto trabajo Jour de Chance (Día de suerte).

Aventures Fictives abre y da la pista de lo que vendrá después: electroclash, discopop ochentero, mucho sintetizador, y más guitarrazos si cabe que en Grand Prix. Eso sí, en una onda más cercana a la canción francesa de los Sesenta y desligados de la tónica general de los once cortes restantes, los belgas entregan La Route y Love Me, Please Love Me, ésta en doble versión.

myspace vive la fête

The faint - Fasciination

2008-11-22T23:28:00.003+01:00

al revés: noitaniicsaF - tniaF ehT

The Faint - "The Geeks Were Right"
A la chita callando, The Faint se ha plantado en su quinto trabajo de estudio. Con diez años de trayectoria y su "Danse Macabre" del año 2001 como obra más destacada, los de Omaha acaban de editar "Fasciination", con el que pretenden volver a hacerse un hueco en la saturada jungla dance-punk. Sus seguidores españoles están de enhorabuena pues se han confirmado tres actuaciones en la península, dentro de su gira europea, a comienzos del mes de diciembre:

1 de diciembre - Barcelona, Sala Bikini
2 de diciembre - Bilbao, Kafé Antzokia
3 de diciembre - Madrid, Joy Eslava

myspace stereolab

Stereolab - chemical chords

2008-11-22T23:24:00.003+01:00

al revés: sdrohc lacimehc - baloeretS

Stereolab - Neon Beanbag

Stereolab llevan ya diez discos explorando un universo donde Neu!, la bossa nova, el pop y el lounge se dan la mano para crear canciones intrincadas, laberintos melódicos en los que perderse.

Diez discos y casi dos décadas pueden dar para muchos sentimientos, incluso la apatía. Y así parecía que se habían recibido las últimas obras del grupo liderado por Tim Gane y Laetitia Sadier. Ni siquiera el hermoso Margerine Eclipse sirvió para cambiar la dinámica. Parecía como si todo el mundo (crítico, sobre todo), después de elevar a los altares a Emperor Tomato Ketchup, hubiese decidido cerrar el grifo de las alabanzas.

Pues bien, es la hora de revisar prejuicios, porque Chemical Chords es un discazo con el que Stereolab vuelven a colocarse entre lo más alto de las bandas actuales. una obra así debe ser carne de lista de “Lo mejor del año”.

Hay razones suficientes para creer en lo que digo. Curiosamente, la resurrección del talento de la banda (o mejor dicho, una nueva eclosión de él, pues nunca había estado muerto del todo) viene del disco más involuntariamente pop de su trayectoria.

Me explico: el grupo quiso que Chemical Chords sirviese para investigar en el ritmo. Gane y los suyos entraron al estudio con poco más que unos cuantos ritmos pregrabados. A partir de ellos, decidieron componer las canciones. Y, curiosamente, pese a estar basadas en el ritmo, vuelven a brotar de ellas los estribillos, los ganchos a los que el oyente puede agarrarse.

Three Women, por ejemplo, es el mejor single de la banda en años y posee ese sentimiento fabuloso de estar escuchando algo muy amable, pero muy poco conformista. La esencia de Stereolab, lo que siempre han buscado, pero sin ninguna arruga.

Unos poco ritmos y la idea de que sean ellos los que guíen las canciones. Eso, tan sólo eso, les sirve para que la banda parezca rejuvenecida. Chemical Chords es un disco lleno de groove, la obra de un grupo al que los años no le pesan, sino que se han convertido en acicate. Si alguna vez os han gustado y los habíais dejado de lado por grupos más novedosos, por escuchar la última sensación, éste es el momento de volver a ellos.

hipersonica.com

myspace stereolab

One day as a lion - one day as a lion

2008-11-22T23:20:00.005+01:00

One day as a lion - one day as a lion

One Day as a Lion - Wild International

Si un disco ha sido deseado durante años, ése ha sido un trabajo en solitario de Zack de la Rocha, especialmente cuando sus compañeros en Rage Against the Machine parecían haber perdido un poco el rumbo de su sonido con Audioslave y Chris Cornell. Sin problemas, rectificar es de sabios, y así lo demostraron al reunirse de nuevo como la grandísima banda que fueron durante los noventa.

No obstante, la decisión del cuarteto de limitarse a interpretar en directo sus viejos temas, y no grabar nada nuevo, volvió a poner en primera línea el deseo de tener al siempre inspirador de la Rocha componiendo nuevos y rabiosos versos. Y finalmente, el primer trabajo en solitario del vocalista, que tanto deseamos ver publicado cuando Rage Against the Machine estaban en punto muerto, nos viene a llegar cuando la banda está de nuevo en activo.

Ya dije cuando pudimos escuchar ‘Wild International’ (Imeem) por primera vez que la cosa pintaba la mar de bien, y que la combinación entre la batería de Jon Theodore y los teclados de Zack resultaba funcionar mejor de lo que se esperaba. Hasta ahí, todo fabuloso, pero aún había que escuchar el EP al completo.

Ahora, tras haber reproducido decenas de veces los cinco temas que conforman el trabajo, puedo decir sin miedo a equivocarme que es de lo mejor que he escuchado en mucho tiempo. Volvemos a encontrar en él al de la Rocha visceral de los primeros Rage Against the Machine, con soflamas incendiarias que demuestran, desde el siempre cortante punto de vista de este artista, lo poco que ha cambiado la situación mundial en las últimas dos décadas.

El sonido recuerda en buena medida al trabajo de Saul Williams, aunque la falta de guitarras no impide que la esencia del grupo que hizo famoso a este rapero siga presente. Los teclados no llegan a hacerse tan monótonos como podría presumirse, y crean una comunión fabulosa con las bases rítmicas que aporta Theodere desde la batería.

Salvando algunos pasajes que se hacen algo forzados, como se aprecia en ‘If You Fear Dying’ (los cuales no le impiden ser otro temazo más), el resultado global del trabajo sólo puede calificarse como verdaderamente redondo, un álbum sublime en que el americano vuelve a demostrarnos, una vez más, lo que para él significa la música: una vía de reivindación, una potente herramienta para prender la chispa de las almas que permanencen aletargadas en el conformismo.

Así se entiende, una vez más, por qué Zack decidió cortar por lo sano con una agrupación que tenía el éxito asegurado, y por qué no se ha animado a grabar más discos a lo largo de estos años. Porque más le vale un día como león, que cien años como cordero, y así nos lo quiere hacer sentir.

hipersonica.com

myspace one day as a lion

Monochrome - caché

2008-11-17T07:34:00.001+01:00

Monochrome - caché

Banda alemana que se ha ganado el respecto de toda la escena underground europea gracias a haber creado su propio sonido mezcla de post-hc, pop, y algunas pinceladas de jazz y post-rock mas su constante "duelo" de voz femenina y masculina.entre Marc y kate.
Se han convertido en imprescindibles para la escena underground europea. La banda liderada por Marc Calmbach, Monochorme, caminan entre el hardcore y el post rock con impresiones del más clasico y sencillo pop. Monochrome se sienten bien en sus incursiones en los escenarios. Muestran su música con pasión y saber estar.Además Monochrome está considerado como uno de los grupos más importantes de Alemania donde ocupan ya un espacio de culto. La banda está formada por Chris Specker, Helm Pfohl, Marc Calmbach, Marten Thielges,Kate Complikate and Dominik Thomann.

Este nuevo disco, Cache, Monochrome, llevan su estilo único un paso más adelante, adentrandose quiza un poco más en el pop, pero sin dejar de sonar al grupazo que son. ¿Porque aparentemente este grupazo es tan poco conocido?

myspace monochrome

I´m from Barcelona - Who killed Harry Houdini

2008-11-17T07:27:00.003+01:00

I´m from Barcelona - Who killed Harry Houdini

I'm From Barcelona "Paper Planes"

Comentamos por fin el disco de una de las bandas que, hace dos años, hicieron vibrar a medio mundo a base de su primer LP, ‘Let Me Introduce My Friends’, que contenía una de esas canciones pegadizas hasta la médula que en diez días, tarareaba hasta el más pintado. Fue imposible no cogerle un poco de tirria al temazo, de nombre ‘We’re from Barcelona’ y que al final terminaba resultando algo cansino con tanto “na-ra-na-na-ra-na”, pero que tenía eso que hace grande al pop: inmediatez y adicción a partes iguales. Ahora llega ‘Who Killed Harry Houdini?’, el segundo largo de esta extensa banda que -en sus mejores momentos- llegó a tener hasta 30 miembros.

Emmanuel Lundgren parece un poco cansado de tener tanta gente a su alrededor y ha decidido deshacerse de la coralidad para este segundo largo, relegando a los demás miembros de la banda (¿cobrarán todos?) a un segundo plano. En ‘Who Killed Harry Houdini?’, el resto de los músicos se encarga de hacer los coros a Emmanuel y poco más. De hecho, la única colaboración visible del álbum es la de la cantante francesa Soko en ‘Gunhild’.

‘Who Killed Harry Houdini?’ es un clarísimo ejercicio de introspección de Lundgren que, quizá harto de tanta compañía, ha decidido darle un toque más intimista al álbum. Y suponemos que no sólo en las voces, también a base de escribir canciones más propias y más focalizadas en sus sentimientos. Así, este segundo disco se convierte en un compendio de pop-folk un poco más oscuro, aunque sin llegar a pasarse. El disco sigue siendo colorista, y sigue teniendo algunas de esas canciones que te hacen plantearte cómo se puede ir así de feliz por la vida, aunque no rezume tanta alegría como su predecesor. Aun así, sigue estando cuajado de delicias si se le presta un poco de atención: ‘Paper planes’ es insuficiente y nos hace pedir más, ‘Music killed me’ tiene un ligero regustillo a Arcade Fire que mira, no está mal, y ‘Houdini’ se convierte en una sorpresa en plan Franz Ferdinand meets I’m from Barcelona.

myspace I´m from Barcelona

Dos hombres solos - dejame solo

2008-11-17T07:23:00.003+01:00

Dos hombres solos - dejame solo

myspace dos hombres solos

tropezando he recordado...fine!

2008-11-16T11:16:00.010+01:00

fine! EP

fine! - now that we´re alone

fine! - let´s talk about it

fine! - last fine recordings

Cuando FINE! debutaron con un Ep homónimo de 4 canciones, abrieron los oidos de mucha gente, que se sorprendió y decidió que valía la pena seguirles la pista. Aquella promesa de la que hablaban es hoy en día una realidad palpable en su primer álbum: "Now that we're alone", a partir de hoy llamado a ser uno de los discos del año. Desde el magnético inicio con "Seymour Why?" y esa trompeta que nos recuerda a los mejores THE PALE FOUNTAINS, hasta la estupenda lluvia de arreglos en "Dos Semanas Después". Cada canción de "Now that we're alone" es una piedra preciosa con identidad propia de la que podriamos estar hablando largo y tendido, ahora que estamos solos... "Now that we're alone" es aquel disco que escuchas por primera vez a solas, justo antes de correr a contarle a los demás tu descubrimiento. La majestuosidad de los tres primeros cortes ("Seymour Why?", "Philippe" y "Barcelona") nos lleva al estribillo irremediable de "Fishing for Birds", una fantástica melodía de la que te enamorarás cuando veas su video rodado en la Costa Brava! Tras el momento más íntimo del disco ("Taking the Bus") y el momento más twee ("Summer Revisited") llega la que será, sin duda, una de las canciones más bailadas la próxima temporada en los mejores clubs. "Lazy Life" es el fruto de la colaboración entre Guille Milkyway (La Casa Azul) y Fine!; la excelente conexión entre ambas partes ha dado a luz esta deliciosa pieza de eurodisco que nos lleva del Mond Club a Ibiza sin parar de bailar. "He Smiles Sometimes" nos demuestra hasta qué punto pueden emocionarnos estos cinco barceloneses; mientras que "The Ones that Smoke Are Fool" deja claro que estamos ante un disco plagado de singles. Para finalizar nos guardan una pequeña sorpresa. "Dos Semanas" supone el debut de Fine! con textos en castellano, aunque de todas formas advierten que seguirán haciéndolo en inglés excepto en momentos puntuales como este. La broma privada existente entre "Dos Semanas" y "Dos Semanas Después" desgraciadamente quedará fuera del alcance de mucha gente. En resumen, el tiempo da la razón y la calidad siempre acaba sobresaliendo por encima de falsas poses y fantasmas de cartón piedra. El momento de Fine! ha llegado, han grabado un disco enorme de principio a fin y cada vez son más quienes se dan cuenta de ello y no escatiman en elogios hacia el quinteto. Para colofón, las siempre exquisitas ilustraciones de Gregorio Soria hacen que "Now that we're alone" enamore desde el primer contacto visual. Ningún amante del pop podrá resistirse a esa voz tan dulce, a esas guitarras tan bien compenetradas (hay momentos, como en "Barcelona", en los que suenan cuatro guitarras a la vez), a esos bajos más rítmicos que nunca, y ni mucho menos a esas CANCIONES.

myspace fine!

(lo:muêso) - giant catarzêe

2008-11-14T08:08:00.004+01:00

(lo:muêso) - giant catarzêe

my space (lo-muêso)

Those dancing days - in our space hero suits (reentrada)

2008-11-14T08:02:00.003+01:00

al revés: stius oreh ecaps ruo ni - syad gnicnad esohT

myspace those dancing days

Barbara Carlotti - l´ideal

2008-11-14T07:59:00.001+01:00

al revés: laedi´l - ittolrac arabraB

myspace Barbara carlotti

Carla bruni - comme si de rien n´etait

2008-11-14T07:54:00.002+01:00

al revés: tiate´n neir ed is emmoc - inurb alraC

myspace carla bruni

Lindstrom - where you go i go too

2008-11-12T08:03:00.004+01:00

Lindstrom - where you go i go too

Lindstrom Live at Caviar Gothenburg

La mejor premisa a la hora de componer música electrónica para un artista como Lindstrom es buscar sonidos e inspiraciones perdidos entre el pasado y el futuro. La melodía es algo que se ha trabajado desde hace décadas (por no decir siglos), pero la forma de exponerla, presentarla o dibujarla todavía puede ser novedosa y original; pasado y futuro.

La incursión de Where you go I go too (Smalltown Supersound, 2008) supone un paso adelante en la carrera del noruego Lindstrom, y también un interesante álbum que dota de cierto carácter espacial a la escena electrónica de éste 2008. Sin lugar a dudas los sonidos cósmicos han estado siempre presentes en la carrera del noruego, ya sea en un formato de canción más proclive al disco-single como en buena parte de sus anteriores trabajos en solitario: It's A Feedelity Affair (Smalltown Supersound, 2006), o en compañía de Prins Thomas, Reinterpretations (Eskimo, 2007). En ambos ha conseguido mostrar ese aspecto lúdico y retorcido a la vez, sin caer en un exceso de extra-modulación en sus sintetizadores ni en un desmesurado tono épico. Pero es quizá éste el momento para Lindstrom para intentar dar un paso más allá del formato single, alargando el minutaje de sus canciones (primer tema 29 minutos), y acudiendo a la épica, a la electrónica progresiva y al uso exprimido de sus sintetizadores un tanto a lo Tangerine Dream de Phaedra (Virgin, 1974).

El primer tema que da título al álbum “Where you go I go too”, es el más largo y el que parece ser el centro de gravedad del disco (sólo tres “canciones”, cincuenta minutos en total), trayéndonos a colación un lado totalmente progresivo y nunca visto en Lindstrom; capaz de estirar la introducción hasta los cinco minutos: sobre un mantra ambient aparecen relajantes sonidos de olas, sueltos retazos de psicodelia hasta que una mínima percusión entra suave y repetitiva con un toque ácido. De ahí en adelante y durante más de diez minutos tenemos teclados, sintetizadores retorcidos con efectos como phaser o flanger que discurren sobre un ritmo 4x4 totalmente pegadizo, sin demasiada experimentación. Todo ello consigue transportar al oyente a otro mundo exterior como si de un viaje hacia el espacio fuese. Al cabo de más de un cuarto de hora de canción se produce un descenso, se apagan los motores y desaparece la percusión, quedando el sonido del vacío y el de la respiración: un momento de relax para el éxtasis final al cabo de unos cinco minutos después. Vuelta a despegar para recorrer esas olas cósmicas propias de la electrónica más progresiva del noruego. Sin lugar a dudas entre tanto minutaje pueden venirse a la mente aquella infinita autopista de Kraftwerk, Autobahn, o aquellos futuristas efectos (en su tiempo) de Giorgio Moroder en From here to eternity (Casablanca, 1977).

De ahí pasamos a los dos siguientes temas, “Grand ideas” y “Long Way home”. El primero se compone de más de diez minutos continuistas del primer corte, desarrollándose sobre un electro repetitivo y ligeramente variante: el viaje continúa. En “Long way home” encontramos la primera guitarra con reverb del disco; dos acordes, tono mayor y tono menor: melancolía. El ritmo se paraliza y se simplifica ante la agudeza y la simpleza del punteo guitarrero y los envolventes sintetizadores del fondo hasta llegados a mitad de canción, donde se transforma en la parte más disco y ochentera de todo el álbum hasta el final.

El sobre-minutaje y el lado conceptual del space-disco de Lindstrom en este disco pueden llegar a ser un tanto excesivos en bastantes partes del álbum, pese a que el primer tema del álbum esté muy bien trabajado y acabado. Todo ello consigue que se pierda un poco la credibilidad a una propuesta que parece querer ofrecer más de lo que puede (que no es poco), pese a todo el exquisito trabajo realizado por el Noruego hasta la fecha. Éste tipo de álbumes suelen tener una doble cara: la libertad artística innata en un artista que podría llegar a ser un multitudinario superventas y se queda en poco más que en artista de culto, por suerte; o en el intento fallido de un clásico para aquellos fans más extremos.

myspace lindstrom

Operator please - yes yes vindictive

2008-11-12T07:58:00.003+01:00

Operator please - yes yes vindictive

Operator Please - Just A Song About Ping Pong

Operator Please - Two For My Seconds

Operator Please- Leave It Alone

No debería haber problema alguno en decir “Me gustan Operator Please”. No desde luego por cuestiones directas.

Cuando viejas glorias y las que quieren serlo con treinta años se retuercen buscando y buscando, pensando si tocarán mejor con tanta o cuanta coca, un grupo de adolescentes australianos sin más (ni menos) pretensiones que divertirse tocando –algo que se nota, popes, la jubilación anticipada debería ser forzada en algunos casos- y no con un puñado, sino con un disco entero rebosante de singles y alegres tonadas para tiempos descreídos, llegan desde su próspera isla y le pegan diez mil vueltas a muchos de los nombres que me vienen a la cabeza. Amandah Wilkinson no será nunca modelo, Taylor toca el violín con diecisiete años en una banda de rock y la información globalizada nos dice que son dignos de ver en directo, más extrañados que complacidos por los flashes. Como debería ser, vamos. Razones que me parecen de peso para adorar en pequeño este debut que tiene sus días de desconocimiento en Europa muy, muy contados. El hecho de versionear con esa edad a Devo en lugar de a The Strokes, algo dice…

Nacho P.l para mondosonoro.com

myspace operator please

keane - perfect simmetry

2008-11-10T19:08:00.004+01:00

veremos cuanto dura...es lo que tiene el mainstream...

al revés...yrtemmis tcefrep - enaek

Keane - Perfect Symmetry (live @ The Forum 29. 9. 2008)
Tras las malas críticas de ‘Under The Iron Sea‘ y la adicción de Tom Chaplin a las drogas, Keane han decidido cambiar. Con la ayuda en la producción de Jon Brion y Stuart Price, de quien fue la idea de incluir el sample de Abba en el ‘Hung Up’ de Madonna, han hecho un disco, no tecnopop, pero sí más ochentero, glam y new-wave, como muestra el primer single y pista 1, ‘Spiralling’, irritante pero de escucha obligada. La referencia evidente es David Bowie, a quien recuerdan en la pista 2 del disco (’Lovers Are Losing’ a ‘Heroes’) y en la pista 3 (’Better Than This’ a ‘Ashes To Ashes’).

Sin embargo, pronto aparecen en ‘Perfect Symmetry’ canciones con el estilo clásico de la banda-sin-guitarras (que ahora sí incorporan alguna guitarra), que nos recuerdan que Keane es el grupo que más abusa del piano de la historia, dándole siempre un sonido meloso y sensiblón, nunca afilado o siniestro, como por ejemplo consiguió PJ Harvey con su último disco. Este tipo de canciones al estilo antiguo, a pesar de estar disfrazadas de modernidad, como ‘Black Burning heart’ o ‘Pretend That You’re Alone’, no convencen, pues recuerdan a ‘Somewhere Only We Know’ o ‘This Is The Last Time’, pero no son tan buenas, por lo que lo único que inspiran son ganas de ponerte las viejas. Sin embargo, ‘Perfect Symmetry’, la canción, incorpora una coda final bastante Abba, que resulta bastante graciosa. A pesar de que el álbum también tiene temas de relleno (’You Haven’t Told Me Anything’), y de que el conjunto no es tan arriesgado ni diferente después de todo, por lo menos hay que valorarles el considerable paso que han dado hacia adelante.

myspace keane

Julio de la rosa - el espectador

2008-11-07T10:13:00.003+01:00

Julio de la rosa - el espectador

Tras escribir la música incidental de una nueva película (“Una Palabra Tuya”, film dirigido por Ángeles González Sinde, la actual presidenta de la Academia del Cine Español y directora también de “La Suerte Dormida” o autora de guiones de celebradas películas como “La Buena Estrella”) y ver publicado su segundo libro de poemas (“Diez años foca en un circo”, libro que “surgió de la nada, de ponerme a escribir poemitas y textitos a modo de anotaciones cotidianas de cosas que voy viendo y que me punzan” recientemente publicado por Chorrito de Plata, editorial de poesía creada en 2004 por Enrique Bunbury y Antonio Estación con la intención de fomentar y publicar poesía asociada con la música que ya pusiera en circulación en 2006 “Tanto Rojo Bajo Los Párpados”, el primer libro de De La Rosa), el jerezano Julio de la Rosa prepara el lanzamiento del que será su tercer álbum en solitario.

myspace julio de la rosa

Eli paperboy reed & the true loves - roll with you

2008-11-07T10:08:00.005+01:00

Eli paperboy reed and the true loves - roll with you

Eli "Paperboy" Reed & The True Loves @ Paradiso

Este chaval veinteañero sigue el reciente renacimiento del soul y del funk, pero lo hace con un gusto inmejorable. Con una banda, los True Loves, compuesta de guitarras, teclados, coros y teclados, rescata el sonido crudo del mejor soul de los sesenta.

Oriundo del norte, de Massachussets, este chico es un auténtico negro que respira el soul por todos sus poros y plasma en este disco su amor por el sonido crudo, "vintage" y poderoso. Un descubrimiento que no inventa nada, pero que refleja un sonido que se creía perdido, salvando algunas excepciones como la doliente Amy Winehouse, otra amante de lo retro.

Estamos ante un chaval enamorado del soul, un chaval que ha encontrado su expresión interpretativa en un sonido ya desaparecido pero milagrosamente rescatado.

Un disco de soul. Ni más ni menos.

myspace Eli paperboy reed & the true loves

Giulia y los tellarini - eusebio

2008-11-07T10:03:00.004+01:00

giulia y los tellarini - eusebio

Tv3 - El club - Giulia y los tellarini: "Barcelona"

Eusebio es el primer trabajo de esta banda que se formó en la capital catalana hace cuatro años y que nació, según sus componentes, "por casualidad", de manera que lo que en un principio fue un grupo ocasional creció con la incorporación de nuevos músicos hasta crear "una gran familia".

El disco incluye los temas Barcelona y La Ley del Retiro, ambos escogidos por Woody Allen para formar parte de la película que rodó en la capital catalana.

El guitarra del grupo Jens Jenlumayer ha comentado que el contacto con el cineasta se produjo después que dejaran en el hotel donde se alojaba un CD para que lo escuchara. "Al cabo de unos días recibimos un correo electrónico donde nos citaban para escoger unos temas del disco", ha recordado.

myspace giulia y los tellarini

Tropezando he recordado...Bis - social dancing

2008-11-07T09:58:00.004+01:00

bis social dancing

como no podía ser de otra manera...Eurodisco. Bis - Eurodisco

Los medias británicos los encumbraron con sus primeros EP’s. Bis un grupo de Glasgow que reivindica el negarse a crecer y el “haz lo que quieras” acaparó las listas y consiguió hacerse realmente famoso con su punk-pop-funk reivindicativo. Los hermanos Sci-Fi Steven y John Disco y Manda Rin son Bis. ¡Otro! o ¡Mierda! podría ser la traducción de su nombre al castellano. Ahora cada vez que Amanda dice algo, esa misma prensa que les llevó a lo más arriba, se dedica a meterse con ellos -humor inglés, carácter británico-. Ellos ahora “mandan a tomar por culo” a esta misma prensa. Supongo que a veces no es fácil llenar las páginas de un semanario musical… No se muy bien por que -ya que musicalmente no se parecen-, pero siempre les he visto una extraña relación con gente como Cornershop o incluso Make Up. Tal vez el querer decirnos algo, al margen de modas y convenciones, con una música hecha para bailar y divertirse. Fuertes raíces punk. “Social Dancing” (99) es su último disco en nuestro siempre adorado sello Wiija. Andy Gill de Gang of Four ha sido el productor de éste trabajo. Se alejan de su anterior sonido y se meten de lleno en la música disco. En el techno-disco que dicen ellos. Música disco divertida con espíritu pop-punk. Han contado con toda la tecnología que han querido y la han aprovechado.

myspace - bis

la risa del día...Algo pasa con Mary (1998)

2008-11-03T23:48:00.000+01:00

para reirnos un ratico...

Air france - no way down

2008-11-03T23:33:00.003+01:00

Air france - no way down

Air France - Collapsing at Your Doorstep

Está muy claro que desde Suecia, de un tiempo a esta parte, nos están invadiendo con joyas pop de alto calado emocional y de un lenguaje propio y depurado. Desde el pop oscuro de The Knife, la electrónica-pop shoegazing de The Radio Dept o el folk de José González, Suecia se ha transformado en tierra fértil para la melancolía de autor y Air France viene a subrayarlo nuevamente en esta pequeña gema pop.

Air France es un dúo formado por Henrik Markstedt y Joel Karlsson, que bajo el alero de la modesta discográfica Sincerely Yours han aparecido sorpresivamente para matar la inquietud del disco nuevo de los Avalanches que está por caer, según dicen. Habían avisado con el aún más modesto ep “On Trade winds” que andaban tramando algo, pero es con “No Way Down” donde cristalizan su estilo en 6 canciones sin ningún tipo de desperdicio.

Muy difícil es parecerse a Avalanches, de ahí su grandeza, y aquí el nombre no es citado en vano, pero los dardos no van por el lado “funky” de los australianos, sino que los climas más calmos y melódicos son los que inspiran a Air France, construyendo así canciones perfectas en arreglos, estribillos y maravillosos breaks disco. Con cierto parentezco también a la veta más dance de Jens Lekman, e imbuídos por el espíritu de los mejores Abba (la voz de Elisabet Sjögren es de otra dimensión en “June evenings” ), crean crujientes collages evocadores, llenos de basslines adictivos, percusiones latinas y arreglos de cuerdas, es decir, música disco en la era del sampler. Imposible no caer rendido ante el influjo bailable de “No Way down”, quizás uno de los temas del año y donde canta Teresa Jaksetic, la otra colaboradora de este EP.

En resumen, hay que estar muy atentos a este dúo que con estas pequeñas piezas de orfebrería pop, nos pueden dar grandes momentos.

myspace air france

Arkanoid - point of no return

2008-11-03T23:17:00.004+01:00

Arkanoid - point of no return

Arkanoid - Leap of Faith (2008)

Su nuevo disco se puede descargar gratis de Internet

Arkanoid se suma a la moda de regalar los discos a través de Internet, al colgar gratis en www.arkanoidmusic.com/pointofnoreturn su nuevo trabajo. Un álbum titulado "Point Of No Return" que ha sido producido por Hans krüger (Half Foot Outside, Delorean, Los Tiki Phantoms). El nuevo disco de los castellonenses será editado de forma física por Arindelle.

myspace arkanoid

Dos hombres solos - dancing in gijon

2008-11-01T16:00:00.004+01:00

Dos hombres solos - dancing in gijon

Dos Hombres Solos nos propone como remedio para sobrevivir al letargo otoñal y endulzar la espera de su próximo trabajo el interesante reto de reinterpretar íntegramente su segundo álbum ‘Vida en fascículos’, bajo el título “Dancing in Gijón: DHS en Compañía de Otros”. En una hábil maniobra, DHS cambiaron su intención inicial de auto-remezclar “Vida en fascículos”, rodeándose de dos originales artistas, Víctor Lefreak y Lifelong Corporation, que, junto a José Ramón y Carmelo, aportan sus particulares modos de entender la electrónica para firmar un proyecto redondo que ensalza con destreza la obra del dúo madrileño. Ya sea guiados por el afán de autocrítica, la inquietud artística o la curiosidad exploradora de nuevos ritmos y sonidos, no resulta fácil salir airoso del experimento de versionar y remezclar un álbum con escasas concesiones al baile, marcado por un pesimismo existencial como eje central de sus letras, y una introspección melódica idónea para reflejar un universo cotidiano desesperanzador y derrotista. De esta forma, asistimos a una sorprendente resurrección de los temas de “Vida en fascículos”, con un estudiado reparto del protagonismo entre Víctor Lefreak, Lifelong Corporation y los propios DHS. Revisión que acometen por distintas vías, en función de sus preferencias electrónicas, y de la mayor o menor intensidad, peculiaridad y sensibilidad del material que han tenido entre sus manos. El resultado es un soberbio trabajo de estos artistas, que anticipan el sonido depurado y enérgico que DHS debería mantener en sus próximos discos, y que sin duda me hará seguir conectado a sus respectivos myspaces a la espera de nuevas sorpresas.

El artista multimedia madrileño Víctor Lefreak despliega con maestría un amplio repertorio de recursos, transformando la lineal “Te Voy a Decir”, en una extraordinaria remezcla en clave chill house, con evocadores teclados, aderezada de principio a fin con una sugerente voz robotizada, mientras que en “Patético” busca junto a DHS un sonido más metálico, oscuro y depechero, sin perder fidelidad con el original. Por último, Lefreak convierte “Invisibles” en una elegante balada electrónica con sofisticadas bases y preciosas secuencias, evitando caer en el aburrido triphopismo en el que podría desembocar una remezcla apresurada del depresivo y melancólico tema original.

Por su parte, Lifelong Corporation, más fiel a su techno oscuro y bailable, revitaliza la anodina “Vida en Fascículos”, con efectivos teclados y unas bases que coquetean con lo industrial, o traslada la melódica “Apariencias”, una de las joyas del álbum, hacia un terreno más trance con una remezcla progresiva y misteriosa. El productor y remezclador valenciano concluye su colaboración en este álbum con su versión de “He Perdido Mi Tiempo”, que respeta la estructura y el espíritu techno pop del tema, aunque depurando las bases originales para entregar una pieza más ambiental cercana al house.

Dos Hombres Solos tampoco desaprovechan la ocasión para sacar el máximo partido a sus propias composiciones. Así, apuestan sobre seguro reservándose la contundente remezcla de la enérgica “Dancing in Gijon”, revisando en clave electro “Tres traspiés”, con una remezcla hiperbailable de lo más destacado del álbum, o dando vida propia a la obsesiva “No Puedo Apartarte de Mi”, con acertados teclados y unos vocoders monopolizando las partes vocales del tema. El álbum se cierra con una entretenida y vibrante versión bailable del clásico de 1979 "Goma de Mascar", a cargo de Víctor Lefreak y DHS, empeñados en que sigamos bailando hasta morir.

“Dancing in Gijón” asombra por tratarse de una exquisita revisión que saca a flote el gran potencial de los temas del álbum “Vida en fascículos” de DHS. El proyecto consigue atrapar a quien se acerca por su capacidad para transformar la reflexión melancólica e intimista que domina el álbum original en cuidados ejercicios del mejor techno, y convertir el pesimismo existencial en punto de partida para comenzar a ver la vida con nuevos ánimos, creando momentazos para la pista de baile o degustaciones más relajadas. A la felicidad por la electrónica.

vivaelpop.com

myspace dos hombres solos

Electric president - sleep well

2008-11-01T15:49:00.004+01:00

Electric president - sleep well

Electric President: Monsters

Electric President, 'Sleep well' (2008): pura electrónica futura, una alucinante mezcla de Tarwater, los Beach Boys, The Postal Service y casi hasta U2 en algún ramalazo épico. Se trata de un dúo de Florida que edita en el sello berlinés (bendita globalización) Morr (Lali Puna, Mrs John Soda). Hacen una suerte de electrorrock de dormitorio que, además, encaja perfectamente con la temática de este su segundo disco, 'Duerme bien', que va de sueños y está envuelto en densas atmósferas oníricas.

El disco, una joya en ambientes, texturas y casi también melodías, casa con brutal naturalidad máquinas e instrumentos orgánicos, es tan sucio como limpio, tan íntimo como por momentos grandilocuente. Vocalmente, la sombra de Death Cab For Cutie es alargada (aunque las cadencias son más lentas), y la selva de sonidos de telón de fondo es impresionante, muchos de ellos articulados como verdaderos himnos ultramodernos. Una pasada.

myspace electric president

tropezando he recordado...Freezepop - freezepop forever

2008-11-01T14:23:00.006+01:00

Freezepop - freezepop forever

Freezepop - forever

Freezepop - Tenisu No Boifurendo

Freezepop - Plastic Stars

Freezepop Forever es el primer disco de losestadounidenses Freezepop. Grabado en 2000 y lanzado bajo el sello The Archenemy Record Company ese mismo año en los Estados Unidos de América. En 2001, bajo el sello Elefant Records sale a la venta en España.

La versión norteamericana incluye un video del tema musical Tenisu No Boifurendo. La versión española contiene un remix de Science Genius Girl por Decepticon y los videos de Freezepop Forever y Tender Lies.

La canción Tracey Gold es un tributo a la actriz estadounidense del mismo nombre. Una versión de Get Ready 2 Rokk fue incluida en el soundtrack del juego de video para Playstation 2, Guitar Hero. Tenisu No Boifurendo (novio del tenis) está cantanda íntegramente en japonés.

Como The Duke of Candied Apples ("El duque de las manzanas de caramelo") se conoce al fundador de esta joven formación. En el verano de 1999 y con un fajo de canciones debajo del brazo decide buscar a gente que como a él le guste el tecno-pop de los ochenta (Human League, Depeche Mode, New Order, Omd...).

En el transcurso de esta operación se topa con Liz Enthusiasm (Liz Entusiasmo) y con The Other Sean T. Drinkwater (El Otro Sean T. Drinkwater, que no es lo mismo que Sean T. Drinkwater componente del grupo Lifestyle) y juntos forman Freezepop.

En su corta vida, Freezepop ha engrosado su curriculum tocando con bandas como Add N To X o Cibbo Matto y ganando en premio al "mejor nuevo grupo" de los "American Synthpop Awards" (Los Ángeles, mayo de 2001).

Una seña de la identidad de Freezepop es su declaración de principios respecto a su creación musical. Se plantearon el reto de componer música únicamente con un secuenciador Yamaha QY70, un vocoder y la voz de Liz. Los resultados son sorprendentes.

"Freezepop Forever" es un compendio de canciones con estribillos pegadizos y letras inocentes y sobre todo irónicas. Un disco en el que la ironía lírica tiene su contrapunto en la calidad musical a la hora de entrelazar sencillos arreglos electrónicos con melodías vocales.

El penúltimo corte, "Freezepop Forever", da una idea de lo que puede ser esta formación y su propósito. Se definen a ellos mismos de la siguiente forma: Liz, "Mi nombre es Liz Enthusiasm, compro 18 horas al día, me encontrarás en mercadillos o en e-bay; abrigos de piel, faldas de plástico y botas de plataforma"; The Other Sean, "Me hicieron con la más avanzada tecnología, sombra de ojos y pelo divertido, estoy apagado 18 horas al día, el resto del tiempo toco con Freezepop"; The Duke, "...pantalones plateados, camiseta ceñida y cyber zapatillas; escríbeme a duke@freezepop.net y te enviaré un spam de 1.7 gigas".

En este disco encontramos varias canciones curiosas como por ejemplo "Tenisu No Boifurendo" donde la debilidad de Liz por el pop nipón se materializa en esta canción cantada en japonés (nada que ver con Pizzicato Five). Otra curiosidad es "Tracey Gold", una canción dedicada a la protagonista de la serie televisiva "Los Problemas Crecen".

myspace freezepop

Swing out sister - beautiful mess

2008-11-01T10:56:00.005+01:00

Swing out sister - beautiful mess

Swing out sister - beautiful mess

Swing Out Sister - Something Every Day

De casualidad, me enteré hace unos días de la existencia de un nuevo álbum de estos señores. Yo recuerdo que siendo joven compré sus dos primeros álbumes "it´s better to travel" y "kaleidoscope world"(dos discos que me sabía de memoria), después les perdí la pista. Siempre recordaré un sonimag al que fuimos mi hermano y yo, en el que asistimos a una demostración de un sistema de iluminación de discotecas al que llamaban "robot noseque..."; la música que sonaba de fondo era "surrender"...

Swing Out Sister - surrender

Swing Out Sister es un grupo musical que se hizo conocer a nivel mundial por el éxito de 1987 llamado "Breakout", su única canción en alcanzar el top 10 norteamericano. Su sonido varía entre el smooth jazz y el acid jazz.

Swing Out Sister originalmente estaba formada por Andy Connell (teclados), Martin Jackson (tambores) y Corinne Drewery (cantante). (El nombre viene de una película de 1945 llamada Swing Out, Sister.) Tanto Connell como Jackson tocaban en otros grupos antes de crear Swing Out Sister -A Certain Ratio y Magazine, respectivamente- y comenzaron a trabajar juntos en Broken Glass, mientras que Drewery trabajaba como diseñadora de modas antes de unirse al grupo.

Junto a su productor productor, Paul Staveley O'Duffy, firman con Mercury Records y lanzan su primer álbum, It's Better To Travel, el 11 de Mayo de 1987, el cual fue número 1 en el Reino Unido y generando sencillos de éxito como "Breakout" que tuvo una nominación al Grammy en 1988 y "Surrender".

El álbum es una mezcla de jazz y electropop, usando secciones de vientos y sintetizadores. Además de "Breakout," también tuvo resonancia "Twilight World" , la cual ha tenido muchas remezclas y fue una favorita de las pistas, y "Surrender" que contiene un poderoso solo de trompeta de John Thirkell.

Jackson abandonó el grupo durante la grabación del segundo álbum llamado Kaleidoscope World y así queda registrado en los agradecimientos del disco en donde se dan gracias a Martin Jackson y además se aclara que Swing Out Sister son Corinne Drewery y Andy Connell. "Kaleidoscope World" salió al mercado en Mayo de 1989 con muy buena recepción de la crítica. Este álbum era más jazz y menos pop en especial en lo tocante a las letras. Una de las inspiraciones para este disco fue el compositor Jimmy Webbquien además hizo algunas de las orquestaciones del álbum.

El tercer álbum, "Get In Touch With Yourself" se lanzó en Mayo de 1992. Este disco incluía una versión del clásico de Dusty Springfield llamado "Am I the Same Girl" que originalmente fue un tema instrumental de Young-Holt Unlimited y que después tuvo una letra adapatada para Barbara Allen. la canción que da título al álbum, que es una mezcla de soul de los 70s y pop dio una gran rotación al grupo en emisoras de radio especializadas en smooth-jazz y adulto contemporáneo.

"The Living Return" es el nombre del cuarto álbum del grupo, que salió al mercado en Septiembre de 1994 y es una completa mirada a otro estilo respecto a los tres anteriores. Paul O'Duffy fue reemplazado por Ray Haydenquien le dio un sonido más crudo a las canciones al utilizar muchas veces lo que se obtenía de las sesiones de improvisación en el estudio. En este momento Swing Out Sister era una banda de diez componentes.

A excepción del primer álbum, los demás pasaron ignorados en las listas pop en general tanto en Estados Unidos como en los demás países occidentales, sin embargo la banda se hizo muy popular en Japón. Su canción "Now You're Not Here" fue usada como base para un programa de televisión, y recibió un premio llamado 'Grand Prix' (el grammy japonés) como mejor sencillo internacional de 1997.

El quinto álbum, "Shapes and Patterns" fue el primero del grupo que se lanzó solo en Japón, en Marzo de 1997 y un año después llegó a Europa y Estados Unidos. En este álbum vuelve el productor Paul O'Duffy y así mismo el tipo de arreglos de los tres primeros discos.

"Filth and Dreams" se lanzó como sexto álbum de la banda en Japón en Marzo de 1999 y demostró la capacidad del grupo para reinventarse. Es el único álbum de la banda que no se ha editado en otro país.

"Somewhere Deep in the Night"salió al mercado en Mayo de 2001 en Japón y posteriormente en el resto del mundo. Para muchos es el álbum con el sonido más cercano a esa mezcla deseada desde el principio entre jazz, soul y melodías suaves. Por esta época Universal canceló su contrato, así que firmaron con Shananchie Entertainment.

El último álbum de estudio de la banda llamado "Where Our Love Grows" salió en Japón en Abril de 2004 y en el Reino Unido en Julio del mismo año. Este álbum contiene más sonido jazz y menos pop, mostrando además un alejamiento de los ritmos de influencia acid-jazz de sus primeras producciones.

myspace swing out sister

radio 3 está que se sale !!!!

2008-10-26T18:18:00.005+01:00

web radio 3

programas en mp3 y podcast radio 3

Radio 3 me ha desmontado un poco la programación; ahora me es un poco más complicado oir "siglo XXI" o "disco grande", por otro lado me es más sencillo oir "flor de pasión". De todas maneras han colgado toda su programación para poder descargarla a nuestros ipods, jejeje.

Por aquí os dejo unos conciertillos como aperitivo:

vetusta morla en los conciertos de radio 3

fangoria en los conciertos de radio 3

russian red en los conciertos de radio 3

y en youtube teneis de conciertos...para alucinar zagales !!!

tropezando he recordado...Lali puna - scary world theory

2008-10-26T17:48:00.003+01:00

Lali puna - scary world theory

Lali Puna - Middle Curse

He aquí una de las grandes obras melódicas de 2001. Seguramente caerá en saco roto el posible impacto de “Scary World Theory”, segundo disco de esta formación germano-portuguesa, más allá de las minoritarias fronteras del público devorador de pop electrónico que deambula por las tiendas patrias.

Pero es momento de contarles, en este mismo momento, que Lali Puna han venido para tomar el testigo de Stereolab (ya en horas bajas) en el panorama indie europeo del momento (2001). No es fácil dar con algún otro discurso musical que sepa conjugar con semejante acierto, con semejante emotividad, con semejante concreción expresiva, numerosas piruetas electrónicas con melodías y juegos propios del pop. Este formidable, modesto pero agraciado álbum, nueva joya del infranqueable sello Morr Music (el día que publiquen algo desechable, lloverán ranas del cielo), atiende al sentido de verdad para dar vida a sus canciones, gemas a medio camino de Stereolab o Yo La Tengo y Tarwater, Neu o B. Fleischmann.

David Broc para mondosonoro.com

myspace lali puna

tropezando he recordado...Lali puna - tridecoder

2008-10-26T17:44:00.003+01:00

Lali puna - tridecoder

Lali Puna - Antenna Trash

Lali Puna es una banda alemana formada por Valerie Trebeljahr, Markus Acher, Christian Heiss, y Christoph Brandner, en la que como la mayoria de las bandas dedicadas al downtempo, asombran por esa la voz femenina que ilumina cada una de sus magistrales composiciones.
Si, son alemanes, pero cantan en inglés (e incluso tienen unas sorpresas en portugués español) y como si fuera poco, conocen perfectamente los códigos de la buena música.
Tridecoder es su primer disco y en él abundan los beats y como buen disco del estilo, las pistas sirven tanto para acompañar como para disfrutarlas con tus amigos en la pista de baile, aunque un grupo como Lali Puna es mejor tenerlos en secreto.
Destacan Rapariga da Banheira, System On, Toca-Discos, Fast Forward.

myspace lali puna

tropezando he recordado...Baxendale - you will have your revenge

2008-10-26T17:41:00.005+01:00

Baxendale - you will have your revenge

Baxendale - music for girls

Como ya va llegando el fin de semana, vamos a comentar un disquín pa ir bailando un poco. Este álbum me acuerdo que lo encontré en la Fnac entre los saldos por mil pesetas más o menos y pensé "¡qué hace esto aquí si es un discazo!". Bueno, después de todo no está tan mal que los de la Fnac no tengan ni puta idea de música, me llevé a casina (jajaja, yo también amigo victor elveranoeterno) uno de mis discos favoritos de pop electrónico por un precio irrisorio.

Este disco es muy divertido. Ya desde el principio con el megahit Music for Girls deja claro que os podeis quedar con tas vuestras Bittersweet Symphonies/ Os romperé las piernas si no me dejais bailar. Otra de las canciones The nineteen sixties reflexiona sobre lo duro que resulta tener una novia sesentera. Bueno y también sobre lo absurdo que resulta a veces seguir dándole vueltas a esa década (esto mejor me lo aplico a mi mismo). En Switzerland nos queda bien claro que la mejor manera de dejar a la novia es huir de ella sobre dos esquíes (ahora que vuelve a estar de moda Bond, seguro que él lo hizo alguna vez). Y ya casi cerrando el disco está Battery Acid que es una canción perfecta para hacer el Vicentín los sábados por la noche.

Y además de que las letras son buenas, los ritmos son tan pop y a la vez tan bailables, que es un auténtico placer tanto escuchar estas canciones como moverse con ellas. En Allmusic hacen la comparación entre Baxendale y los PSB (que es la más obvia) pero también mencionan a Jarvis (y pensándolo mejor también puede ser). Es un disco tan bueno que lo mejor es que no hagais caso de todo esto que he escrito y entreis en él sin más. No tiene desperdicio.

Tim, Alex y Senay pusieron la palabra Baxendale en boca de los más avezados enterados de la cultura del pop club hit gracias a unos cuantos singles en interesantísimos pequeños sellos de la categoría de Riviera o Invicta HiFi. Hoy, la ultracool Inane (distribuidora lanzada a esto de la edición de discos) ha puesto en los labios de cada ninenty indie poppy boy or girl las palabras You Will Have Your Revenge.

Citaremos, una vez más, la lista de influencias de estos ingleses: zapatillas Buffalo, enormes relojes de plástico, Britney Spears, los noventa, ir de compras, ver la tele, los sintetizadores baratos, los conflictos adolescentes, Club 7, la pista de baile grande y el sonido de la música de baile.

Se trata de superpopelectronix, algo sólo comprensible si escuchas sin prejuicios, si eres un chico de tu tiempo, si adoras el pop con mayúsculas y las historias cotidianas que se vuelven espectaculares con un poco de música para chicas sonando de fondo.

myspace baxendale

The magic I.D. - till my breath gives out

2008-10-26T17:36:00.004+01:00

The magic I.D. - till my breath gives out

No he encontrado ningún video que esté medianamente bien, así que os dejo por aquí un tema del EP.

The Magic I.D. es un cuarteto Alemán de la escena “libre improvisación” Berlinesa, su instrumentación se compone de guitarra, laptop y dos clarinetes, la música se puede clasificar como ambient-jazz, por llamarlo de alguna forma en especial. En su reciente y primer LP exploran durante seis piezas en un intrincado laberinto de abstractismo, pero lo llamamos de esa forma simplemente por la exploración compositiva, porque sus temas pese a ser abstractos gozan de una fluidez bastante grata y no se hace demasiado abismal para el oído, ni mucho menos, y la voz de la mujer que canta (en fracciones) es digna del jazz de cabaret mas tradicional.

myspace the magic i.d.

la risa del día...Dalí

2008-10-26T00:56:00.002+02:00

este tio era un genio. Como él mismo dijo muy poco antes de morir "LOS GENIOS NO PODEMOS MORIR, SOMOS IMPORTANTES PARA LA HUMANIDAD"

el del alka seltzer es bestial...

para reirnos un ratico...

Jumprope - holidays in brazil

2008-10-22T21:48:00.005+02:00

Jumprope - holidays in brazil

Bueno, pues como no he encontrado videos de estos zagales os dejo unas cuantas canciones para que las podais oir online.

otra más:

la última:

Con la edición de este disco 'Mushroom pillow' se anotó un punto en nuestro país.

"Holiday in Brazil" es el título perfecto para estas 13 canciones en las que la sombra del pop brasileño de los años 60 está presente de una forma muy sutil.

No espereis que este disco suene a Astrud Gilberto, Jumprope no se dedican a copiar los sonidos de Brasil, solo han pasado las vacaciones allí.

Un disco que cada vez me gusta más.

myspace jumprope

Get well soon - rest not weary head you will get well soon

2008-10-22T21:44:00.003+02:00

Get well soon - rest not weary head you will get well soon

Get Well Soon - Witches! Witches!

Get Well Soon - You / Aurora / You / Seaside (Frequency 08)

Konstantin Gropper, canta, escribe sus canciones y toca varios instrumentos y además ahora lanza su disco solista.
Estudió música y se supone hace indie rock mezclado con folk...
Como este zagal toca todos los instrumentos (o casi) cuando graba en el estudio, pues en vivo necesita de una banda, así que en ese ámbito lo vereis con un trompetista, un bajista, guitarrista, una violinista, un acordeonista y un batería.

La voz de este muchacho es bastante oscura así también su música, por mas que hace indie, es "tan" oscura que por momentos recuerdo pelín a Ian Curtis.

myspace get well soon

Girl talk - feed the animals

2008-10-22T21:37:00.005+02:00

Girl talk - feed the animals

girl talk - like this

girl talk - in step

girl talk - still here

Con el estribillo de “Everyday” por Main Attraction empezaba uno de los discos más revolucionarios que ha sido concebido desde que el siglo XXI se inició: Since I Left You (Modular Recordings, 2000) de The Avalanches. En lo que parecía una irrisoria mezcla de hip hop, electrónica, one hit wonders y cultura pop, el colectivo australiano reconfiguró la música, liberándola como pocas antes, sampleando todos los sonidos que componían el disco. En paralelo al trabajo de The Avalanches, y desde el otro lado del mundo, un par de hermanos belgas se dedicaban a armar fiestas con el nombre de “Hang the DJ”, fusionando canciones que luego reunían en compilaciones ilegales, las cuales eran difundidas tránsfugamente por Internet. Imitados, pero no igualados, el terrorismo musical de 2 Many DJs es considerado la piedra sobre la cual se construyó un nuevo escenario para la música pop, en cuyo diccionario la palabra “límites” no existía. Tras este breve viaje al pasado, volvemos al presente, donde ante el lanzamiento del nuevo disco de Girl Talk – Feed The Animals (Illegal Art, 2008) - nos obliga a preguntarnos que tan nuevo, irreverente y revolucionario es el mash up en la actualidad.

Dicho cuestionamiento no implica que la idea de – ¡oh, afortunados usuarios de internet! - poner para descarga gratuita este disco sea una farsa para hacerse más conocido e importante o que lo que aquí encontramos sea deshonesto o falto de corazón. Al contrario, esas virtudes y la capacidad de mantener una sonrisa constante durante toda su escucha, son sus principales méritos. Joyas del pop que resuenan a cada segundo (Dexys Midnight Runners, Jackson 5, Salt-N-Pepa, Prince), la base de “All that she wants” de Ace of Base convertida en un reggaetón o la devoción por el hip hop comercial y que Gills profesa sin tapujos en este disco, son dignas de admiración y más de alguna risotada causan. A eso sumémosle los momentos más lúcidos del disco como en “Set it off”, donde el estadounidense se da maña para mezclar a Jay-Z con Radiohead o bien, en “Like this” donde se condensan Yo La Tengo, Metallica y The Carpenters, produciendo que los oídos se abran y disfruten el vómito musical que se les está ofreciendo. El cuestionamiento, entonces, surge por otro lado.

Quién crea que acá hay novedad, se equivoca. Es más, tras unas 5 o 6 oídas, se descubre una fórmula repetitiva y monótona en Feed The Animals: bases de música pop + fraseos de canciones rap = cualquier canción del disco. Probablemente, decir eso es dejar en su mínima expresión a este disco, ya que la habilidad que tiene Gills para convocar tantas aristas distintas de la música no puede ser reducida a un par de términos matemáticos. En la vereda opuesta, considerar a este disco – o su trabajo anterior, Night Ripper (Illegal Art, 2006) – “una de las lecturas más desprejuiciadas, posmodernas y estimulantes del presente año” (como escribió otro colaborador de este sitio hace un par de años), es darle una importancia que no se merece. Esto es solo un ejercicio revisionista que gana por contundencia – ¡hasta 24 samplers por tema! – y no por calidad; por habilidad pero no por autosuficiencia.

Respecto a sus readymades – lo más cercano a la experiencia visual que puede tener este disco – Marcel Duchamp dijo alguna haber “tirado a la cara el estante de las botellas y el orinal y ahora los admiran por su belleza estética”. Varios años después, un tipo con el seudónimo de Girl Talk titula su disco con el irónico nombre de “Alimentar a los animales”. Y es que eso, el título, es lo más irreverente que tiene este disco: a fin de cuentas, ningún animal disfruta su comida, se la devora sin cuestionar en demasía que es lo que tiene adelante. Quizás Gills sabía esto y, como buen proveedor que es, conoce exactamente qué es lo que estas almas irreflexivas requieren para alimentarse bien: dosis de cultura chatarra (¿a nadie sorprendió el tema de la serie adolescente Dawson’s Creek?) mezcladas, revueltas y masticadas al infinito. Por cierto, los manjares de los Dewaele y los de The Avalanches, son harina de otro costal.

super45.cl

myspace girl talk

Destroyer - trouble in dreams

2008-10-20T22:14:00.003+02:00

Destroyer - trouble in dreams

Destroyer - Foam Hands

Inspirados por lo de Vavas, seguimos reseñando cantautores folk/chamber pop. Ahora es el turno de Dan Bejar, canadiense bajo el proyecto Destroyer que ya tiene largo tiempo sacando álbumes pero con el que recién nos topamos este año. Lo suyo va por la figura del folk psicodélico que inicia lo fi y en cuanto empieza a ver el éxito se compra hasta la viola de gamba, un poco a la Devendra Banhart. Trouble in Dreams se ubica ya en el segundo momento, el de concertista indie. El disco empieza bastante mal, con Blue Flower/Blue Flame, un tema que inevitablemente remite a The Year of the Cat, horroroso single de Al Stewart, un clásico de Stereo 100 seguramente, que apesta a Abbey Road y Alan Parsons por todos sus costados. Las letras también vuelven a ratificarnos que este canadiense ya se jura Leonard Cohen: "Ok, fine, even the sky looks like wine", así como un indie Syd Barrett, es decir, queriendo ser absurdo y plagando el animismo: "blue flower, blue flame, a woman by another name is not a woman" y "a cathedral sick of the sky again says to it: please not now, will you just look at the time, it's standing still! " Dark Leaves Form a Thread continúa peor, el uso de fraseos y quiebres disforzados a la David Bowie y Pete Doherty es evidente, es decir, una versión femenina castrada de Johnny Rotten, las melodías son la versión orquestada de Can't Stand Me Now o Time for Heroes, es decir, ni siquiera sin los trazos de los pinchazos de heroína. En The State los arreglos hacen mejorar mucho el panorama, los enérgicos tambores, el desgranar de la guitarra e incluso si para la voz sigue siendo aplicable lo anterior, es decir, se sigue jurando inglés, le añade algo del narrar propio del folk, algo casi contestatario, digamos bobdylanense. Luego, vuelve el bajón con el AOR de Foam Hands, un temita pegajoso y tarareable que incurre en la misma baladita folk pop, le vamos a mandar los singles a Radio Miraflores. A estas alturas del disco nos damos cuenta de que este tiene una sola puta melodía repetida con diferentes líricas y arreglos, ¿disco conceptual? ¿tributo a Al Stewart o Cat Stevens? En realidad, mediocridad honesta y pura. Y el rasgar de la guitarra comienza a sentirse más como el rascarse la pierna.

Con Shooting Rockets hemos llegado al punto más alto del disco, la melodía sigue siendo la misma, pero aquí se muestra a sus anchas cuál es inevitable lugar de la música de Bejar, empieza mascullando a la inglesa ciertamente pero ya no al modo de un Rotten castrado sino a la tradición que subyacía en este, la del bardo medieval, la de, en apropiación chamber pop, Peter Gabriel. Así, los arreglos aquí son majestuosos, para bien y para mal, las capas se suman unas a otras, el elemento narrativo es cada vez mayor y la guitarrita brillante y levemente distorsionada, indefectiblemente sesentera que representa tan bien la distopia (confrontar cualquier banda de progre italiano), juega con el clasicismo, todo el melodrama de Genesis se despliega, solo faltaba que se ponga a hablar de duendes y hadas. Sin embargo, en cierto sentido convoca la imaginería secular, se jura un twee Pete Sinfield : "Caution, hot ashes, the girl says to her first kiss, they stuck eternity inside a bird’s fist just to watch it fly, just to make it go (...)". Podría compararse la letra con Dancing with the Moonlit Knight o con Epitaph, lo cual no haremos, que no estamos en Literatura Comparativa.

Hay un número limitado de elementos que rigen la segunda mitad del disco, la guitarra acústica rasgueada a la Yes, la lead guitar aguda y fuzzy en el estilo neo-romántico de Steve Hackett, aunque obviamente sin el virtuosismo, las figuras de piano queriendo imitar a Rick Wakeman (quizás en la línea de su apropiación pop a la Hunky Dory) pero que acaban siendo lounge a la Serge Gainsbourg. Así, en Introducing Angels solo queda volver al adult folk; en Rivers, los arreglos cobran más fuerza, son más percutivos, y hacia el final hay buenos esbozos del tribalismo actual y guitarras decididamente progresivas. En Leopard of Honor los arreglos tiene un toque de soul, más sincopado, con el church organ pero luego vuelve la melodía de siempre, el fraseo como si Harry Potter cantara folk, cada frase espumosa parece querer revelar un secreto, para finalizar nuevamente progresiva con gritos de maestro de ceremonias circense a la Sgt Pepper (y no nos cansaremos de decirlo, no, no es un halago): "Mother superiors the only one who calls, she says baby are you ever coming over, enjoy that wretched writing on the wall, enjoy!" Suena familiar? John Lennon estaría orgulloso. Libby's first Sunrise se enfoca totalmente en tratar la textura de las guitarras y en arreglos más shoegaze, con palmaditas y todo el slo-core que ya nos brindó Beach House este año, no queda mal como cierre, y hasta le puede salir una válida línea de pretensión e incluso humor ("the light holds a terrible secret"), evidencia inescrutable al despertar en clave francis baconiana y solo tener flashbacks alcohólicos ("Libby’s first sunrise, you’ve been wasted form the day, of wandering and boozing and sleeping outside") El post shoegaze es una gran resaca musical.

myspace destroyer

inventos que salvarán el mundo...el condensador de fluzo

2008-10-20T18:14:00.004+02:00

Condensador de fluzo es un término traducido del inglés flux capacitor, referido al componente principal de la máquina del tiempo ficticia creada por el doctor Emmett Brown en la película Regreso al futuro, y que aparece tanto en sus dos secuelas como en la serie animada. En palabras de su inventor: "es lo que hace que los viajes en el tiempo sean posibles".

Debido a su popularidad, el condensador de fluzo ha sido adoptado por varios autores de ciencia-ficción que no desean explicar los detalles técnicos de los viajes en el tiempo que proponen, de una forma similar a como es utilizado el cerebro positrónico ideado por Isaac Asimov para sus robots.

Funcionamiento.- La película no aclara cómo funciona exactamente el condensador de flujo. Consiste en una caja con tres pequeñas lámparas incandescentes centelleantes, colocadas en forma de "Y", y situada por encima y detrás del asiento del copiloto de la máquina del tiempo, un automóvil De Lorean DMC-12. Cuando el automóvil se aproxima a una velocidad de 88 millas por hora (140 km/h), la luz que emiten las lámparas del condensador de flujo destellan con más rapidez, hasta emitir una luz constante. La carrocería de acero inoxidable del De Lorean produce la "dispersión del flujo" cuando el condensador se activa, aunque el inventor es interrumpido antes de que pueda finalizar la explicación acerca de su funcionamiento. Es posible apreciar cómo desde la parte superior del vehículo sale un haz de energía que abre una discontinuidad frente al De Lorean, el cual acaba por internarse finalmente en la misma en un estallido de luz y humo, dejando un par de estelas ígneas como prueba del suceso.

Al final de la tercera película de la trilogía, cuando Doc Brown convierte una locomotora de vapor en una máquina del tiempo, el condensador de flujo se encuentra situado en la posición habitual de la caldera.

Historia.- Tal como cuenta a Marty McFly, Doc Brown tuvo la idea del condensador de flujo el 5 de noviembre de 1955, tras golpearse en la cabeza con el lavabo al resbalar cuando trataba de colgar un reloj de pared en el baño subido en el retrete. La idea acudió a él como una visión cuando despertó del estado de inconsciencia.

Para permitir el viaje a través del tiempo del De Lorean, el dispositivo requiere una cantidad de 1,21 GW de electricidad, suministrada por un reactor nuclear alimentado con pequeñas barras de plutonio. Asimismo, el viaje en el tiempo exige que la máquina esté desplazándose a una velocidad de 88 millas por hora (140 km/h), velocidad que alcanza el vehículo con su locomoción propia, en este caso por medio de un motor de gasolina. Los dos primeros viajes se realizaron el 26 de octubre de 1985, el primero de un minuto adelante en el tiempo (desde las 01:21 a las 01:22), tripulado por Einstein, el perro del inventor; y el segundo desde ese día hasta el 5 de noviembre de 1955. Ambos viajes transcurrieron sin ninguna complicación con esta combinación de factores.

Sin embargo, un imprevisto impidió llevar el plutonio en el segundo viaje, y al ser la disponibilidad de plutonio en 1955 prácticamente nula, hubo de utilizarse un rayo que cayó sobre la torre del juzgado de Hill Valley para suministrar la energía necesaria para el regreso. El conocimiento del momento preciso de la caída del rayo (a las 22:04 del 12 de noviembre de 1955) se obtuvo gracias a un folleto de 1985 que informaba del suceso acaecido 30 años atrás. El rayo fue conectado por medio de un cable eléctrico industrial desde el reloj de la torre a otro cable ubicado entre dos farolas, que trasladaron la energía directamente al condensador de flujo mientras el vehículo tocaba el cable con un gancho cuando se desplazaba a 88 mph.

Tras regresar a 1985, el plutonio fue de nuevo utilizado para viajar hasta el año 2015. En esta estancia en el futuro, el reactor de fisión fue sustituido por un reactor de fusión de uso doméstico desarrollado en esta época por la empresa ficticia Mr. Fusion, que permitía el uso de basura como combustible. Tras varios viajes acaecidos durante la segunda película, el De Lorean fue enviado al pasado por un rayo cuando se hallaba de nuevo en el año 1955, esta vez por accidente. La energía liberada por el relámpago alcanzó al condensador de flujo, enviando la máquina del tiempo hasta 1885. Se desconoce cómo pudo ocurrir este inesperado viaje, ya que el vehículo flotaba en el aire en ese momento y no se desplazaba a la velocidad necesaria para el viaje. Es probable que la ocasional combinación entre la tormenta eléctrica en la que se vio inmerso, y los fallos en los circuitos de tiempo, detectados con anterioridad por Doc Brown (apreciándose durante unos instantes la fecha del 1 de enero de 1885 en el contador de a bordo), pudieran ser la causa de esta disfunción en el dispositivo.

La ausencia de gasolina en 1885 impidió que el vehículo dispusiese de su locomoción propia para alcanzar las 88 mph, por lo cual, tras un infructuoso intento por alcanzar esta velocidad con una recua de caballos, Doc Brown recurrió al empuje proporcionado por una locomotora de vapor sobre las vías del tren, alimentada con varios leños energéticos diseñados por el inventor para alcanzar la velocidad límite. Al regresar a 1985, el De Lorean quedó destruido al ser embestido por un tren moderno que circulaba por la vía en ese momento en sentido contrario, y el condensador de flujo original con él.

"Jigovatio".- En el idioma original de la película se menciona que la energía necesaria para que el dispositivo funcione es de 1.21 jigovatios (jigowatts). Si bien esta pronunciación de gigavatio fue antaño considerada como la única correcta, no es la más común en la actualidad. Es más, Robert Zemeckis y Bob Gale desconocían la grafía exacta (gigawatt en inglés), equivocándose al escribir el guión. Debido a esto, el jigovatio es considerado en muchos foros de Internet como una unidad ficticia, o utilizado para referirse humorísticamente a algún aspecto relacionado con la electricidad. El vocablo jigovatio es el que se utiliza en las novelizaciones de las dos últimas películas, mientras que la novela basada en la película original utiliza el término gigavatio.

Electrónica.- Aunque "condensador de fluzo" es un término ficticio, la frase ha aparecido en otros contextos más serios. La patente número 6084285 de los Estados Unidos describe un "condensador de flujo lateral con perímetro de forma fractal". La idea es hacer un condensador en un circuito integrado, parte de cuya capacitancia permanece dentro dos conductores en una única capa (de ahí el concepto de "lateral").

El concepto de flujo se usa generalmente en electrónica y teoría electromagnética y sus aplicaciones, pero raramente en el contexto de un condensador. En términos generales, flujo simplemente significa la rapidez con la que alguna cantidad (como la carga eléctrica) pasa a través de una superficie

un pequeño video de regreso al futuro

Regreso al Futuro IV Muchachada Nui

CONDENSADOR DE FLUZO...FLUZEANDO

cut copy - in ghost colours

2008-10-19T21:28:00.006+02:00

jajajaja, parece ser que como el título es un pelín fantasmagórico, la entrada y en consecuencia el enlace desaparecen como por arte de magía. Probaremos otra cosilla y a ver si hay suerte, y si no...jajaja

sruoloc tsohg ni - ypoc tuc

Cut Copy - Feel the Love [Monterrey, MX]

A pesar de que Australia se encuentra en el otro extremo del planeta, en nuestra cabeza guardamos numerosas referencias que nos transportan directamente a dicho país: las películas de Cocodrilo Dundee, Mel Gibson borracho cagándose en los judíos (bueno esto no es positivo, no soporto sus películas), esa montaña roja que nunca me acuerdo como se llama, koalas comiendo hojas de eucalipto, The Go-Betweens, los fuegos artificiales de fin de año iluminando la bahía de Sydney, aborígenes con su caras pintadas de blanco, The Lucksmiths, surfistas disfrazados de Papa Noel, las señales de trafico advirtiendo de "peligro canguros" y, cómo no, la eterna aspirante a reina del pop Kylie Minogue. A partir de ahora esta lista se verá aumentada gracias a “In Ghost Colours”, segundo disco de los también australianos Cut Copy.

El sonido de Cut Copy se nutre de grupos como New Order, los Depeche Mode menos oscuros, aproximaciones a los paisajes de My Bloody Valentine o unos Stone Roses ácidos. Regusto ochentero, house primigenio, pop bailable, ruido controlado y estribillos pegadizos. Canciones a destacar en este disco, pues unas cuantas, desde la inicial “Feel the love” con sus coros y vocoder planeando a lo largo de toda el tema, hasta el final con “Eternity one night only” y su aproximación al shoegaze. Entre medias, hitazos ante los cuales es imposible resistirse, como “Light & music” y “Out there on the ice”, o el dúo formado por “Heart on fire” y “Far away”, que nos trasportan a una época en que el house era algo muchísimo más excitante que los actuales y aburridos ritmos y percusiones latinas. Los sueños pop surgen de la mano de “Unforgettable Season” y “Midnight runner”. En contra, unos interludios que llegan a resultar cansinos, pero nada que no se pueda arreglar saltándotelos.

myspace cut copy

tropezando he recordado... Zoot woman - living in a magazine

2008-10-19T21:18:00.006+02:00

Zoot woman - living in a magazine

Zoot Woman - 'Living In A Magazine' Video

zoot woman - automatic

Zoot Woman es una Banda Inglesa de música Electronica. Inicia como un proyecto instrumental a mediados de los 90’s formado por
Adam Blake y Stuart Price, en 1999 Jonny Blake se une y en el 2004 Bee Hatherley (bajo y sintetizaores)

Esta banda se establece en la escena musical con su disco With living in a Magazine . Muchos personajes importantes de la industria de la música dan a la banda el crédito de ser una de las más importantes bandas percusoras del elctro-clash.

Zoot Woman crea un sonido verdaderamente fresco y distintivo. Es importante mencionar que la banda no considera que hay relación entre la gran cantidad de material instrumental creado por Adam Blake y Stuart Price, antes de que se uniera Johnny Blake, y la nueva dirección estilística que tomaron.

Price y Blake también trabajan bajo el alias de Paper Faces haciendo remixes y reelaborando tracks de Zoot Woman. También han trabajado para reconocidos artistas como Madonna, Scissor Sisters y productores como Felix Da Housecat y Pete Tong.   Zoot Woman propone un elegante Pop Retro Futurista que combina White Funk adulto con Synth- Pop.

myspace zoot woman

tropezando he recordado...kemopetrol - slowed down

2008-10-19T21:12:00.003+02:00

kemopetrol - slowed down

Kemopetrol - Child Is My Name

Kemopetrol es un prometedor grupo finlandés de pop electrónico formado por Kalle Koivisto (teclados), Marko Soukka (guitarra), Laura Närhi (voz), Kari Myöhänen (bajo) y Teemu Nordman (batería). Los dos primeros comenzaron como dúo experimental en 1998, creando su música a la que denominaban "ambient industrial ruso", convirtiéndose meses más tarde en quinteto y adoptando su nombre de un antiguo equipo de hockey checo. Slowed Down (2000), su extraordinario álbum debut, es una auténtica joya atemporal, creadora de paisajes sonoros que van desde el reggae contagioso, a la rica sección de cuerdas, pasando por unas desgarradoras guitarras. En el año 2001 fueron considerados el mejor nuevo suceso pop/rock del 2000 en la gala Emma (Los premios de la industrial musical finlandesa), y en el 2002 editaron su segundo álbum, Everything's fine. Kemopetrol suenan a combustible para mecheros, esos carburantes que se consumen en una sutil llama azul que parece capaz de arder durante años, como las canciones de Kalle Koivisto (alma mater del grupo y compositor de todas sus canciones). Canciones descorazonadoras y ritmos hipnóticos, una sutil y refinada mirada al pop que se consume en tu cabeza sin antídoto posible.

myspace kemopetrol

charades en "silenci" de canal 33

2008-10-18T21:41:00.002+02:00

Esta semana charades pasaron por el programa silenci de canal 33, y les preguntaron algunas cosillas. Que majos son estos zagales.

charades en silenci canal 33

myspace charades

silenci -canal 33

Dr. dog - fate

2008-10-16T20:31:00.003+02:00

Dr. dog - fate

Dr. Dog - "Fate"

Dr. Dog "My Old Ways"

La banda de Filadelfia Dr. Dog regresan con nuevo álbum "Fate" (Naïve 2008), quinto disco del quinteto que estará disponible a partir del próximo 4 de agosto.

Scott, Toby, Zach, Justo y Sukey daban forma en 1999 a Dr. Dog, y no tardarían en reflejar sus excelentes composiciones en un álbum, pasando a debutar en el año 2001 con "Psychedelic Swamp". Pero realmente ha sido con sus dos últimos discos "Easy Beat" y "We all belong" con los que han conquistado a un buen número de seguidores y a bandas como Wilco, The Raconteurs, Clap Your Hands Say Yeah, My Morning Jacket, The Magic Numbers y The Strokes, de los que han sido teloneros en sus giras. Ahora regresan con "Fate", un álbum que además presentarán en directo en nuestro país el próximo mes de noviembre:

- BARCELONA (Apolo 2) – 7 de noviembre 2008
- MADRID (Moby Dick) – 8 de noviembre 2008

myspace dr. dog

Dos hombres solos - vida en fascículos

2008-10-15T16:44:00.006+02:00

Dos hombres solos - vida en fascículos

Duo de synth-pop formado en Madrid en 2001. Desde entonces, además de crear temas propios, han realizado remezclas para diferentes grupos (Lemon^Fly, Lightstars, Alive, De Brrrr). Su remezcla del tema "Zona Vip" de ELLOS fue ganadora del V concurso SATANIC CHARME, y elegida para formar parte del cd single del citado grupo, publicado por SUBTERFUGE. Posteriormente, logran ser finalistas en el concurso FOC&SOUND en su edicion de 2004, grabando tres temas bajo la produccion de Jose Luis Macias (teclista de los miticos grupos valencianos GLAMOUR y COMITE CISNE). En noviembre de 2005 su tema "Fenomenal"(demential mix) aparece en el recopilatorio VIVAELPOP, publicado por SUBTERFUGE, junto a artistas como Fangoria, Cycle, Glamour to Kill, Astrud, Miqui Puig, Pedro Marin, Parabolica , Alive... En febrero de 2006, el periodista y critico musical Rafa Cervera, en su articulo "Por que el mejor pop es clandestino?", publicado en la revista PRIMERA LINEA , menciona a DOS HOMBRES SOLOS como una de las diez PROMESAS PARA 2006, junto a Algora y Spam, entre otros. Todos sus trabajos -hasta el momento- "Déjame Solo" (julio 2006) ,"Vida en Fascículos " (noviembre de 2007) y "Dancing in Gijòn" (septiembre 2008)están disponibles en cd digital para su descarga gratuíta (www.doshombressolos.com).

myspace dos hombres solos

Amarillo - vuelve a por mi

2008-10-15T16:39:00.005+02:00

Amarillo - vuelve a por mi

vuelve a por mi

El grupo de Palma presenta el nuevo disco tras su primera referencia con Houston Party Records. Retoman el pop tranquilo que les caracterizó en "Piruetas en el Aire" (2004, HPR) sin alejarse de grupos conocidos de la escena española. Ahora, tras algún que otro problema con las discográficas para publicar su segunda referencia, han firmado con el sello nuevo de Mallorca PimPamPum Records, creado específicamente para la salida del nuevo disco de Amarillo y el nuevo proyecto del vocalista de Sexy Sadie, Miki Serra, bajo el nombre de Post.

Será casualmente Jaime Gª Soriano, exlíder de la banda mallorquina, quien les produzca este trabajo, llevándoles a terrenos de un pop sin pretensiones, tranquilo, cercano al cambio que harían Sexy Sadie para su último disco. El resultado se acerca a grupos como La Vaca Azul sin tantas guitarras, a Niños Mutantes sin los estribillos que consiguen hacer algo más resultón la canción, a los Sidonie en baja forma de Casa Azul y al pop en español suave con letras de amor más o menos trabajadas.

El comienzo del disco lleva consigo lo mejor de éste, con “Quien Quiera”, alegre y de fórmula de pop típico, “Lejos de Casa” junto a “Santa Rita” y “Célebres Huracanes” tirando por la línea en la que el grupo sevillano Maga se ha afianzado en los últimos años mezclando mejor las letras poéticas con las melodías perfectas. Lo que viene después alterna algún que otro tema como el instrumental “My Enemy”, la intimista “Laberintos” y “Pista de Hielo” con un buen cambio en el tempo; por el contrario “Corazones” o “Mucha Gente” tienen más bien poco que ofrecer, demasiado similares al resto.

Pese a asemejarse a unos posible Lori Meyers o a los ya mencionados Maga, Amarillo necesita mejorar mucho el nivel ofrecido para presentar una propuesta diferente al resto y que llame más la atención de lo que hasta ahora han conseguido.

myspace amarillo

Booka shade - The sun and the neon light

2008-10-13T21:18:00.005+02:00

Booka shade - The sun and the neon light

Booka Shade - Control Me

Este dúo, integrado por los alemanes Walter Meziger y Arno Kammermeier, ha publicado su nuevo álbum en el sello del que son pilares fundamentales, junto a M.A.N.D.Y. y DJ T, es decir, el gran label germano Get Physical. La verdad es que otra opción diferente hubiera sido, cuanto menos, llamativa.

Se nota, en este nuevo trabajo, llamado The Sun And The Neon Light, un gran salto cualitativo respecto a sus anteriores trabajos. Primero cabe decir que es una obra de pura poesía, un cuadro sonoro lleno de matices y con un nexo común, ya expresado desde su propio título: los contrastes entre la vida diurna y la nocturna.

Nos encontramos ante unos sonidos más trabajados, alejándose de lo convencional para entrar en terrenos pantanosos, pero alcanzando una calidad impresionante, con una mayor profusión de elementos analógicos, y otorgándole una mayor importancia a la parte vocal, y una mirada más madura, sin salirse de los conceptos musicales que este proyecto a amado desde sus inicios.

Hay que decir que este álbum no cansa en ningún momento y su escucha es un autentico placer, especialmente debido a que ninguno de los tracks se parece al anterior y cada uno de ellos conforma una pieza independiente dentro de una joya de orfebrería sonora, algo denotado por una multitud de influencias, perfectamente engarzadas a lo largo del disco.

Podemos ver cómo ha influenciado el synth pop al más puro estilo Depeche Mode, en temas tan maravillosos como Dusty Boots o Psychameleon, o girando hacia su vena mas sintética y desenfadada, homenajeando al sonido de gente como Visage, en temas como Redemption.

También se introducen por los terrenos del electro pop más sofisticado, con toques a lo Primal Scream o Happy Mondays, en temas como Solo City o Sweet Lies, o en el genial y delicioso Karma Car, que también guarda cierto regusto a los melódicos sonidos de gente como Air, e incluso un delicioso toque a los Border Community, incluso se atreven con el lado más exploratorio y evocador de los sonidos mas poppys, en la deliciosa pieza final llamada You Don’t Know What You Mean To Me (J’s Lullaby), que nos recuerda enormemente a unos inspirados Sigur Ros.

No abandonan los sonidos más estrictamente electrónicos, como con el impresionante inicio a través del genial Outskirts, una pieza acida de ambient house, muy al estilo de los acid heads británicos, como 808 State o A Guy Called Gerald, o en el tema que le sigue, Duke, un track que recuerda al techno exploratorio y psicodélico de los ya extintos Orbital.

Y tampoco se olvidan de dirigir su vista hacia la pista de baile, y eso lo hacen, de una manera sublime, gracias a tracks como Control Me, donde se denota la enorme influencia del high energy, el sonido Munich y las enseñanzas del maestro Moroder, el divertido Charlotte, gran tema de synth pop con unos desenfadados toques de italo disco o en Planetary, donde unos breaks acidos nos recuerdan el sonido de gente como The Chemical Brothers o The Crystal Method.

Sin embargo, también tienen tiempo para sorprendernos con piezas más personales, como en Comacabana, un track que se mueve entre el ambient mas expreimental y el trip hop mas enfermizo, bebiendo de un coctel conformado por los sonidos ruidistas de genios como Howie B o Matthew Herbert y el estilo tan particular de las estrellas de Warp, como es el caso de Boards Of Canada.

Pero, sin dudas, su momento más bizarro es el que viene de la mano del tema que da título al LP. En The Sun And The Neon Light, los Booka nos regalan una magnifica pieza orquestal y de tintes épicos que no deja indiferente a nadie

DJsanroman

myspace booka shade

The in-kraut vol.3

2008-10-13T20:59:00.006+02:00

The in-kraut vol.3

Con este disco podrás navegar por la esfera musical funky alemana de los años 60 y 70.

myspace marina records

Aline de lima - Açaí

2008-10-13T20:52:00.006+02:00

Aline de lima - Açaí

Aline de Lima - Menino Açai

Aline despuntó en 2006 con 'Arrebol', debut de una brasileña afincada en París fichada por el sello indie Naïve y producida por el exquisito Vinicius Cantuaria. Bossa cosmopolita y posmoderna, oiga. Esta segunda entrega sigue parecidos parámetros. La voz suena más versátil; el repertorio aparenta mayor hondura. Donde antes había una pieza en francés de Barbara, ahora cabe un tema en sueco de Johan Schütz (la chica vivió en Estocolmo). Y Vinicius ha cedido los controles al japonés Jun Miyake que, oh sorpresa, logra un sonido más cálido.

Juan M. Bellver para el mundo de pedro j

myspace aline de lima

la risa del día...el jovencito frankenstein (mel brooks 1974)

2008-10-11T21:37:00.002+02:00

para reirnos un ratico...

tropezando he recordado...Carpenters - horizon

2008-10-10T20:29:00.005+02:00

Carpenters - horizon

Carpenters - Only yesterday

"Horizon" es un álbum musicalmente sofisticado,que de manera suave adapta el espíritu mainstream del pop de los años 50 a la época contemporanea. Karen carpenter desarrolla una fina técnica vocal con una interpretación suave "del Forajido" de las Águilas "y el Solitario" de Neil Sedaka evidenciando un profesionalismo a la par de dichas estrellas de los años cincuenta. Su hermano Richard produce y arregla el álbum de manera exquisita valiéndose de texturas minuciosamente orquestadas. Una maravilla de disco.

myspace Carpenters

Martín - la vida en general

2008-10-10T20:25:00.004+02:00

Martín - la vida en general

Es el primer disco de Martín para El Ejército Rojo. Una historia conceptual en 14 canciones. El (des)amor de una activista y un espectador de la vida. Singles imprescindibles como "Excursión al campo el viernes", "El túnel del tiempo", " Anarquismo y el movimiento de la clase trabajadora". Acordes sencillos y estribillos inolvidables

Una historia que comienza diciendo "yo tengo una luz" y acaba con "...ya he visto lo que quería saber del mundo" es un resumen ajustadísimo de la experiencia vital de nuestra época y un claro ejemplo de la ironía de los textos, donde las protestas cotidianas, los problemas sociales desde el punto de vista del anarquismo auténtico, se mezclan con el amor o el no conformismo por la perdida de tu amor.
Este disco sale del underground, con un espíritu arty y la actitud y la urgencia del primer punk, donde se alojan las melodías que nos acompañaron justo a la hora de dormir, cuando besamos a una chica, o bebimos whisky por primera vez, y hacer que suenen en nuestra cabeza al mismo tiempo que su música en una experiencia dulce y desgarradora, a partes iguales. Imprescindible.

myspace martín

The breeders - mountain battles

2008-10-08T21:44:00.007+02:00

The breeders - mountain battles

The Breeders - Walk It Off

Uno de los reclamos de Summercase 2008 son las hermanas Deal -Kim y Kelley- presentando el último álbum de la mítica banda The Breeders, ‘Mountain Battles’.

El LP llega seis años después de su vuelta al estudio con ‘Title TK’, después de abandonar los escenarios tras el éxito de público y ventas que supuso el álbum ‘Last Splash’ en 1993. Dos décadas después de su origen, no se sabía muy bien qué ibamos a encontrar en un nuevo trabajo de las chicas, pero como volver está de moda y siempre han sido bastante fieles a su estilo y forma de componer el resultado no ha sido demasiado decepcionante.

‘Mountain Battles’ no tiene hits como ‘Cannonball’ pero sí resulta bastante placentero escucharlo si uno gusta del sonido original de The Breeders y no le molesta ese ligero toque de shoegazing y oscuridad que les ha dado por meter en este álbum (’We’re Gonna Rise’, ‘Spark’) . A pesar de todo, el disco tiene canciones pop rock de melodías pegadizas, bonitas y animadas como ‘Walk It Off’ o ‘It’s The Love’ (en la línea de ‘Fortunately Gone’ del ‘Pod’). El toque folkie lo tiene ‘Here No More’, ¡preciosa!. La fusión y “músicas del mundo” -tan presentes hoy en casi todo- llegan con ‘Istanbul’, que al principio suena rarísima y luego acaba enganchando un montón.

La broma hispana de “mira qué bien hablo español aunque nada de lo que digo tenga sentido” -qué tipico de ellos- la trae ‘Regálame esta noche’, bonita melodía pero letra y voces patéticas, se puede saltar del tracklist. Las distorsiones guitarreras no faltan con ‘No Way’ y ‘German Studies’, esta última genial. Los aires Pixies llegan con ‘Bang On’ y ‘Night Of Joy’, absolutamente imprescindibles, las mejores.

Evidentemente, no estamos ante “el disco” de The Breeders, pero sí se adecúa bastante bien a los tiempos y encaja a la perfección en la carrera de sus componentes.

jenesaispop.com

myspace the breeders

Joe crepúsculo - escuela de zebras

2008-10-08T21:35:00.004+02:00

Joe crepúsculo - escuela de zebras

joe crepúsculo - suena brillante

Escuela de Zebras es un disco que odiarás a nada que pienses que la música ha de tender a la perfección formal. Pero si lo tuyo no es la búsqueda del acorde aúreo ni cosas por el estilo, si eres de los que piensan que algunas de las mejores canciones de la historia han salido de manos de gente que ni tocaba ni cantaba bien, entonces es muy probable que Joe Crepúsculo te haga tilín, como ya no los ha hecho a un buen puñado de aficionados.

Crepúsculo, salido de la fábrica de buenísimos ‘artistas’ que está resultando ser Producciones Doradas, es uno de los componentes de Tarántula. Pero él, como otros de sus compañeros, han conseguido superar en calidad y buenas canciones al grupo madre y, de hecho, este Escuela de Zebras se tutea directamente con el Animalitos de Hidrogenesse, uno de los mejores discos del año pasado.

Ambos llegan al mismo sitio desde un punto de inicio diferente. Nos llevan a un universo apasionante de canciones de tecnopop con atmósferas extrañas, a un lugar donde Brian Eno toma bocatas grasientos de calamares mientras escucha sus mejores canciones y trata de traducir sus horribles letras al español. ¡Y lo consigue!

En Escuela de Zebras hay hits por todos lados. Hits raros, de los que jamás entrarían en una radiofórmula, porque suenan de manera ‘poco normal’ (al carajo la supuesta normalidad que apaga los talentos), con voces desganadas y teclados de mercadillo barato. Tiene canciones pop de muchos quilates, con letras absolutamente demoledoras: nunca te esperas lo que Joe cuenta en sus canciones. Es capaz de saltar de las fiestas veraniegas de los pueblos o los amores imposibles a construir teorías filosóficas sobre los cuatro elementos o de espetarte aquella frase sublime de “nada envejece más que pensar que nos hacemos viejos”. Los viejos es demoledora, pero también Gabriela, Después de la muerte o casi cualquiera de las incluidas.

Escuela de Zebras es un proyecto singular, rarísimo, valiente y sorprendentemente fácil de escuchar y de amar. Desconcierta a cada escucha, pero gana en profundidad también. Es uno de esos discos que hay que querer con toda el alma, porque demuestra que hacer tecnopop no implica ser un lánguido de cuidado.

hipersonica.com

myspace Joe crepúsculo

inventos que salvarán el mundo... hoy el theremin

2008-10-06T17:57:00.005+02:00

El theremin (theremin, théremin o théreminvox), llamado en su versión primitiva aetherophone (eterófono), es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, y el primer sintetizador de la Historia, inventado en 1919 por el físico ruso Lev Serguéievich Termen (quien luego afrancesó su nombre a León Thérémin).

El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La antena izquierda (desde el punto de vista de un ejecutante diestro) es horizontal y con forma de bucle, y sirve para controlar el volumen: cuanto más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen, y viceversa.

La antena derecha suele ser recta y en vertical, y sirve para controlar la frecuencia: cuanto más cerca esté la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido producido.

Originalmente, su versión más primitiva fue llamada Aetherophone (se podría traducir como Eterófono), y constaba sólo de la antena de tono. Dicho diseño fue tempranamente mejorado por el inventor, añadiendo posteriormente una antena para controlar el volumen tal y como hemos descrito. Actualmente, algunos de los modelos caseros y comercializados de Theremin disponen tan sólo de la antena que controla el tono, lo cual siendo rigurosos les convierte en realidad en un "Eterófono", y su uso frecuentemente es el de un aparato para efectos especiales más que un instrumento musical, al no poder acentuar ni separar las notas producidas.

También se han llegado a producir theremines de forma más o menos artesanal con formas de interactuar muy distintas, como por ejemplo, teremines ópticos que miden la cantidad de luz que les llega a un sensor. También la casa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor de infrarrojos llamado D-Beam, con el cual se puede controlar no sólo el tono, sino alternativamente el parámetro que se elija.

Su sonido Originalmente, el timbre de los theremines se asemejaba a algo entre un violonchelo y una voz humana: no en vano su inventor, además de físico, era violonchelista. Hoy en día existen incluso modelos que participan de la tecnología midi, lo cual les posibilita tener, virtualmente, cualquier timbre que se desee utilizando un sampler o muestreador, pero dicho efecto raramente produce sonidos creíbles, al no estar pensado el diseño originario en ese sentido.

Los theremines originales estaban fabricados con las, entonces novedosas, válvulas de vacío, aunque eso presentaba problemas de mantenimiento y manejo, por no hablar de que maneja internamente corrientes de alto voltaje (no son un peligro para el ejecutante, pero si para un intento de mantenimiento por inexpertos).

Actualmente existen multitud de firmas que comercializan versiones transistorizadas de teremines, que aun no teniendo la calidez del sonido valvular, son más robustos y más adecuados para el transporte.

Dónde escucharlo Muy usado en las películas de serie B de Hollywood de los años cuarenta y cincuenta del siglo XX por su sonido electrónico para ambientar, a base de un uso efectista, películas de ciencia ficción y terror en la era anterior al sintetizador, su uso original era bien distinto: la tereminista y violinista Clara Rockmore utilizó un repertorio romántico clásico y dio al teremín credibilidad como instrumento solista en un entorno orquestal.

El uso del theremin más conocido en una película clásica quizá sea en "Ultimátum a La Tierra" ("The Day the Earth Stood Still") de Robert Wise. En este film el compositor Bernard Herrmann utiliza dos theremines en la paleta orquestal. El uso de ambos servía para dar un aire futurista y para enfatizar la amenaza procedente del espacio exterior, que se manifestaba en su más amplia resonancia en el hierático personaje del gigantesco robot Gort.

El compositor Miklos Rozsa también hizo uso frecuente de este primitivo sintetizador para expresar la inestabilidad emocional de sus protagonistas en filmes de cine negro en los años cuarenta del siglo XX. Así en "Recuerda" ("Spellbound") de Alfred Hitchcock, el sonido del theremin aparecía cuando los pensamientos obsesivos se adueñaban de la voluntad de "John Ballantine" (Gregory Peck). Asimismo, en "Dias Sin Huella" ("The Lost Weekend"/El pasado fin de semana) de Billy Wilder, los momentos de embriaguez del alcohólico "Don Birnam" (Ray Milland) eran subrayados por este instrumento, que adquiere toda su potencialidad sonora y dramática en la escena del delirium tremens.

En la película The Song Remains the Same (La canción sigue siendo la misma) de Led Zeppelin, podremos ver a Jimmy Page improvisando efectos de sonido con un rústico Theremín de una antena conectado a efectos de delay.

Casi olvidado durante décadas, en los años noventa se benefició de un resurgimiento gracias, entre otros factores, a la producción del documental "Theremin, an Electronic Oddysey" (1995) y a la producción a mediana escala de theremines de gama media "etherwave standard", diseñados en la fábrica de Bog Moog (por entonces la empresa se llamaba "Big Briar", luego "Moog" de nuevo). Dicho modelo, aunque tiene pequeños fallos de diseño y es bastante básico, se sigue fabricando hoy día. Debido a su alto precio le ha salido multitud de imitaciones en todo el mundo, con lo que podemos considerar que ese modelo viene a ser al theremin lo que el modelo "Stratocaster" de Fender supone para las guitarras eléctricas: un emblema y el diseño de theremin más popular.

Recientemente el theremin se ha retomado con éxito apabullante en películas como "El Maquinista", donde está tocado por Lydia Kavina, virtuosa del instrumento y familia lejana del propio L.S.Termen ( el cual era su tío abuelo y le instruyó en su uso cuando era niña).

Hoy en día lo han usado o lo usan grupos e intérpretes tan conocidos como Pink Floyd, Nine Inch Nails, Radiohead, Los Planetas, Jean Michel Jarre, The Gathering, Spock's Beard, Fangoria, Lendi Vexer, Jon Spencer Blues Explosion, Project:Pimento, Estirpe, Messer Chups y ultimamente Sunkfool e incluso Estopa con mayor o menor virtuosismo y dominio del mismo.

Theremines falsos.Debido a la dificultad que presenta el tocar correctamente un theremin, a su relativamente elevado precio comparado con cualquier otro instrumento electrónico más complejo, y a la escasez de intérpretes profesionales disponibles, se ha recurrido con mucha frecuencia a imitaciones del sonido del theremin, algunas de ellas muy famosas y erróneamente tomadas por theremines auténticos. Una escucha atenta, sin embargo, hace distinguir un theremin auténtico de una imitación:

Se atribuye erróneamente un theremin en el tema "Mysterons" del disco Dummy de Portishead, pero esto es absolutamente falso, aunque en los créditos del disco digan lo contrario: en una entrevista (Revista Sound on Sound, Junio de 1995) confiesan que realidad utilizaron un sintetizador Roland SH101 para imitar el sonido, y una escucha muy atenta hace apreciar lo mecánico del sonido (frente a lo orgánico de un theremin real).

Tampoco los Beach Boys fueron capaces de dominar el theremin en "Good Vibrations" y recurrieron a un artilugio llamado "Electro-theremin" o "Tannerin", cuyo sonido era similar pero es radicalmente distinto en construcción, forma y manejo. Se trataba de un invento de Paul Tanner, trombonista de la orquesta de Glenn Miller, donde lo que se maneja es una guía en un rail horizontal que apunta las notas que suenan en un teclado ficticio, pintado sobre una hoja de papel sobre el aparato. De sonido menos orgánico que un theremin pero igualmente interesante, Paul Tanner grabó su artilugio con orquestas reconocidas y para sintonías de programas de Televisión ("Los Supersónicos", "Mi marciano favorito", etc.). Para los directos de The Beach Boys recurrieron a Bob Moog, que les fabricó un controlador de cinta, de similar modo de operación, que hoy es un estándar acoplado en muchos sintetizadores.

Se puede escuchar igualmente imitación del sonido del Theremin (no real) en las secuencias de apertura de los programas especiales de Halloween de Los Simpson.

Intérpretes reconocidos internacionalmente. En el pasado las figuras más representativas asociadas al instrumento fueron Clara Rockmore, Dr. Samuel Hoffman y Lucie Bigelow Rosen entre otros. Hoy en día, un gran número de thereministas buscan seguir el legado de los grandes virtuosos del instrumento, algunos de ellos: Lydia Kavina, Barbara Buchholz, Carolina Eyck, Ernesto Mendoza, Ciro Mendoza, Peter Pringle, Robby Virus, Pamelia Kurstin.

Variantes y aplicaciones. Los principios físicos que hacen resonar a un theremin, permiten la fabricación de sensores ultrafinos que detectan (por ejemplo) diferencias nanométricas en el relieve de objetos. Por este motivo instrumentos basados en tales principios se utilizan actualmente para ajustar el pulido de los más grandes y complejos telescopios ópticos

SAMUEL HOFFMAN Theremin

Theremin - Clara Rockmore play "The Swan" (Saint-Saëns). Jolín con el pelo de clara rockmore, me recuerda a la novía de alguien...

Carolina Eyck - Theremin plays Sting

Super Mario Bros. on the Theremin!

Gnarls Barkley Crazy Theremin Jam

The Legend of Zelda Theme on theremin

thereminhispano.com

myspace clara rockmore

mi theremin: crónica de un thereminista

the black keys - attack & release

2008-10-05T01:29:00.003+02:00

the black keys - attack & release

black keys-strange times

The Black Keys han contado con un productor muy especial para su nuevo disco. Los norteamericanos han contado con la ayuda de Danger Mouse para grabar “Attack And Release” el quinto álbum del grupo de Ohio. El disco, además de contar con una de las mitades de Gnarls Barkley, también presenta la colaboración de dos músicos habituales de la banda de Tom Waits: Marc Ribot y Ralph Carney.Están muy influenciados por Hendrix, Blue Cheer y Zeppelin

myspace the black keys

albaialeix - albaialeix

2008-10-05T01:25:00.004+02:00

albaialeix - albaialeix

albaialeix_ els cargols sempre fugen al sidecar

El dúo formado por Alba Blasi y Aleix Clavera es un fiel hijo de su tiempo, y lleva marcado a fuego el marchamo del colectivo barcelonés La Colazione, en el que comparte intereses y filosofía vital con Manos de Topo, Los Carradine, Za y demás integrantes de esa micro escena underground, heterodoxa y autogestionaria que está sacudiendo los cimientos del panorama musical de la urbe catalana.

De hecho, su escaso aprecio por los convencionalismos lo impregna todo, desde la propia estructura caprichosa de unas canciones imprevisibles y mutantes hasta el frecuentemente dislocado timbre de voz de Clavera, capaz de pasar del susurro al berreo sin mayores sonrojos. De cualquier forma, y con la ayuda de Pablo Díaz Reixa (El Guincho) a la percusión, no puede negarse que Albaialeix han tendido en su debut un vaporoso puente entre tradición y modernidad, entre los espectros del folk rock más ácido de los setenta (y un correlato en clave laietana-Pau Riba y demás- sugerido por su uso del catalán) y los desvaríos de la tribu del nuevo weird folk o reanimadores psicodélicos como Animal Collective. El resultado, trufado de guitarras acústicas, pianos con vida propia, desvíos al imaginario infantil, coros de frenopático y deliciosas digresiones plenas de ensueño y escapismo, no deja de concretarse en un saldo algo desigual, aunque quizá eso también sea parte de su progresivo encanto.

Carlos Pérez De Ziriza para mondosonoro.com

myspace albaialeix

the shortwave set - the replica sun machine

2008-10-02T01:30:00.004+02:00

the shortwave set - the replica sun machine

The Shortwave Set - No Social

The Shortwave Set es una banda británica de pop alternativo cuyo álbum debut, The Debt Collection fue publicado en 2005 en Independiente Records. El segundo álbum de la banda, Replica Sun Machine, fue publicado en Mayo de 2008 por Wall of Sound.

La banda combina los samples con la música más tradicional, creando un sonido que el grupo ha denominado Victorian Funk.
Este es uno de los trabajos más interesantes del año, Replica Sun Machine (2008), segundo disco largo de la banda londinense The Shortwave Set . Ellos mismos han etiquetado su música como “Victorian Funk”, pero también suenan a buen Pop electrónico con mucho gusto por la Psicodelia y la discoteca. Actuarán este año en el mítico Glastonbury y “No Social” es el primer single de su recién estrenado álbum.

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