jueves 18 de junio de 2009
lunes 15 de junio de 2009
domingo 14 de junio de 2009
Sexy sadie - draining your brain
Sexy Sadie- In the water
En una entrevista en la Mondosonoro en septiembre del 2000 Jaime comentaba con respecto a este trabajo: “Valoro su espontaneidad y que es un disco muy juvenil. Buscábamos algo rabioso, frenético y sencillo. Incluso las canciones lentas las queríamos así, que fueran oscuras. Sirvió para que nos diéramos cuenta de que lo podíamos hacer, que podíamos tocar nuestras canciones, aunque como grupo nos quedara mucho trabajo por delante. Es un disco muy ´viva la virgen´ en todos los sentidos. Las letras también: en aquella época me importaba poco lo que decía. Y es el disco de 'In the water', una canción que sin querer nos salió redonda”. Y es que todo podía haber sido distinto si no fuese por dicha canción, que con el tiempo ha alcanzado adjetivos como mítica o himno generacional de aquellos 90 marcados por el indie y por una legión de grupos que cantaban en inglés, y de los que tras una importante selección natural nos acordamos de muy pocos. Eso sí, con Sexy Sadie a la cabeza, una banda que siguió creciendo al margen de cualquier contexto.
El disco está producido por Paco Loco, con quien repitirían en “Onion Soup” (Subterfuge, 1996) y la original portada es del dibujante M.A. Martín,conocido por ser habitual colaborador de Subterfuge y por sus polémicos comics, editados en España por La Cúpula, que llegaron a ser prohibidos en algunos países. El sonido es deudor de unas influencias centradas en el rock independiente americano, con grupos como Pixies o Sonic Youth y ciertos aires grunge, con la urgencia de la juventud y una marcada tendencia al ruidismo y la distorsión que se iría templando con el tiempo.
Aparte de la mencionada “In the water”, caben destacar los aires grunge de la corrosiva “Let me rock you” y los ecos emo de “Come” y “Fiesta song”. “A joke” es la pausa antes de “The aware”, tema en el que los Pixies están más próximos. En “Lonely green tongue (Fly)” llevan la distorsión a nuevas cotas, con un urgente “Hey fly! where do you go?” que se escucha entre guitaras afiladas y una batería contundente. Cierra “Lenina”, con una guitarra acústica que se va disipando entre la electricidad.
Podemos decir que no se trata de un gran disco, mejorable en muchos aspectos, sobre todo los momentos más AOR en el que el ruido cabalga descontrolado, pero a su favor cuenta que siempre será recordado por contener ese hit generacional que ya hemos mencionado, y que es “In the water”. Aparte del hecho de ser el germen de los grandes discos que le sucederían.
Fernando Fernández Rego para lafonoteca.net
Sexy sadie - onion soup
la versión en castellano de mr.nobody
Tras “Draining Your Brain” (Subterfuge, 1995), vuelven con este “Onion Soup” (Subterfuge, 1996), uno de los mejores discos del año para la Rockdelux y un disco con el que Sexy Sadie da un paso al frente para colocarse en primera línea de la escena independiente.
Paco Loco repite en la producción, de la que por cierto no quedarían contentos, y es que muchas canciones son magníficas pero el sonido en ocasiones es malo, evidenciando que el brillo podría ser mayor. Algo achacable al bajo presupuesto con el que se contaba, el traslado del estudio de Paco de Gijón a Cádiz y una interpretación que también podría ser mejor. A pesar de esto, se trata de un gran trabajo, con una amplia variedad de sonidos que van desde el pop al rock psicodélico, eléctrico y acústico de los 60 y 70, pudiendo hablar de grupos como King Crimson, además de la clara influencia del sonido de los 90, con los Pixies y Sonic Youth a la cabeza.
En está ocasión la oscuridad merodea por cada una de las canciones, porque la luz llegaría de golpe con “It's Beautiful, It's Love” (Subterfuge, 1998). Esa oscuridad fue captada por Javier Aramburu para el diseño del genial libreto y del logo que acompañaría al grupo a lo largo de su carrera. En la parte interior del disco puede leerse “This record is specially dedicated to Jess Franco”. Todo un detalle con el director madrileño.
“Rock 'n' Roll fear” y “Lier in the mean world” suenan pletóricas, y con una mejor producción y un sonido más limpio estaríamos hablando de otra cosa. Cercanas al rock americano, se percibe la influencia de Sonic Youth. “Mr. Nobody” es una de las mejores canciones de Sexy Sadie, con un sonido acústico provisto de grandes arreglos y una suave melodía marca de la casa. “Voodoo sacrifice” suena sucia y contundente, con unos riffs de guitarra muy logrados y Jaime mostrando nuevos registros vocales. “Mr. Hat” trae de nuevo sonidos acústicos está vez con aires de psicodelia para facturar una de las grandes canciones del disco.
Entonces llega “Johnny the Good", con una estupenda melodía y unos arreglos magníficos en la que la influencia de los Beatles queda patente: “He likes staring at the sun” canta Jaime con dulzura. Cierra “I gotta go”, un tema muy corto y oscuro que queda perdido entre efectos y que, sin embargo, ganaría enteros al pasar por la trituradora hasta el punto de ser el primer single de “Onion Soup Triturated by Big Toxic” (Subterfuge, 1997), el disco en el que Big Toxic remezcla las canciones de este “Onion Soup”.
Fernando Fernández Rego para lafonoteca.com
Sexy sadie - It´s beautiful, it´s love
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Pues nada que estos zagales se reunen para tocar en dos conciertos en Madrid y Barcelona y me ha entrado la nostalgía.
Sexy Sadie- A brand new world
Era un momento díficil para el grupo. Mique Serra acababa de abandonar debido a problemas de salud y Sexy Sadie convertido en trío afrontaba la grabación de este “It's Beautiful, It's Love” (Subterfuge, 1998) con muchas dudas. Jaime García Soriano comentaba que "fue un disco que hicimos con mucha presión, ya que nos quedamos como trío y tuve que asumir la cabeza y la composición cuando no era lo que más me apetecía. Y, lo que son las cosas, al final fue nuestro pequeño gran salto". Y es que esta entrega supuso la consolidación del grupo en la escena independiente nacional, tratándose, sin lugar a dudas, de su mejor trabajo. Su sonido gana solvencia y técnica, presentando su mejor colección de canciones, exquisitas melodías con un envoltorio más sofisticado que en ocasiones anteriores y con una mayor riqueza estilística, sin abandonar la contundencia y las guitarras afiladas, pero introduciendo sonidos acústicos y coros como los de Najwa Nimri en “Stay behind me” y Adela Peraita de Sunflowers en “Satellites”, y violines, clarinetes, chelos, saxos y trompetas en “You know that's the way I like it” y “Hanging lights”, acerándose a un clasicismo en el que The Beatles y David Bowie están muy presentes.
“I´m the brain” es deudor del sonido anglosajón con tintes ruidistas de sus inicios, la voz de Jaime suena ligeramente distorsionada mientras canta ”I will try to show to you the best that I can do”. “A brand new world” representa lo que es este disco, melodías exquisitas envueltas de electricidad y dulzura, con unos arreglos preciosistas y una excelente producción. Los arreglos de acuerda de “You know that's the way I like it”, que cuentan con la inestimable ayuda de Joaquín Pascual, justifican por sí solo este disco. Con una sección instrumental que aúna electricidad y acústica, y una melodía con cimas y bajadas redentoras.
“Needle chill” sube el nivel, contundencia y electricidad se dan la mano, pero sin perder de vista un estribillo demoledor: “He was a friend of mine / He made me feel so fine / Make up your mind to sail / There´s nothing left to say / I wish you were with me to feel what i can feel / Depressing needle chill…hurt me!”. “Stay behind me” es una de las mejores canciones del disco, una melodía exquisita en la que la voz de Jaime y la dulce Najwa se entrelazan para alcanzar cimas luminosas entre guitarras afiladas. “Satellites” mantiene los esquemas de “Stay behind me” pero con Adela Peraita ayudando a Jaime con las voces, simplemente preciosa.
Tras la dulzura de “May”, vuelve la contundencia con la agridulce “Join us”. “Sweet life” cuenta con la colaboración de Big Toxic, programando pasajes eléctricos que traen consigo una oscuridad que se disipa por momentos. “My bike” comienza pausada pero enseguida las guitarras se afilan y llega un estribillo demoledor, “It´s beautiful, it´s love”. Cierra el disco “The tripper”, con aires de fin de partida, de fin de fiesta, tintes circenses con Jaime tocando el cazoo.
Un excelente disco en el que no sobra ni falta ninguna canción y que incluso podemos decir que mejora con el tiempo. Esta es la cota más alta que alcanzó el grupo. Un disco irrepetible.
Fernando Fernández Rego para lafonoteca.net
sábado 13 de junio de 2009
Cola jet set - guitarras y tambores
Han tardado lo suyo -cinco años-, y con cambio de sello por el medio, aquí está su segundo álbum, tras la ya lejana aventura de Los Fresones Rebeldes. Además de asentar su formación, el grupo ha purificado su sonido, lo ha acercado al pop en su concepto más clásico, con evidentes influencias de los años 60 (Jackie De Shannon, The Ronettes, The Byrds...), pero además ha sabido enriquecerlo con pequeñas intoxicaciones estilísticas que han ido surgiendo por el camino: el soul, la música disco, la psicodelia-pop, el soft-pop...
Por eso Guitarras y tambores es en el fondo un disco de pop clásico. Porque sus melodías y sus arreglos están inspirados en los grandes nombres del género. Porque la frescura y la vitalidad campan a sus anchas en un disco lleno de emociones. Pero sobre todo porque el pop no lo es tanto si no se deja pervertir por otros estilos, por otras influencias, por otros horizontes. Por si no quedase clara su filiación clásica y colorista, existe una edición limitada en vinilo rosa para los amantes de este formato.
ultrasonica.com
The sunday drivers - The end of maiden trip
The Sunday Drivers publican ‘The End Of Maiden Trip’ el próximo 15 de junio. Grabado en directo, en una semana, en los estudios Red Led de Madrid, el cuarto largo de The Sunday Drivers es, según ellos, su “mejor disco”. En el MySpace de Mushroom ya pueden oírse dos canciones, ‘My Plan’, que abre el disco, 100% Sunday Drivers, y la pista 2, ‘I’, que llama poderosamente la atención gracias a su juguetón teclado.
La nota de prensa también habla de ‘So What’ como de una canción “desgarradora”, del sonido de animales en ‘(Hola) to see the animals’ (”gaviotas, rinocerontes, tortugas, hipopótamos y elefantes”) y de la última canción, ‘El final del viaje inaugural’, con la que “se te cae la lágrima”
jenesaispop.com
domingo 19 de abril de 2009
la bien querida - romancero
PARA MI SIN DUDA, EL MEJOR DISCO ESPAÑOL EN LO QUE VA DE AÑO. VOSOTROS VEREIS ZAGALES !!!!
De momento abril ::: LA BIEN QUERIDA
Avalada por las buenas críticas en revistas como Mondosonoro o Rockdelux, y primeros puestos como una de las mejores maquetas españolas del año pasado, La Bien Querida ha iniciado su carrera musical como pocos. Ahora el proyecto de Ana Fernández-Villaverde está bajo la tutela del sello Elefant Records y grabando lo que será su primer largo. Antes de la salida de éste, recuperamos su demo del año pasado.
La Bien Querida ahonda en el género donde grupos como La Buena Vida o Le Mans se ganaron sus elogios con obras redondas y delicadas. Pero esta proximidad no significa que esté en el llamado Donosti sound, moda de la cual ya no se habla por suerte. Su sonido guarda similitudes en cuanto a la manera de abordar el pop y la manera de cantar, con mayor presencia que Irantzu Valencia respecto a los instrumentos, pero tampoco muy lejos. Todas las canciones piden los mismos arreglos que las de los donostiarras pero hay que ver que no deja de ser una demo y no hay medios para grabar más.
Detrás de La Bien Querida también está una figura bastante influyente en el indie español: Antonio Luque (Sr. Chinarro). El sevillano ha apadrinado a la madrileña y ha puesto voces incluso a Adn. Otro apoyo más de renombre para el proyecto.
La influencia de la carrera de Chinarro deja su huella en la mejor de la demo: El Zoo Absoluto, más oscura y rápida que el resto. El resto se divide entre letras de amor y desamor bien escritas y mejor llevadas a la práctica por la suave voz de Ana Fernández. Corpus Christi es el tema típico de pop naif que con unos buenos arreglos de fondo ganaría muchos enteros, 96 recupera una historia de recuerdos con una leve back vocal, pidiendo a gritos también una mejor producción, y Monte de Piedad es la más modosita sin apariencia de romper un plato.
Ahora nos toca esperar a ver por dónde tirará La Bien Querida en su primer largo, aunque el fichaje por Elefant y la trayectoria del sello, hace pensar en la estela de Le Mans y del buen pop sencillo. No sé si se ha dado a conocer el nombre del productor ya, pero si fuese Ibon Errazkin, este proyecto muchísimo ganaría en sonido. Otro grupo que apunta a tener un futuro prometedor en el indie español.
hipersonica.com
manel - els millors professors europeus
Manel - Al Mar
Hay discos que justifican la vorágine musical en la que algunos hemos decidido malvivir. Discos que atesoran calidad tanto en lo musical como en las letras como Els millors professors europeus (Discmedi) de Manel, donde siendo muy poco generosos es difícil encontrarle un fragmento que sobre. Y apenas estamos hablando de la primera referencia ‘oficial’ del grupo barcelonés, algo que dentro de un tiempo puede significar un listón demasiado alto, pero que ahora mismo es el mejor regalo que la música de este país podía darnos este otoño.
Manel está compuesto por cuatro chavales de la ciudad condal, remarcando esto último, ya que en ningún momento parece que vivan en la misma ciudad que tan a menudo peca de superficial y donde la estética es muchas veces más importante que el contenido. Al igual que The Wave Pictures, que afirman que no entienden ver gente tan bien vestida en sus conciertos cuando ellos siguen comprándose la ropa en los almacenes Marks & Spencer, a los miembros de Manel parece que toda la ola de modernidad ni les roce.
Ello es bien visible luego en las canciones de Els millors professors europeus. En ‘Els guapos són els raros’, por ejemplo, donde con toda la naturalidad de el mundo dejan caer que bailar sardanas es un atributo más que loable. A pesar de que la ironía y el surrealismo sobrevuela todo el disco (la final ‘Corrandes de la parella estable’ es otra muestra), el trabajo de fondo para presentar unas letras tan logradas merece ponerse serio y dedicar más de dos y tres aplausos. En este sentido, las letras de Manel se acercan prodigiosamente a la misma altura que las de autores como Joan Miquel Oliver o Jaume Sisa, por citar los culpables de las mejores letras con qué la música en catalán se ha expresado los últimos años.
Pero como unas buenas letras no bastan, el cantante y ukelele Guillem Gisbert y compañía se sirven de temas pop redondos como ‘Roma’ (una paja mental sobre una traslación al antiguo imperio romano, con una gran entrada instrumental en el 1:24), la vital ‘Pla quinquennal’, la optimista “a-pesar-de-todo” ‘Captatio benevolentiae’ (una de las mejores del ábum) o la marchosa y costumbrista canción de amor ‘Al mar’.
Podríamos continuar y destacar el efecto sonrisa que provoca ‘En la que el Bernat se’t troba’ o como ‘Ceràmiques Guzmán’ nos recuerda alguna escena algo embarazosa sufrida en carnes propias, pero tampoco se trata de esto. Els millors professors europeus es, en definitiva, el disco que puede hacer coincidir al prototipo fan lector de la catalana revista Enderrock, a aquellos que diseñan carteles del Primavera Sound en sueños y a cualquiera que pase por aquí. Pero no solo eso, sino lo que es más importante, es el disco que puede derruir de una vez por todas los muros de prejuicios que se han ido levantando alrededor del pop cantado en catalán.
indiespot.es
cooper - aeropuerto
COOPER Hyde Park
Existen personas que tienen una parte de su vida dedicada al pop y otras para las que el pop es la vida misma. Alejandro Díez, el ex líder de los míticos Los Flechazos y actualmente responsable de Cooper, podría ejemplificar a la perfección la segunda opción. Erudito y militante de la causa en su vertiente mod desde los ochenta, en su trayectoria no solo descansan un puñado de grandes canciones, sino la sensación de que su diario personal se va abriendo de continuo entre melodías y estribillos.
«Me he pasado media vida desnudando mi corazón, confesando mis secretos en cada canción», dice en Ruido, una de las canciones incluidas en este, el tercer largo de Cooper. Lo clama entre guitarras afiladas que recuerdan a los The Jam electrizantes de la primera época para reivindicarse como artista en medio del sinsentido que generalmente reina la industria del pop nacional. Esa que siempre le dio de lado y por la que Alejandro pide complicidad a su público: «Ojalá tú quieras estar del lado del perdedor», dice unos versos más adelante en el mismo tema.
Lo cierto es que resulta fácil ponerse a su vera. La cuestión es sortear la vulgaridad imperante y llegar al oído adecuado. Si este adora el power-pop de ascendencia sesentera y raigambre británica erigirá, si es que no lo ha hecho ya, a Cooper como un icono que reverenciar. En sus canciones hay belleza, pasión y clase a raudales. También constantes guiños a clásicos inalterables. Y unas dosis de sentimentalismo, muy a lo Nacha Pop, que acarician la fibra sensible de un modo que pocos, muy pocos, han logrado en España. Véase, por ejemplo, Canción de viernes, un sentido y bellísimo medio tiempo que recoge el espíritu preciosista de los Teenage Fanclub del Grand Prix y que el autor dedica a su padre recientemente fallecido.
Como ocurrió en Retrovisor, su álbum precedente, este trabajo recopila toda la producción de Cooper en singles y epés durante los últimos dos años, junto a cuatro temas aún no publicados. En este apartado figura Hyde Park, que lleva el cuño de hit de Cooper tatuado en la piel, El fin de la inocencia que posee un delatador aroma a lo Tamla Motown, la versión de El sueño de Nacha Pop y Lisboa, una conmovedora muestra de psicodelia mareante que se perfila como el mayor hallazgo sonoro de un disco donde todo suena familiar.
Alejandro confiesa carecer del don de la sorpresa en la música. Tanto da, sus canciones suenan a ya oídas del mismo modo que la primavera se repite año a año sin que, por ello, deje de enamorar. Y eso, que puede parecer lo más cursi del mundo, recobra el significado en cuanto el play se pulsa y el grupo empieza a girar. Entonces, no queda más remedio que alzar la voz para decir alto y claro: sí, estamos del lado del perdedor.
love of lesbian - 1999
Love of Lesbian - Club de fans de John Boy
En este 2009 saldrá nuevo disco de Love of Lesbian, esos catalanes que tanto enamoraron a la redacción de Hipersónica con sus Cuentos chinos para niños del Japón.
Y vuelven con un álbum que se llamará 1999 y saldrá al mercado el próximo 24 marzo. El disco promete ser semi-conceptual, porque a lo largo de catorce canciones hablarán de la relación amorosa de dos jóvenes veinteañeros durante un sólo año.
Dicen los que ya han podido oír el álbum que hay lugar en sus nuevos temas para la euforia y el entusiasmo pero también para el desencanto y la tristeza, formando así quizá el disco más serio de toda su carrera, dejando atrás aquellas letras graciosas que tenían alguno de sus temas.
Como era de esperar, los teclados y los sintetizadores siguen teniendo un papel fundamental en la banda, pese al protagonismo evidente de las guitarras y las letras del gran Santi Balmés, de nuevo en castellano por tercer álbum consecutivo.
hipersonica.com
lunes 30 de marzo de 2009
The Wave Pictures - Instant Coffee Baby
The Wave Pictures - Just Like A Drummer
Para definir a The Wave Pictures es muy significativo decir que Darren Hayman (Hefner) y David-Ivar Herman Dune son sus principales valedores. De hecho, ambos han participado en la grabación de su nuevo largo ‘Instant Coffee Baby’ (el primero con una distribución decente y una formación estable). Este trío británico se ha ido labrando una carrerita discreta como banda de acompañamiento del propio Herman Dune, Jeffrey Lewis o John Darnielle (The Mountain Goats) y estos han correspondido con enormes elogios las canciones de David Tattersall, que les han procurado la atención de medios como The Guardian.
La cuestión es que estos muchachitos desagradecidos se han sacado de la manga un pedazo de disco de pop-rock de baja fidelidad, atemporal e inagotable, que da un par de sopapos a las últimas obras de sus padres putativos. Cría cuervos…
Al igual que sus padrinos, The Wave Pictures tienen un mucho de Violent Femmes y Jonathan Richman, pero son los pequeños detalles los que marcan la (su) diferencia: la peculiar voz de Tattersall, de la que se oyen hasta los golpes de voz en el micro, ese solo de saxo al final de ‘I Love You Like A Madman’, la viola de ‘Strange Fruit For David’, la voz femenina que anuncia que ‘Friday Night in Loughborough’ es “‘Friday Night in Loughborough’ de The Wave Pictures”, los coros que alternan los fraseos de la voz principal en ‘Just Like A Drummer’… Del mismo modo, lo glorioso de las deliciosas letras de ‘Instant Coffe Baby’ es que dan valor a la grandeza de las cosas insignificantes: una chocolatina derritiéndose en el bolsillo, despertarse con el tronar de una máquina de escribir que suena a batería, aguantar las ganas de fumar delante de sus padres, recordar por fin ese nombre y escribirlo infinitas veces en un papel, una sonrisa manchada por el vino tinto o pelear por ver quién escribe los mejores piropos a los Beatles.
Como decía antes, estas trece (catorce en la edición de vinilo) enormes canciones pequeñas resultan una fuente inagotable de satisfacción. Hacía mucho tiempo que no encontraba un disco de estos que puedes (o al menos deseas) corear a voces de principio a fin, pero ahora ‘Instant Coffe Baby’ estarán en mi estantería cerca del grandes éxitos de Teenage Fanclub, el ‘It’s A Shame About Ray’ de The Lemonheads y el ‘Breaking God’s Heart’ de Hefner.
jenesaispop.com
domingo 29 de marzo de 2009
The tough alliance - the new school
The Tough Alliance - Koka Kola Veins
Seguidores del dancehall, los Beatles y el trance, The Tough Alliance es un atractivo dúo sueco formado por los muchachos Eric Berglund y Henning Fürst, que con apenas 26 años han dado bastante que hablar. Y no sólo por su adictivo electro pop con cierto tinte ochentero, sino por su actitud desafiante y revoltosa más cercana a Sid Vicious que a George Michael.
Durante tres años compartieron catálogo, en la etiqueta sueca Service, con Jens Lekman, Whitest Boy Alive y The Embassy, pero cortaron relaciones cuando se cansaron de formar parte de un sello que albergaba a artistas con los cuales no tenían absolutamente nada en común. Por eso, a principios del año pasado crearon su propio sello, Sincerely Yours, por el cual lanzaron su segundo LP New chance y editaron a bandas como The Honeydrips y Air France. A pesar de la distancia con Service, la realidad demuestra que su estadía en el sello les permitió hacerse un lugar en la escena sueca, además de abrirle camino a otros artistas electrónicos como The Knife y Lo-Fi-Fnk.
Extremadamente directos tanto en su música como en las entrevistas, ninguno demuestra inconvenientes al momento de decir lo que piensa. Responden abiertamente a cualquier pregunta mientras tanto no se hagan distinciones entre quién dijo qué cosa. Serios y vestidos de sport, no les gusta mostrarse en otro ambiente que no sean las “fiestas” en las que tocan con sus sintetizadores y bates (sí, los de baseball). Y es que cuando TTA se sube al escenario, tal cual Charly García, nunca se sabe con qué te van a sorprender. Lo más probable es que prendan sus sintetizadores, se pongan a bailar bajo el ritmo de sus propias canciones y canten si tienen ganas, te revoleen con un bate o te agarren a trompadas porque no entiendes nada.
sábado 28 de marzo de 2009
Ten new raemon - la invasión de los ultracuerpos
The New Raemon "Elena-na"
Seis canciones tiene el nuevo disco de The New Raemon, "La invasión de los ultracuerpos", maravilloso vinilo de 10" nacido como continuación de uno de los mejores discos del año pasado "A propósito de Garfunkel". Como este, cuenta con el sofisticado diseño de Martín Romero.
No sé si este nuevo minielepé está compuesto por descartes de "A propósito de Garfunkel". Al principio, en la cara A, da la impresión de que no, o de que si son descartes bien podían haber estado perfectamene en el disco de larga duración, porque tanto Sucedáneos como la versión de Nueva Vulcano, Mano izquierda, arrojan tanta o más frescura que las canciones anteriores -frescura en todas sus acepciones, caradura, moderadamente frío, recién hecho, sereno, no congelado, descansado o desendadado-, que siguen llenas de melancolía y acústica, y que también siguen acabando con Ramón gritando el estribillo "soy un sucedáneo", como ocurre en muchas otras canciones del grupo. Hasta la versión, con segundos sentidos de frases como "Pintan sus casas antes de las fiestas, yo no... pinto nada" cuadran a la perfección con la filosofía de The New Raemon. Gran versión.
Pero el disco va más allá al darle la vuelta, descubriendo un The New Raemon mucho más oscuro y repensado, menos pop. Al apagar esa luz el grupo vegeta en Cumpleaños, preciosa salmodia de tristezas y heridas o en Tiembla Dublín, donde las Fotos del ayer reaparecen de nuevo como imagen recurrente en el rock. Acaba el disco con No fastidies, pequeña y divertida boutade en la que Ricky y Ramón hacen su Don Pepito y don José en clave adulta y cabaretera.
Esta doble cara del grupo da más ganas de conocer nuevas canciones, a ver si van por la pradera brillante por la que suelen ir, o siguen asomándose a nuevos abismos. De lo que no cabe duda es que un disco que contiene Sucedáneos, Mano izquierda y Tiembla Dublín merece todo el respeto del mundo.
popmadrid.com
Half foot outside - heavenly
Half Foot Outside - 'Driveways'
El sello Limbo Starr es el nuevo hogar de los navarros Half Foot Outside. Diez años hace que pusieron su primer trabajo en la calle, aquel “So Called…” (Brutus Records) que abriría un camino que a lo largo de una década se ha ido haciendo menos abrupto. En octubre tendremos entre manos “Heavenly”, un disco plagado de sorpresas.
Los tiempos y el sonido de Half Foot Outside han cambiado mucho a lo largo de los años. Han ganado en matices sin perder fuerza. Por el camino han quedado trabajos como “Paint Red”, publicado por Underhill Records. “New Ad Ideas” (B-Core, 01) continuaría afianzando a los de Iruña en un sonido que desembocaría en el potente “It’s Being A Hot Hot Summer” (B-Core, 03), último para el sello catalán. Astro sería quien editara en 2006 “Perfect From The Distance”, un tratado de puro indie rock. Ahora se mudan de nuevo, Limbo Starr es quien editará en octubre “Heavenly”, un disco cargado de hits que no abandona en ningún caso la fuerza de una banda que se ha curtido en el directo. “Astro hizo un gran trabajo con ‘Perfect From The Distance’. Nuestros amigos de Tachenko nos hablaron muy bien de Limbo Starr, así que le pasamos el material a David López y tuvimos la suerte de que le encantó desde la primera escucha. Son gente que viven la música de una forma muy pasional y nos encanta su filosofía de sello de volcarse con todo lo que sacan”. Israel Medina (bajo) es quien continúa respondiendo cuando le comento que me parece su disco más accesible. “Para mí que sea más accesible no tiene un significado malo. Es cierto que todo está más pulido y equilibrado y nos hemos tomado con mucha calma todo el proceso”. Repiten los artesanos del anterior álbum. “Ya grabamos con ellos ‘Perfect From The Distance’ y como quedamos muy contentos con el resultado decidimos repetir. También por la comodidad de grabar cerca de casa y porque tanto el estudio de Kaki Arkarazo como el de Hans Kruger, se encuentran en mitad del campo en el que no hay nada que te distraiga. Además ambos conocen perfectamente al grupo y saben lo que buscamos desde antes de grabar. En el caso de John Agnello (Sonic youth, Dinosaur Jr…) lo mismo, decidimos volver a trabajar con él porque nos encanta la visión que tiene, tiende a simplificar las cosas”. Y ojo, porque el disco está lleno de importantes colaboradores. “Con Jon Auer y The Posies hemos tocado varias veces, y la última vez, a finales del año pasado, Auer se ofreció a producirnos el disco. Pero ya lo teníamos cerrado con Agnello, así que le dijimos ‘¿y por qué no te animas a grabar algo?’. Lo que al principio iba a ser meter un par de coros y un par de guitarras, al final ha sido que se ha convertido en el quinto Half Foot (risas). Pau (La Habitación Roja) se vino un fin de semana a Pamplona a pinchar, pero antes se pasó por el estudio a meter unas guitarras acústicas. Respecto a Banin y Florent (Los Planetas), les pasé las demos del disco y les encantaron, así que no fue difícil convencerles para que grabaran en Granada unas guitarras y teclados. Ha sido todo un honor contar con su talento”.
Rafa Angulo para mondosonoro.com
tropezando he recordado...The beach boys 20/20
'20/20' Es el álbum lanzado en exclusiva en 1969 por The Beach Boys. Es el último álbum grabado en los estudios de Capitol Records en los diecisiete años siguientes. Con una mezcla de los últimos singles, nuevos temas y dos antiguas pistas de Smile", "20/20" se convirtió en uno de los álbumes más interesantes artísticamente, y ahora se puede considerar como un ensayo previo para el renacimiento creativo que surgió en Sunflower el año siguiente.
'20/20' fue denominado así por ser el álbum número 20 de los Beach Boys (contando los tres recopilatorios "Best of...", y " Stack-O-Tracks"). Brian Wilson se burló del título ocultando una cartilla de examinación ocular en de la foto de la cubierta del álbum. Por otro lado, la participación de Wilson en este álbum fue mucho menor que en los discos anteriores.
Al aumentar sus problemas emocionales y su aficción por la cocaína, Brian Wilson se fue retirando de las sesiones de grabación de la banda. Se especula que en ese momento abandonó la banda completamente y que volvió para el single "Break Away" y para la grabación de Sunflower, dejando a los demás la responsabilidad creativa.
En realidad, la única "nueva" contribución de Wilson a "20/20" fue un tema titulado "I Went to Sleep", de Friends. Este tema, junto con "Do It Again" de Mike Love fueron los hits del verano de 1968.
Tras la ausencia del hermano mayor Wilson, los dos hermanos más jóvenes Dennis Wilson y Carl Wilson tomaron el control tanto dentro como fuera del estudio. Carl produjo una versión con Phil Spector "I Can Hear Music", dando a los Beach Boys su último 40 Primer hit original estadounidense durante los próximos siete años. Dennis progresó de sus contribuciones sobre "Friends" para entregar el dramático y dinámico "Be with Me" y "All I Want to Do" , cantado por Mike Love y destacar un interludio rápido no apto para menores de 18 años en el desaparecer. Sin lugar a dudas, el momento más polémico sobre "20/20" es Dennis "Never Learn Not to Love".
Antes de que el álbum comenzara la grabación, Dennis ya había tenido amistad con un músico polémico Charles Manson y había decidido ayudarle en la industria de música por la grabación de su canción "Cease To Exist", que terminaría siendo de propiedad de los Beach Boys, bajo el nuevo título Never Learn Not to Love. Manson explícitamente había dicho que las palabras no debían ser cambiadas, aunque él pudiera hacer que le gustó con la música (en el caso, la melodía básica era en gran parte inalterable). Cuando Never Learn Not to Love fue lanzado por los Beach Boys como un Lado B a finales de 1968, y acreditando únicamente a Dennis Wilson -con la lírica cambiada y un nuevo puente- Manson habría amenazado con el asesinato de Dennis.
Según el colaborador de Brian Van Dyke Parks, cuando Manson quería amenazarle, Dennis lo golpeo. El incidente Manson dio a cada uno un susto en el campo de los Beach Boys -sobre todo después de que sus crímenes conocidos salieron a luz. Algunos admiradores han sugerido también que Charles Manson escribiera "Be with Me", pero esto es probable debido a un malentendido simple: "Never Learn Not to Love" tiene una línea que contiene las palabras estar conmigo. Además, a diferencia de "Never Learn Not to Love", los Beach Boys "Be with Me" no se parecen a ningunas de las propias grabaciones de Manson. Bruce Johnston había estado esperando para su momento después de los años de apoyar los demás sobre la etapa y en el estudio. Él fue finalmente capaz de hacer una de sus composiciones sobre el álbum "20/20", el instrumental "The Nearest Faraway Place". La composición según se informa fue inspirada por el trabajo de Brian Wilson sobre "Pet Sounds", y su título estaba basado en un artículo encontrado en Life magazine. Su segunda contribución era una nueva versión del Earl Hickey's "Bluebirds over the Mountain".
Quizás reflejándose sobre "Sloop John B" y sintiendo que el relámpago podría golpear dos veces, Al Jardine sugerido a Brian que ellos trabajen en otro estándar de gente, que fue "Cotton Fields". Wilson produjo una grabación, pero el sentimiento de aquel Brian se contenía otra vez, Jardine siguió adelante y registró de nuevo la canción seis meses después de que la versión de Brian fue lanzada en el álbum "20/20".Como esto resultó, ya que mientras "Cottonfields" titulado de nuevo (el último single Capitol Records) era un fracaso internacionalmente en la primavera de 1970.
Después de todo el trabajo admirable, era irónico que Brian Wilson se llevara la palma con tres viejas grabaciones, sostenidas en la lata hasta entonces. "Cabinessence" (deletreado de nuevo como una palabra sobre "20/20") y "Our Player" sacada de las sesiones de "SMILE". Además, "Time to Get Alone", comenzado durante el Wild Honey sesiones intencionadas para Three Dog Night, también unos últimos toques recibidos y hizo el destello principal de "20/20".
Lanzado en febrero de 1969, "20/20" fue más vendido que "Friends", alcanzando un *68 puesto en EU, pero esto fue tan alto como *3 en el Reino Unido. Fue seguido por el single de "Break Away" (co-escrito bajo un seudónimo por Murry Wilson con el hijo Brian), una tentativa seria en un golpe, que sólo tuvo éxito en el Reino Unido. Sin inmutarse, y en resonante con la confianza y el sentido que ellos estuvieron al borde de un renacimiento principal creativo, The Beach Boys comenzaron a formular que demostraría ser uno de los álbumes más aclamados de su carrera.
wikipedia
The pains of being pure at heart
The Pains Of Being Pure At Heart - "Everything With You"
Discos como el debut de The Pains Of Being Pure At Heart dejan bien a las claras que no hay nada de malo en ser un grupo revivalista si lo clavas. Y los de Brooklyn saben como hacerlo. El secreto consiste en recuperar la estética y ética de un sonido como si se tratara de una cuestión moral, como si la vida te fuera en ello.
Transcender el ejercicio de estilo al no quedarse solo en el envoltorio. El imaginario revivido a conciencia en “The Pains Of Being Pure At Heart” es del C-86, el de la escudería Sarah Records, y el de todos los grupos que hicieron grande el sello Creation durante las segunda mitad de los ochenta. Los más despistados les colgarán la etiqueta de shoegazers por sus devaneos con My Bloody Valentine (tremenda “Stay Alive”) y The Jesus And Mary Chain (gigantesca “Gentle Sons”), pero aquí mandan por encima de todo el pop destartalado de The Pastels, las melodías alegres y ruidosas de Talulah Gosh, la excitación y el amateurismo de Black Tambourine y los textos cortavenas de The Field Mice. ¿Lo mejor de todo? Las canciones del disco son tan absolutamente buenas que hasta los no iniciados en el género podrán hincar el diente a uno de los debuts más apasionantes de este 2009.
Xavi Sánchez Pons para mondosonoro.com
jueves 26 de marzo de 2009
Ponytail - ice cream spiritual
Imagino que el descubridor y productor de este estrafalario grupo llamado Ponytail experimentó la misma sensación de sorpresa que nosotros al escucharles por primera vez. Él los ha definido como un “subidón de azucar” y la verdad es que la frase no puede ser más apropiada, teniendo en cuenta la mezcla insólita de inocencia y brutalidad en la que basan su sonido:
Podrán gustarte más o menos, tal vez pienses que son demasiado raros o incluso que tampoco rompen tanto. Está claro que lo que hacen no es totalmente nuevo; se aprecian influencias claras de grupos como Sonic Youth o The White Stripes. También se ha mencionado por ahí a grupos más desconocidos como Abe Vigoda o Deerhoof, aunque ellos dicen estar influenciados por el Master Of Puppets de Metallica, el grupo surfero The Ventures y los psicodélicos Grateful Dead. A mí personalmente me recuerdan a Melt Banana, una banda punk japonesa de la que hemos hablado aquí alguna vez.
En cualquier caso, ya sabes que esto de las influencias es siempre una chorrada y más si hablamos de un grupo como Ponytail, en cuya música nada suena como te esperas. Las guitarras zigzaguean en riffs imposibles y las voces son, en ocasiones, risas y gritos alocados. Ellos son muy jóvenes (aún van al instituto), pero parece el rock que hubiese compuesto un niño prodigio de cuatro años.
passion pit -chunk of change
Gracias a los amigos de Hivern Discs, sello y blog dosenuno, acabo de salir despegado de la silla al escuchar ‘Sleepy Head’ de Passion Pit, una de las seis canciones de su EP de debut Chunk Of Change y un temazo de pop electrónico juguetón candidato a canción del verano y a sonar varias veces la misma noche en carpas levantinas. En su myspace se pueden escuchar dos canciones más, ‘I’ve Got Your Number’ y ‘Better Things’, dignísimas comparsas que exploran terrenos más ambientales y funkies, respectivamente, que no aparecen en ‘Sleepy Head’. Como bien apuntan en Hivern Discs, Passion Pit pueden convertirse fácilmente en un gran hype, en the next big thing, y los herederos máximos de MGMT. Dentro tienen el vídeo de ‘Sleepy Head’. Como diría un heavy, a mover esas cabezas.
Giorgio Tuma - My vocalese fun fair
Imaginad una playa blanca. Imaginad las palmeras altas y delgadas, el olor embriagador de la leche de coco y la placentera sensación de los pies hundiéndose poco a poco en la arena. Imaginad el sabor fresco de un granizado de limón mientras fuera todo el resto se derrite. Imaginad el silencio del mar y las manchas de sal sobre la piel doradita. Ahora abrid los ojos y mirad a vuestro alrededor. ¿Sigue todo así, verdad? Los platos para fregar, la cama deshecha, la bombilla fundida, la última, brillante idea de vuestro jefe, la dichosa crisis, los consejos de los padres y esta lluvia, esta lluvia que moja los cartones por la calle, que altera los olores y los humores y que empapa el alma como si fuera un jersey. Si falta poco para que os echéis a llorar, tranquilos, hay una solución. Se llama My Vocalese Fun Fair y es el último, elegante, cálido y caleidoscópico álbum de Giorgio Tuma.
Canta en inglés acompañado por sus inseparables Os Tumantes (una versión menos exótica del grupo pop-psicodélico brasileño Os Mutantes) y en su proceso creativo no deja prácticamente nada fuera de la "coctelera": los incandescentes ritmos de samba y bossa, el pop anglosajón de toda la vida y un buen puñado de jazz latino. Nada dejaría sospechar que este chico capaz, con poco, de devolvernos la sonrisa, viene del sur más profundo de Italia, allí donde en las canciones “cuore” sigue rimando con “amore”, allí donde se come bien, las playas no tienen nada que envidiar a las de Brasil y siempre parece verano.
Si quisiéramos perder el tiempo y hacerle una gran injusticia a este álbum tan pequeño y tan especial, diríamos que se nota la influencia de artistas como Caetano Veloso o Jobim, de los Beatles más escurridizos y psicodélicos y del más sano lirismo pop. Diríamos que se parece a muchos otros discos (lo cual se podría decir de cualquier otro álbum) quitándole el derecho de parecerse sólo a sí mismo. Pero si quisiéramos hablar y bien, como se merece, de My Vocalese Fun Fair, deberíamos hacer una sola cosa: escucharlo y dejar que estas endorfinas mediterráneas empiecen a circular por nuestras venas.
Porque no pasa todos los días que un álbum tan auténticamente indie no sólo guste a los gourmets de las últimas tendencias musicales, sino que se haga entender y llegue a enamorar también a los que de indie no tienen nada, los que escuchan la radio cuando cocinan y que difícilmente se adentran en las estanterías más escondidas de la Fnac. Si no llega a ser un disco universal, es por pura casualidad.
miércoles 25 de marzo de 2009
Fitness forever -personal trainer
GRACIAS A ESE PEDAZO DE FISTRO DE MI HERMANO POR DESCUBRIRME ESTE DISCO !!!!
Fitness Forever - Bacharach
El sello madrileño Elefant, especializado en el pop más saltarín, melosón y molón publica al primer grupo italiano de su catálogo. Fitness Forever es un cuarteto singular liderado por Carlos Valderrama que resume a la perfección la elegancia del pop, con una mezcla curiosa y jugosa: aires del pop de los sesenta, de la canción italiana (‘Albertone'), de la música yeyé, del lounge y del easy listening (el precioso homenaje en ‘Bacharach'), e incluso retazos de la bossa nova (‘Je je jeox'). “Personal Train” es una referencia que encaja a la perfección con grupos del catálogo Elefant como Camera Obscura, La Casa Azul, Les Très Bien Ensemble o Cola Jet Set. También hay ecos del pop de Belle & Sebastian.
Como siempre buen gusto en la edición digipack, toque retro de la portada deportiva incluido. Un disco que te deleita con cada nueva escucha y con el que querrás bailar en cualquier guateque primaveral. Un bonito y luminoso hallazgo del pop europeo. Con Fitness Forever comprobamos que al pop le sienta bien sonar en italiano.
paisajes eléctricos.com
martes 17 de marzo de 2009
Dent may - the good feeling music of dent may and his magnificent ukelele
"Oh, Paris!" - Dent May & His Magnificent Ukulele
El joven Dent May, de apenas 23 años, ha estado tocando el ukelele desde que su madre le enseño cuando era todavía un niño. También ha estado trasteando con otros instrumentos por muchos años y ha escrito canciones de pop llenas de buenas vibraciones, en la estela de los Beach Boys, aunque para más señas están las dos primeras influencias en su lista de myspace: Lee Hazlewood y The Zombies. Lleva unos meses preparando su debut: "The Good Feeling Music of Dent May & His Magnificent Ukulele", que verá la luz el próximo 3 de febrero a través de Paw Tracks, el sello de Animal Collective. "Oh, Paris!" habla del amor de Dent por la capital francesa, la canción se incluye en el álbum, pero también se puede conseguir desde el verano en formato 7" a un precio inmejorable. Votamos porque Dent venga a España a presentar su disco, y que después de él toque Jens Lekman, y que los organizadores repartan chocolate con naranja y champán entre el público. Bueno, lo del champán y el chocolate tampoco es indispensable...
playgroundmag.net
Deerhunter - microcastle
Deerhunter "Strange Lights"
Bradford Cox, el peculiar líder de la banda de Atlanta (su extrema delgadez se debe a que padece el síndrome de Marfan -no, no es una pose-), declaró antes de la edición del álbum que estaba cansado de los largos desarrollos que caracterizaban sus últimas canciones, ese ruidismo repetitivo casi elevado al drone que hipnotizaba en ‘Cryptogrames’. Que estaba más interesado en las “microestructuras” (sic). Y esa es la premisa de ‘Microcastle’/'Weird Era Cont.’, canciones concretas, con melodías claras, con gancho, siempre pervertidas por el afán experimental del grupo.
Sin embargo, pese a ese interés por la concreción, asombra que lo que cohesiona ‘Microcastle’ sea la singular y arriesgada estructura global del disco: arranca sorprendiendo con temas casi comerciales como ‘Agoraphobia’, ‘Never Stops’ y ‘Microcastle’, atraviesa una fase central de calma chicha con las ambientales ‘Calvary Scars’, ‘Green Jacket’ y ‘Activa’, para levantar de nuevo el vuelo espectacularmente con la genial ‘Nothing Ever Happened’ y su espectacular coda final (una canción estremecedora que pretende narrar la vida más amarga jamás vivida, la de alguien que vive y muere sin haber sentido nada agradable, nunca) sin decaer un segundo (con esa gran ‘Saved By Old Times’, que cuenta con la voz de Cole Alexander de Black Lips) hasta esa nana venenosa final, ‘Twilight at the Carbon Lake’.
Por su parte, ‘Weird Era Cont.’ pretendía añadir algo de excitación a la salida del álbum que se había filtrado seis meses antes de su edición, así que decidieron volver al estudio y grabar otras trece canciones, canciones con la suficiente entidad como para observarlo más como un complemento a ‘Microcastle’ que como una anécdota. Se trata de un álbum de estructura más convencional y equilibrada, aunque abunden más en su lado experimental. ‘Operation’ o ‘Dot Gain’ tienden a la psicodelia, pero nunca pierden esos efluvios pop tan presentes en toda la obra. ‘Vox Celeste’ es un intensísimo crescendo de noise que contrasta con los aires de balada ’50s de ‘Vox Humana’, pero también hay sitio para el dream-rock de (claro) ‘VHS Dream’ y ‘Focus Group’ y cerrar la obra a lo grande con los diez minutazos de ‘Calvary Scars II/Aux Out’, una necesaria continuación del precioso tema incluido en ‘Microcastle’ que se funde y culmina con toda una orgía de guitarras al puro galope.
En mi opinión Deerhunter han conseguido una obra enorme, que no es sino un emocionante compendio, casi un manual de consulta, del out-rock norteamericano de los últimos cincuenta años: desde Bo Diddley, pasando por la Velvet, la psicodelia de 13th Floors Elevators, la no wave, Sonic Youth, Yo La Tengo, Pavement, The Flaming Lips, Liars… hasta Deerhunter.
jenesaispop.com
Dark captain, light captain - miracle kicker
Dark Captain Light Captain - Robot Command Centre
Para qué esconderlo, termino el año completamente enganchado a un disco que, de momento, está pasando algo desapercibido. El debut de Dark Captain Light Captain, un sexteto de Londres, que con Miracle Kicker acaba de facturar una pequeña joya donde la sutileza de las harmonías vocales y la elegancia de unos arreglos cercanos al minimalismo se mezclan a partes iguales, sin estridencias, formando un cóctel impecable.
Lo que empezó como un proyecto de estudio en el que un par de amigos grababan sus canciones folk, se ha convertido en una banda al uso, que a base de dulces melodías, escogidos arreglos, la justa rítmica y guitarras que guían el tempo de las canciones te envuelven en un halo de misterio y melancolía del que es complicado escapar. Muestra de ello son “Jelous Enemies”, “Circles”, la absorbente “Questions” o la espiritual “Everyone we know”.
Tan oscuros (“Miracle Kicker”) como luminosos (“Speak”), la banda juega, como en su nombre, con los contrastes, los ambientes lúgubres y letras cercanas a la ciencia ficción y a la decadencia tecnológica creando un universo único y personal. No sé si el tirón de bandas como Fleet Foxes les ayudará o, por el contrario, los dejará a la sombra, pero Dark Captain Light Captain son una apuesta que no deberíais dejar escapar.
muzicalia.com
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